Francisco Sánchez Gil, Proyecto Cobachotix. Museo ralli Marbella

 

Esta pieza del ajedrez, yo la he titulado la: “peona flamenca, revindicando a la mujer, en toda su faceta artística laborar, deportiva etc. Esta vestida de una forma flamenca y graciosa… la pena va por dentro.  ¡NO A LA VIOLENCIA DE GÉNERO! La técnica que he empleado consta  de: la propia pieza que es de madera, tela, collar  de plástico, aros de plástico, peineta de plástico, cola caliente, cola blanca, chincheta  y barniz. Medidas: 31,3 x 14,5 c m. año 2019.

PEONA FLAMENCA. MADERA, TELA, PLASTICO, COLA, CALIENTE, COLA BLANCA, CHINCHETA Y BARNIZ. 31,3 X 14,5 C M. AÑO 2019.

Museo Ralli Marbella acoge el “Proyecto Cobachotix”, concebido y organizado por Eva Gálvez, reportera de varias cadenas de radio y televisión, local y nacional.

Una intervención artística sobre un tablero de ajedrez gigante ¿Juegas?

 

Una intervención que reúne a 32 artistas contemporáneos -locales, nacionales e internacionales- de todas las disciplinas, desde artistas plásticos hasta poetas, en torno a las 32 figuras del ajedrez. A lo largo de la mañana, cada uno de estos artistas presentará una figura de ajedrez de gran tamaño (unos 30-50 cm) que previamente ha sido modificada artísticamente según estilo libre de cada autor.

La totalidad del “tablero” -transitable- será expuesto en un único espacio de forma que cada pieza pueda ser contemplada de cerca. Además del componente artístico, el discurso girará en torno a la idea que la figura o las figuras han inspirado en los y las artistas, bien sea la propia obra o cauce del mensaje artístico de cada uno de los artistas autores. La combinación de ideas será argumento y leitmotiv para potenciar el mensaje final: el contraste generado por las distintas formas de ver en torno a una misma pieza con significado diverso.

 

Hoy inauguración de Katarzyna Pcholik. Al otro lado. Viernes 22 de noviembre.

Katarzyna Pacholik

Al otro lado
De la penumbra que nos permite ver 

Viernes 22 noviembre 2019, 20:00h

La impresión que Katarzyna experimentó en el pasado durante su paseo por la selva de Bialowieza es reconstruida por medio del dibujo, que no quiere ser una plasmación de un recuerdo, sino una regeneración de lo vivido; a la manera de acceso. …

En la obra, este acceso es vinculado con una mirada hacia lo primitivo. La autora reivindica un reencuentro en que el ser humano renuncie a seguir perpetuando la disociación establecida entre él y el medio natural ……

La obra de Pacholik trae a presencia el proceso a través del cual lo natural tiene lugar; ofrece un espacio de contemplación lejos de la celeridad actual.

En el encuentro que nos ofrece Katarzyna con la selva, se produce una invitación a estos caminos ocultos. Se genera una fisura en la mirada hacia la realidad. Se nos da un acceso hacia lo invisible, hacia lo oculto de nuestra sensibilidad. ….El espacio expositivo quiere hacernos conscientes tanto de estas limitaciones como de la posibilidad de ser confrontadas. Lo infinito de la naturaleza se deja encajar en lo limitado de lo arquitectónico para retarnos a presenciar las dos partes de la realidad —visible e invisible—. Sólo debemos estar atentos, o en palabras de María Zambrano “en un momento de plena presencia, de la visión adecuada” frente a ese complejo de sensaciones.

Nos encontramos en un lugar de contemplación, lejos de factores tecnológicos, en que el propio espectador gestiona a través de sus sentidos el encuentro primigenio con el orden….. ¿De qué forma podría la parte estudiar la totalidad en términos absolutos? En palabras de Poincaré, “querer encerrar la naturaleza en la ciencia sería como querer meter el todo en la parte” ….

¿Se puede decir que en la naturaleza existe el tiempo? La noción de tiempo implica medir bajo ciertos parámetros el desarrollo de cualquier existencia…..

La selva procesa sus ritmos de forma independiente a estos parámetros. Pacholik, mediante el dibujo —entiéndase, el sentido procesual del mismo— se opone a la celeridad del mundo contemporáneo. La experiencia física del dibujo, a diferencia de la fotográfica, percibe y registra la continuidad del presente. La acción del dibujo construye el ahora. Asimismo, genera una experiencia temporal a través de la acción física que construye el proceso, por lo que afecta al modo en que se está en la actualidad. La plenitud de la operación no interrumpe la realidad. Tampoco almacena un momento sin continuidad; por el contrario, acumula fracciones temporales fluidas que legitiman la experiencia como no fragmentada. En palabras de Pistoletto, uno de los referentes de Katarzyna: “Vivir es dar prueba de la propia existencia. Eso es lo que es el dibujo”15. Bialowieza aquí no sólo es resto de carbón sobre papel. Lejos de ser el registro de un presente muerto, se carga de indicios físicos que testifican la estancia de la autora en el presente mediante el dibujo. La selva huye del color originario, todos los matices orgánicos reflejados en las tonalidades físicas de la selva se acumulan en las escalas de grises empleadas. De ese modo, se conforma una huella somática, que prueba el tiempo invertido en la acción dibujística.

El tiempo del dibujo es comparable al tiempo de la selva…Se trata de un presente que no considera ni el pasado ni el futuro, sino que los unifica en un único proceso con fin explícito de desarrollo …

Katarzyna nos presenta la selva virgen como espacio autónomo. Además, sugiere que es curativo debido a que el tiempo que en ella se genera permite al sujeto dirigirse hacia un estado de contemplación y alcanzar la paz que le es negada en la cultura posmoderna….

La obra de Pacholik pone en evidencia la infinitud de interacciones que el ser humano puede desarrollar para con la selva…..

Ahora, sólo nos queda hundirnos en un estado de contemplación por medio de este acceso hacia lo infinito de la naturaleza. Hacia aquello que se ha dejado encajar por Katarzyna en lo limitado del espacio arquitectónico. Sólo debemos permanecer atentos y recibir el encuentro con los caminos ocultos de la selva. Dispuestos a conquistar con nuestra mirada esa fisura que, en medio de la realidad, nos permite acceder a lo invisible.

Extracto del texto de Paula Ramírez Vega.

Exposición: Francisco sánchez Gil

 

SÁNCHEZ GIL CARTEL Marbella 2019

Martes 15 de octubre, 19 h.

FRANCISCO SÁNCHEZ GIL. PAPELES DEL SUR

 

Exposición del marbellero Francisco Sánchez Gil en la que usando materiales de reciclaje y los recursos de la tradición de la espartería (arte de fabricación de útiles y objetos decorativos mediante el uso de trenzados de esparto), presenta una serie de esculturas y relieves de muy variadas intencionalidades, en las que conviven la visión poética en la recreación.

La exposición será inaugurada con una amena disertación de su autor sobre las motivaciones que le han llevado a concebir este proyecto.

 

ESPETO DE SARDINA. PAPEL Y TÉCNICA MIXTA. AÑO 8-2-2018.

 

La exposición permanecerá abierta al público hasta el 31 de octubre en el Hospital Real de la Misericordia.

 

Celia Macías – “Evasión o Victoria” en Galería JM

 

Celia Macías_Evasión o victoria. 2019 Fuji film intax wide. 9,2 x 11,2 cm.

 

La fotografía, en general, ha perdido en los últimos 5 años cualquier magnitud asible. Son tantas las imágenes que se hacen, circulan, mueren y vuelven a nacer en apenas un segundo que parece haber perdido cualquier sentido pararse ante ellas. Diríamos, siendo nihilistas, que el artista ya no tiene nada que hacer, la persona fotógrafa ya no tiene sentido. Pero al igual que la pintura nunca murió la fotografía no va a dejar de ser refugio de artistas. Que todo el mundo produzca y consuma imágenes a cada instante no es un obstáculo, solo estaremos cada vez un poco más ciegos, pero nada más. Es precisamente ahora, cuando ya todo está tan lleno de imágenes que vivimos dentro de ellas, cuando trabajos como el de Celia Macías se convierten en necesarios.

“Evasión o victoria” es un trabajo de instantáneas con vocación de perdurar. La búsqueda de Macías puede parecer desordenada pero está llena de intuiciones y sobre todo de pequeñas historias por contar. Con esta exposición hemos querido poner en juego algunos elementos narrativos evidentes como son la composición en viñetas, la repetición de elementos o la fragmentación de momentos y lugares. Estos juegos de asociación no se han dejado al azar y no son nuevos porque ya estuvieron presentes en la mesa de instantáneas de la planta baja de la exposición en esta galería “Sin Maquillaje” (2014 comisariada por Fer Francés)

Las instantáneas supone ya un formato en sí mismo; además de la complejidad química, y en cierto modo mágica, que conllevan se relacionan con la naturaleza de una manera particular. En palabras del cineasta Wim Wenders, fascinado por la instantánea escribía en su diario con motivo de la exposición “Instant Stories: Wim Wenders‘ Polaroids“ (2017, The Photographer’s Gallery, Londres) que este formato se trata de un “original, un objeto singular propio, no una copia, no una impresión, no multiplicable, no repetible. No podías evitar sentir que habías robado ese objeto-imagen al mundo y transferido un pedazo del pasado al presente”

La instantánea, como la naturaleza, necesita de unas condiciones de luz y temperatura muy concretas para que puedan producirse. En los pliegues de estas condiciones es donde Celia Macías se mueve como pez en el agua. Ese “no saber muy bien qué es” que propone Wenders es el quid del trabajo de la sevillana: la necesidad del misterio.

El misterio entendido como lo entiende Luis Camnitzer en el primer capítulo del libro colectivo del Grupo de Educación de Matadero Madrid “Ni arte, ni educación” (2017): “Lo que superficialmente llamamos “misterio” no es el milagro congelado que nos entrega el dogma religioso. Tampoco es la representación de la oscuridad impenetrable de lo desconocido. El misterio es lo que nos marca el límite de lo que conocemos. Nos desafía para que desmitifiquemos a ese límite y que así podamos llegar al misterio siguiente.“ Para el artista y docente uruguayo este debe ser la función del arte.

Entender el misterio como necesidad también conecta la fotografía de Macías con su personalidad: astuta, observadora y vividora. Astuta porque no se ha dejado engañar, todos estos años, por las corrientes más fáciles y comerciales de la fotografía artística o comercial (su trabajo es más conocido en el ámbito de la música y en las fotografías promocionales de Rocío Márquez, Niño de Elche, Pony Bravo o Los Voluble siembre ha habido otra mirada, otra forma de desafiar la mirada); Observadora tranquila, que sabe que terminará encontrando las cosas sin la ansiedad a la que nos lleva este día a día, su trabajo, sin ser prolífico es constante y minucioso; Vividora, en la tercera acepción del diccionario “persona que disfruta de los placeres sencillos”, que es capaz de disfrutar ante la adversidad y las complicaciones del trabajo de fotógrafa andaluza. Todas estas cualidades se despliegan en las ferias, en los patios, en las procesiones y en las romerías donde Macías encuentra ciertos patrones que no estaban tan a la vista. Celia Macías nos descubre siempre cosas.

La ausencia de retrato, el asombro por su propia figura (su autorretrato), el archivo infinito, el uso de los espacios entre medias, la fotografía como camino, la revelación de las grietas, las conexiones hacia arriba y hacia abajo, hacia el cielo y hacia la tierra, hacia al azulejo y hacia la yerba son los leit motivs de las obras que construyen esta constelación narrativa que forma “Evasión o Victoria”. Es con tiempo y con cercanía como se ha construido esta colección que hoy se muestra, quizás es así, con cierto grado de contemplación profunda como deben ser consumidas. El juego no defrauda, las instantáneas de Celia Macías se crecen en el tiempo lento. Ahí es donde está la liturgia de sus imágenes.

 

Inauguración del monumento a Reding en Málaga

 

La Asociación Histórico – Cultural “Teodoro Reding” de Málaga, quiere comunicar que de forma oficial se ha fijado para el próximo 4 de octubre, a las 12:00 horas, la inauguración en la Plaza de la Malagueta de la estatua de Theodor Reding (1755-1809), gobernador y corregidor de Málaga, y el general que dirigió a las tropas españolas hacia la primera victoria sobre un Cuerpo de Ejército napoleónico en la batalla de Bailén de 1808.

 

Teodoro Reding XII Homenaje.jpg

 

Un objetivo al fin cumplido tras más de una década de trabajo y la recolección de fondos a través de la organización de múltiples actividades culturales y campañas de recogida de céntimos, además de obtener el decidido apoyo de instituciones y colectivos de Suiza que han terminado por completar la suscripción popular para esta obra del artista malagueño Juan Vega Ortega.

 

Para acto tan ilusionante para nuestro colectivo, que sin duda será un hito para la Historia de Málaga y España, nos gustaría contar con su presencia. Ya se ha confirmado que contaremos con la participación del Embajador de Suiza y el Presidente del Gobierno del Cantón suizo de Schwyz, de donde era originario Reding.

 

Recordamos que puede estar al tanto de todas las noticias de la asociación y sobre la próxima inauguración siguiendo la página: www.facebook.com/redingmalaga

 

Un cordial saludo,

 

Jon Valera Muñoz de Toro

 

Exposición de Joaquín Ivars

GIH

Joaquín Ivars

Joaquín Ivars
En este marco incomparable.

31 septiembre – 26 octubre 2019 /
September 13th – October 26th 2019

 

[…] Dentro de la exposición titulada EN ESTE MARCO INCOMPARABLE… propongo algunas piezas que a pesar de su diversidad formal y temática tienen que ver con el marco, o su idea, de forma explícita o implícita. Aunque se traten aspectos variados de nuestras vidas, y de manera desigual, el elemento de articulación de esas diferencias, paradójicamente, es la separación, algo que resulta tan chocante como común. (Una articulación ósea es la ausencia de hueso, y es gracias a ese vacío que los huesos resultan útiles; igual ocurre en un texto con el vacío entre palabras o letras, que es lo que permite una lectura eficiente). Las piezas, en este caso, están reunidas aquí por la atención prestada a aquello que en ellas se aparta o sirva para apartar -sea marco, sea del resto del mundo, sea distinción por planos materiales, virtuales, texturas, ambientes, conceptos, autoría, etc. Es una exposición como cualquier otra en la que se expone lo que el autor ha elaborado, seleccionado o dirigido y considera digno de diferenciar con cierto énfasis y de exponer a sus congéneres. Pero quizás lo que se considera estimable es aquello que tiene que ver con los elementos de separación o distinción; aspecto este que nos conduce a una explícita meta-artisticidad y a una violencia implícita, emboscada, en la selección “amable” que se corresponde con el hecho de exponer cosas que aparentemente solo tienen que ver con el “arte” o con su mundo.

[…] Como resumen final, podríamos decir que siempre que distinguimos lugares de manera “dura”, estamos expresando que los accesos son limitados, restringidos, y están regidos por una violencia territorial a menudo balizada con la “naturalidad” de lo simbólico. Si queremos acceder a algo fuera de nuestro alcance existen unos exigentes y arbitrarios umbrales que atravesar, unas condiciones de posibilidad para que nuestras opciones se realicen y nos transformen en agentes dignos de transitar ese nuevo y “maravilloso” espacio de la “distinción”. Y entonces las preguntas que vienen al caso podrían ser: ¿Qué he de dejar atrás para acceder a todo eso? ¿Qué clase de violencia sufro o me he de auto-infligir para tener que someterme a un espacio tóxico que requiere de mí semejante dependencia? o ¿qué tipo de naturalización mental, quién sabe si más humillante aún, he de sufrir para destrozar mi dignidad con el fin de sentir el aplauso de los elegidos de este mundo perverso y absurdo de la fama, la corrupción, el éxito y la codicia? ¿Es todo eso más importante que mi sentimiento de independencia, autonomía y emancipación?

En el teatralizado aparte de la galería podemos reflexionar sobre eso antes de volver a salir al mundo; en este, todo vuelve a centellear o a decepcionar del mismo modo en el que lo hacía dentro. En el exterior percibimos que el aparte de la exposición (en la que por cierto ningún marco tiene cualidades físicas convencionales, solo trabajo con su idea o su imagen) no era más que un reflejo del afuera; el buñueliano y paralizante ángel exterminador o no existe o somos todos los que aceptamos los cánones impuestos y abonamos sus tasas. Quizás, como mucho, al salir quepa preguntarse qué nos dejamos en el interior o qué nos llevamos al afuera. ¿Es posible producir algún tipo de emancipación desde la cordial violencia que ejerce este marco incomparable… ?

Joaquín Ivars

 

EXPOSICIÓN: “Mascaras y rostros de carnaval”

 

Cartel de exposición de Francisco Sánchez Gil, Alhama de Granada

 

Estas obras esta inspiradas en los carnavales de Alhama de granada, en uno de mi visita a Alhama en el invierno del pasado año, me quede maravillado de sus gentes, calles, monumentos, sus casas, paisajes, los tajos, y con su carnaval tan autentico y especial forma de combinar colores, sus atuendo y la vistosidad de sus máscaras y forma de disfrazarse, sin duda alguna es una maravilla de coloridos y explosión de color. Yo me he basado en algunas de las fotografías, carteles, videos y por la redes sociales, que he visto y visitado, así que mis obras están basadas en observación de ellos. Mis obras están elaboradas con diferentes técnicas y materiales, siendo el soporte cartulina y cartón. Las obras a exponer son un total de 20 piezas de pequeños y medianos tamaños., las cual espero que gusten al público de Alhama de Granada.

 

 

Exposición de Francisco Sánchez Gil en Alhama de Granada

Del 15 de junio al 12 de julio del 2019

Plaza los presos, 11, Alhama de granada

Horario: 1100-15:00,16:30-18:00

 

 

Reconforta comprobar que ciertos artistas, como Francisco Sánchez Gil, no se doblegan ante criterios interesados o tendencias partidistas, y continúan fielmente con su peculiar ideario estético. Pinturas, bocetos, esculturas, ensamblajes…, cualquier material es susceptible de ser trocado, manipulado e incluso degradado por este marbellero inquieto y vivaracho. Y no es para menos, pues su desbordante imaginación posibilita toda conjunción, real o ficticia, de técnicas y elementos con frecuencia antagónicos. Sin embargo, su mayor virtud estriba, a mi juicio, en la valentía insobornable a plasmar su universo personal con un lenguaje propio y singularísimo, reconocible en las formas externas pero imprevisible en su intención postrera. Un lenguaje, en definitiva, que anuncia desde hace muchos años la valía de un autor completo y complejo, seguro e innovador, un nombre ineludible para una posmodernidad ahíta de provocación y necesitada de propuestas coherentes y estructuradas.

 

José Manuel Sanjuán

Historiador de Arte

Santa Águeda en el burdel. Una performance de DELIA BOYANO en JMgalería

 

Santa Águeda en el burdel 01

 

Santa Águeda en el burdel

Una performance de Delia Boyano

 

Sábado 25 de mayo a las 20:00 h

J M g a l e r í a

 

Delia Boyano: primera artista en participar en JMenvivo

 

El próximo sábado 25 de mayo, a las 20h., Delia Boyano realizará la performance Santa Águeda en el burdel, en JMgalería dentro de la programación de JMenvivo.

La artista malagueña será la encargada de inaugurar el proyecto JMenvivo, un programa de performances y live art en paralelo a la programación expositiva de JMGalería, que está dirigido por Marc Montijano y coordinado por Susana Hermoso-Espinosa.

La obra Santa Águeda en el burdel forma parte de After Zurbarán, un proyecto en el que Delia Boyano reinterpreta en clave de performance la serie de lienzos de Francisco de Zurbarán  (1558-1664) conocidos como Las Santas, en los que el pintor barroco representa a dieciocho mártires cristianas en su transición al Paraíso. Las performances del ciclo centran su interés en la relación que se establece entre el cuerpo de las mujeres y los objetos de tortura que portan en las manos, pues estos son símbolos duales, al mismo tiempo puentes a su santidad pero también a su muerte. En Santa Águeda en el burdel, Boyano actualiza el retrato de Santa Águeda, a la que Zurbarán pinta con una bandeja en la que reposan sus senos cortados.

Durante esta temporada expositiva, se realizarán dos performances vinculadas al actual proyecto expositivo Los sueños de Dante, que dialogarán con el espacio y las obras expuestas en la galería.  A partir de septiembre, a lo largo de la próxima temporada, este proyecto continuará con varios artistas invitados. Consolidándose como parte de la programación habitual de la galería y con la intención de convertirse en un referente y puntal dentro de la performance actual.

Dentro de JMenvivo,  se programarán diferentes manifestaciones de arte vivo o live art, desde las más experimentales a las más clásicas. En el arte en vivo los géneros se confunden y se hibridan. Es un arte que está mutando continuamente, el live art puede ser danza, teatro, música, perfomance, activismo, poesía, diversas prácticas multimedia, etc, pero sin categorías cerradas, un universo trasfronterizo, que se abre a mil influencias y corrientes actuales.

Delia Boyano López de Villalta (Málaga, 1994) es Graduada en Bellas Artes (2016) por la Universidad de Málaga, y en 2018 terminó el Máster en Performance Design and Practice en Central Saint Martins College of Arts and Design, UAL (University of the Arts of London). Actualmente cursa el grado en Historia del arte por la UNED. Destacan sus dos exposiciones individuales, La corona de la Reina (Sala de exposiciones de la facultad de Bellas Artes de Málaga, Málaga, 2017) y The Cucumber Sandwich Club (ColumnaJM, Málaga, 2017), ambas coordinadas simultáneamente por la Institución Académica y la JMgalería como parte de un mismo proyecto comisariado por la profesora de la UMA, Blanca Montalvo. Además, ha sido seleccionada para participar en diferentes exposiciones grupales, como es el caso de la exposición de arte digital y nuevos medios en el I Congreso Internacional Atenea (Salas de la UPV, Valencia, 2018), Cómo se Cuentan las cosas (Sala de exposiciones de la Facultad de Bellas Artes de Málaga, 2017), A minute Ago (Zabludowictz Collection, Londres, 2018), 10 fugas (Salas Rectorado UMA, Málaga 2017), MA Work in Progress exhibition (Central Saint Martins, Londres, 2016), o La Chistera (MAD, Antequera, 2016).  También ha podido disfrutar de residencias europeas, como la residencia creativa de Central Saint Martins College of Art and Design en Inteatro Villa Nappi (Polverigi, Italia) en 2017 y 2018, y la residencia para artes escénicas en el Rabbithole Theatre (Atenas, 2017).