Exposición «10×10=10+10»

Asociación de Artistas Plásticos de Málaga – Aplana

Desde el pasado jueves 1 de diciembre podéis disfrutar en la Sala de Exposiciones Manuel Barbadillo la colectiva 10×10=10+10, donde se podrá contemplar más de un centenar de obras de 31 artistas diferentes, estos han trabajado con el pequeño formato de 10×10 cm.

La exposición podrá visitarse hasta el 19 de diciembre, todas las obras valen 20€, con esto la asociación quiere que los visitantes regalen arte estas navidades.

Francisco Sánchez Gil

Francisco Sánchez Gil

SAVE THE DATE / MALAGA GALLERY WEEKEND 2022

PROGRAMA GALERÍA

Los modos de la luz, exposición dúo de Cybèle Varela y Pepa Caballero, comisariada por Isabel Garnelo y Carmen Cortés

 

                                          JUEVES 17

19:00 Visita guiada por las comisarias de la exposición, Isabel Garnelo y Carmen Cortés.
 

                                         VIERNES 18

17:30 a 19:00 visitas guiadas por alumnos del programa Apuntes de Arte (reservar en la galería)

19:30 Mesa redonda Mujeres artistas de los 60 y 70 en las dos orillas. Cybele Varela y Pepa Caballero, dirigida por las comisarias de la exposición, Isabel Garnelo y Carmen Cortés. Participan Cybele Varela, artista; Rocío de la Villa, crítica, docente y comisaria, y Lourdes Moreno, directora del Museo Carmen Thyssen.
 

                                         SÁBADO 19

11.30 Presentación de Queens, una baraja de mujeres reales, de la artista Blanca Montalvo, por María Jesús Martínez Silvente.




Aquellas personas que realicen el circuito completo de visitas de exposiciones en las galerías de la Asociación recibirán un documento con espacios habilitados para ser sellados por cada una de ellas, con el que podrán solicitar  entradas gratuitas para el  Centre Pompidou Málaga, Museo Ruso, el Museo Casa Natal Picasso, y este año también para el Museo Carmen Thyssen de Málaga. Estas entradas tendrán validez durante un mes a partir de la finalización del evento.

Inauguración – Los modos de la luz. Cybèle Varela y Pepa Caballero.

Los modos de la luz

Cybèle Varela / Pepa Caballero


Comisariada por Isabel Garnelo y Carmen Cortés


Viernes 11 de noviembre 2022, 19:00 h  /


11.11.2022 – 16.12.2022

Podría parecer extraño reunir en una misma exposición posiciones pictóricas que han estado enfrentadas históricamente como el Pop y la Abstracción. Con la intención de tomar esta circunstancia como un reto, la galería Isabel Hurley convoca a dos creadoras, Cybèle Varela (Petrópolis -Río de Janeiro, Brasil- 1943), reconocida artista del Pop brasileño, y Pepa Caballero (Granada, 1943 – Málaga, 2012), artista española que ha trabajado en el campo expandido de la abstracción hasta su fallecimiento. Varela ha estado vinculada al Pop latinoamericano y al tropicalismo. El deseo de estas prácticas de distanciarse del Neo-concretismo brasileño supuso un gesto de ruptura, similar al que se otorga al Pop Art americano en relación con la abstracción de la Escuela de Nueva York. Estos movimientos fueron hegemónicos entre 1959 y 1961. 

Las condiciones históricas, como es lógico, establecen una distancia entre las artistas, aunque las hermana tristemente por el hecho determinante de vivir bajo una dictadura que, tanto en Brasil como en España, marcaba el clima político de aquellos años. Este punto nos parece crítico en el encuentro entre Varela y Caballero, pues nos interesa dilucidar qué ha representado la práctica de cada una de ellas en el contexto artístico en el que la han desarrollado. 

Varela, desde muy joven, despliega una trayectoria internacional. Se formó en Río de Janeiro y en París, donde fue becada y participó en importantes exposiciones colectivas. Conectó con los movimientos internacionales como el Pop británico y americano o el Nuevo Realismo francés. Pese a ello, no ha sido debidamente estudiada ni inscrita en la historiografía de estos procesos, en los cuales trabajó en el momento de su eclosión, en ciudades que vieron un enorme desarrollo pictórico y teórico entre los años 1959 y 1964.

Por su parte, la artista española Pepa Caballero siguió diferentes caminos en su búsqueda artística, pero podríamos destacar su constancia como buena representante de la Abstracción Geométrica en Málaga y, por ende, en España. A pesar de ello, tampoco ha sido considerada en el contexto de los movimientos abstractivos nacionales. 

Ambas pintoras comparten, desde el inicio de sus carreras, una imparable actividad expositiva y, por lo tanto, productiva, aunque los planteamientos y el modo de afrontar cada una de ellas el hecho creativo es, sin duda, muy diferente. 

Para Varela lo importante es la idea y las imágenes a las que la elaboración plástica de la idea pueda dar lugar. Esta no es la única vinculación que podemos encontrar en su trabajo con los preceptos del arte conceptual. Durante varios años creó en torno al mismo tema, dejando que las imágenes impusieran sus propios relatos. Las soluciones así obtenidas han dejado constancia de la importancia conceptual de la tecnología aplicada. El uso de la fotografía y el vídeo, por ejemplo, ha sido una experiencia necesaria para favorecer nuevas especulaciones; entre otras, le ha permitido introducir el cuadro en la fotografía, como hace en sus pinturas con el cuadro dentro del cuadro, o para profundizar en su interés por la imprecisión de las imágenes. 

Pepa Caballero sigue un proceso creativo de progresión no lineal hacia la Abstracción Geométrica. En su caso, el interés por la superficie es absolutamente claro. La delimitación de los preceptos representacionales para incidir en la luz y el color, desde perspectivas tanto constructivas como analíticas, es el eje principal de su trabajo. El signo plástico y el resultado de la superficie son parte inseparable del contenido de la obra. Observamos la homogeneidad del pigmento aplicado con precisión sobre la tela, las divisiones impecables de los campos de color, el trazado exacto de las líneas que cruzan las zonas en que se divide el cuadro, la pincelada y el uso de la retícula. Todo se articula para plasmar una idea por el placer que proporciona el buen hacer.

En esta exposición podemos contemplar obras de Pepa Caballero que van desde finales de 1999 a 2002, una de ellas de la serie Trilogía, titulada Planos cortados por el oro de Fra Angélico (2002), las otras obras, sin título, realizadas en 1999 y 2000, pertenecen a la serie Mediterráneo. Las obras de Cybèle Varela fueron realizadas en épocas diversas. De la serie Solares, presentamos dos piezas, con el mismo título, Image, de 1975. De la serie Images, tres obras, con título Cascatinha e Image, del año 1985, y del año 1986, de nuevo titulada Image. Del final de la década siguiente, exponemos el díptico The Artist 1 (1999). El vídeo que exponemos se titula Transfer, realizado entre 2010 y 2013.

Pepa Caballero estudió en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Granada y en la Escuela de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría en Sevilla. Por su parte, Cybèle Varela se formó en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y más tarde en l’École du Louvre y en l’École Pratique des Hautes Études de la Sorbona.

Isabel Garnelo y Carmen Cortés

Las otras banderas exposición del colectivo la KAVRA

Obra de Francisco Sánchez Gil

Inauguración día 10 de noviembre a las 19 horas

En el Centro Cultural Cortijo de Miraflores  Marbella

Participan 30 artistas. El presente proyecto pretende denunciar de las banderas y de los símbolos crear. Crear un tsunami de luz y color construido con nuestros símbolos y artísticas banderas oficiosas para recrear un ambiente irónico, lúdico, reivindicativo, humorístico, de amistad, original, cercano. Cotidiano y cercano que nos aleje al menos por unos instantes del nada ilusionante  futuro que nos amenazas con sus punzantes mástiles en una lejanía cada vez más  cercana. Hay que sacar de nuestro cerebro esas originales banderas que pululan en nuestro subconsciente que esperan el momento de ver la luz… y ese momento es ahora.

Francisco Sáncez Gil

LA TRAMA DEL SÍ MISMO Y EL OTRO – FEDERICO MIRÓ

LA TRAMA DEL SÍ MISMO Y EL OTRO

FEDERICO MIRÓ

Inauguración: viernes 28 de octubre de 2022, 20:00 h.

Federico Miró viaja con los nazarenos de Málaga al encuentro de los samurais de Kioto, desde su propia tierra e identidad a la comprensión del otro como sí mismo. Una misma trama nos envuelve a todos, a nosotros que transitamos con diferentes ropajes y en diferentes paisajes, que no son más que ropajes y paisajes al fin y al cabo. Pero es en esta síntesis estética del artista donde cobran una importancia antropológica, porque desplazan la mirada a lo esencial, a la norma, a las convenciones que regulan nuestras prácticas en ausencia de rostros individuales. Se pone a un lado como telón de fondo nuestra religación con la Naturaleza y al otro lado las telas étnicas.

Ya en su anterior proyecto, se había aproximado a la cultura japonesa, inspirándose en el artista del siglo XVIII Utagawa Hiroshige y sus series de ukiyo-e. Ahora ha sido “touché” por un cuadro entre las cientos de obras que vio en la exposición “Japón. Una historia de amor y guerra”. Se trata de una escena que relata la salida de Okaru de la casa de Kanpei y pertenece al escritor y pintor Keisai Eisen (1790-1848). Coincidencia curiosa: Keisai era tan samurai como Federico Miró nazareno. Y si vamos a la pintura “pintura” encontramos otra afinidad en el cruce de caminos.

Keisai fue colaborador del gran paisajista Utagawa Hiroshige. Volvemos así mágicamente al primer proyecto de Federico Miró inspirado en Japón. No sólo eso, de la escena representada por Keisai, Miró ha abstraído los personajes, transformando el pequeño cuadro en un gran políptico con una síntesis del paisaje original. El cambio de dimensiones nos sugiere un ejercicio de adentrarse imaginariamente en el lugar del otro a la vez que una indagación obsesiva en el color y la composición venidas de una mirada distinta. Sin embargo, el proceso de abstracción de Federico Miró y la descomposición entre misticismo-paisaje y rito-ropajes, mantienen elegantemente la distancia necesaria para comprender la trama del asunto.

Teresa Calbo

J M g a l e r í a

30ª Feria de Arte Contemporáneo – galeria isabel hurley

SAVE THE DATE

ESTAMPA 

30ª Feria de Arte Contemporáneo 


Aideen Barry

Antonio R. Montesinos

Cybele Varela 

Ginger

Walter Martin & Paloma Muñoz



Stand / Booth 5B21
13 – 16 de octubre / October 13th -16th 
IFEMA, Feria de Madrid
Pabellón 5
Horario / Opening hours
13 de octubre de 11 a 20 h / October 13th from 11am to 8 pm
14 -16 de octubre de 12 a 20 h / October 14th – 16th from 12 pm to 8 pm

Galería Isabel Hurley
Paseo de Reding, 39, bajo izquierda 29016
Málaga
www.isabelhurley.com
+34 952 223 895
info@isabelhurley.com

Conversaciones con Goethe – LAURA BRINKMANN

Conversaciones con Goethe

LAURA BRINKMANN

Inauguración: Viernes 10 de junio de 2022, de 20:00 a 22:00 h.

Premio a la Producción Artística 2021

Sombras coloreadas

Que la fotografía tiene mucho que ver con la química es algo ya extendidamente estudiado. Que, de alguna manera, se relaciona también con la mística, en cuanto a lo que tiene de unión con lo sobrenatural ese afán de recreación imaginal del mundo de sombras que nos rodea, también. El afán creador de cualquier artesano que es demiurgo enamorado de su obra nos remite a la caverna platónica, desde la que observamos, emulamos y fabricamos realidades.

Anna Atkins fue una botánica e investigadora que consiguió captar plásticamente la sombra que marcaban las algas y especies vegetales que estudiaba, mediante la técnica, aún científica, de la cianotipia, uno de los primeros descubrimientos protofotográficos. Vanguardistas como Man Ray o Moholy Nagy experimentaron con esa huella que los objetos dejan en los papeles sensibilizados, buscando así una manera de arte experimental, surrealista, marcado por el azar y el inconsciente, sin pretensión formal ninguna.

En este momento histórico de proliferación y perfeccionamiento tecnológico de la imagen fotográfica, en el que el uso tan común y tan repetitivo nos ha llevado a perder, por sobreexposición a dichos estímulos visuales, esa sensación de misterio que da la sorpresa de la novedad en la primera experimentación, Laura Brinkmann vuelve su mirada a la esencia, reseteando siglos de historia, capas de superficialidad y prisa, para saborear con calma el origen y la magia de la fotografía.

Sus imágenes coloreadas registran la huella de la luz, descomponiendo su color mediante la observación y la experimentación.

Conversaciones con Goethe

Las sombras coloreadas son objeto de estudio de Johann Wolfgang von Goethe en su libro Zur Farbenlehre (Teoría de los colores) de 1810. Goethe observó que la intensa luz solar del mediodía produce sobre blanco una sombra negra o gris -o un valor más oscuro que la superficie-, pero que bajo otras condiciones, las sombras serán del color complementario del color de la luz.

Goethe estudió la fisiología del ojo en su adaptación a la luz, insistiendo en fenómenos como la percepción del color. La observación de la relación del tiempo en el que la luz incide sobre la superficie fotosensible que es la retina y los efectos visuales percibidos en contraste, le llevó a determinar su teoría del color a partir de colores complementarios. Su influencia, que fascinó a filósofos y físicos, se extendió a las prácticas pictóricas de impresionistas y románticos. Además, Teoría de los colores no sólo rompe radicalmente con las teorías ópticas newtonianas de su tiempo, sino también con toda la metodología de la Ilustración concerniente al reduccionismo científico.

Las impresiones Lumen del proceso explorado por Laura Brinkmann conversan con estos experimentos del alemán en torno a sombras coloreadas, aplicando distintos tipos de luces proyectadas sobre el papel fotosensible. Los halos coloreados que definen la teoría del color y el círculo cromático de Goethe son punto de partida para crear esos discos o círculos que la obra de Laura recrea gracias a una variedad de herramientas que utiliza durante el proceso fotográfico.

“A veces -explica- utilizo objetos confeccionados específicamente y que deposito en el papel exponiéndolos a diversas fuentes de luz durante minutos, horas y días en los que las sombras se van imprimiendo en el papel. En otras ocasiones, utilizo otros elementos para reflejar y desviar la luz sobre sus superficies”

Durante un año de exploración del proceso Lumen con papeles tradicionales de fotografía en blanco y negro para obtener círculos coloreados, utilizando luz solar o artificial, al igual que en aquellos halos subjetivos que describió Goethe, Laura Brinkmann observa la peculiaridad de cada obra única en la que el azar y la naturaleza dejan su huella creando estímulos visuales, concluyendo con una reflexión acerca de la búsqueda de la luz como modo de crear ilusiones ópticas.

Goethe, frente a Newton, explicó que la particularidad que permite estos efectos está en el ojo, y no en la luz: “el ojo es el que forma el color en las sombras para contrarrestar la intensidad de la luz coloreada”. Evidencia, así, la naturaleza creadora y a la vez distorsionadora de la realidad de un fenómeno físico, basado en las leyes de la óptica y de la naturaleza energética de la luz, que, sin embargo, nos sirve para comprobar científicamente que toda imagen es subjetiva y depende del lugar y las condiciones de percepción. Cuánto deberíamos aprender de esta protohistoria de la imagen fotográfica para volver a definir la condición de veracidad de la misma sobre la que se sustenta nuestra civilización y el imaginario colectivo.

De esta manera, -explica Brinkmann-, “las obras actúan como alusiones. Busco generar nuevas formas de ver explorando la relación entre el mundo físico, el tiempo y la percepción.”

Cromatografías

Podemos identificar también un hilo conductor entre la última serie de Brinkmann, “Capilaridad”, y este proyecto que conecta con el anterior y que crea un estilo y temática homogénea en estos últimos trabajos de la autora. La huella de lo que ha sido, que al final es la fotografía. La marca que deja la esencia. Lo que está en la base fundamental de la materia, del arte, de la pintura, de la imagen.

La cromatografía es “un método físico de separación para la caracterización de mezclas complejas cuyo objetivo es separar los distintos componentes”, la cual tiene aplicación en todas las ramas de la ciencia. Laura utiliza las placas de vidrio que usan los científicos para descomponer los colores de los vegetales con disolvente que hace subir por la ley de capilaridad. Una vez manipulada para que salga todo el jugo y color del vegetal, es una gota destilada de la planta lo que deja su huella colorida, como deja la luz su huella colorida en la serie “Sombras Coloreadas”.


Esta descomposición de color, también aleatoria, es un proceso natural y alquímico que culmina en una obra única no esperada. Esas pequeñas piezas de coleccionista que Laura despliega cual entomólogo, con curiosidad científica y al mismo tiempo con la sensibilidad de quien pretende salvaguardar un perfume, nos hablan también de la huella de lo que es presente en el tiempo circular o kairos de la obra de arte.

La presencia del color, al igual que los motivos fotográficos que podemos ver en parte de su trabajo, desaparece con el tiempo. La muerte del ave, la grieta en el huevo, la pluma, la rama que construye el nido, los sedimentos del agua, la huella de la luz, tienen en común esa impermanencia de cualquier huella de la materia y que es cualidad física y esencial de la vida misma.

Elena Pedrosa

Agradecimientos a Antonio Heredia, científico y catedrático de bioquímica de la universidad de Málaga, y Eva Domínguez, Científica del CSIC.

Laura Brinkmann Reimman (Málaga, 1977) es licenciada en Psicología por la Universidad de Granada y en Comunicación Visual, en la especialidad de Fotografía, por la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo. Ha obtenido el premio Málaga Crea, y los premios a la producción de Iniciarte, Ayuntamiento de Málaga y La Caixa. Ha participado en proyectos expositivos en los Museos malagueños MUPAM, CACmálaga y Centro Cultural María Victoria Atencia; Centro Andaluz de Fotofrafía, Almería; MOCA, Taipei; Piana Dei Colli, Palermo, así como en la Bienal de Jóvenes Creadores de Europa y el Mediterráneo, Skopje, Macedonia. Ha colaborado con el Festival de cine de Málaga y ha realizado numerosas exposiciones en galerías y Centros culturales nacionales. Ha participado en Ferias como Estampa, ArteSantander o ArteLisboa. Actualmente participa en la exposición “Galería de Espejos. 21 miradas andaluzas”, comisariada por Juan Manuel Bonet en el Centro Andaluz de Fotografía con itinerancias en el Museo de Málaga y el Teatro Cómico, en Córdoba.

Walter Martin & Paloma Muñoz

d

Blind House 3. Culvert Lake, NJ.

Walter Martin & Paloma Muñoz
Las Casas Ciegas

Jueves 12 de mayo 2022, 18:30 h

12.05.2022 – 14.07.2022

Nueva exposición del equipo colaborativo de arte multimedia que un grupo de 14 fotografías de la serie en curso Blind House así como dos nuevas esculturas, una de pequeño formato titulada Splitting, 2022 en referencia a la obra del mismo título que creó Gordon Matta-Clark en 1974, y una espectacular escultura de realidad aumentada titulada The Bird House, 2022. Las obras de la exposición retoman el tema del aislamiento de la cuarentena: la soledad que viene con la “fiebre de cabina” y las nuevas relaciones inesperadas hechas en ausencia de contacto humano.

El centro de esta última exposición es la serie Blind House que se expuso por primera vez en el Instituto de Humanidades de la Universidad de Michigan. «Cada una de estas 17 fotografías de casas a poca distancia de la ciudad de Nueva York ha sido alterada digitalmente para enmascarar las ventanas. Estas casas sin ventanas parecen carecer de almas, no son solo ciegas, como sugiere el título, sino que no tienen ojos». (Sharp, S. R. (2019, abril). Fotografias extrañamente inquietantes de casas sin ventanas. Hyperallergic.com. https://Hyperallergic.com)

La serie Blind House comenzó en 2013 y fue concebida como una metáfora de la opacidad radical necesaria para sobrevivir en la era del spyware, el robo de identidad, el jaqueo mental de las posverdades y noticias falseadas y vigilancia digital corporativa o estatal. Ahora, sin embargo, con más de dos años de pandemia en nuestro haber, esta serie de fotografías se lee menos como una metáfora y más como una serie de opciones reales en un catálogo de búnkeres pandémicos. Recomendamos que los visitantes descarguen la aplicación de móvil Adobe Aero en sus teléfonos antes de visitar la exposición para experimentar la escultura de realidad aumentada The Bird House, 2022.