Dorthe Steenbuch Krabbe + The French-Clot-nection: Lars Nørgård.

Dorthe Steenbuch

 

Dorthe Steenbuch Krabbe + guest:


The French-Clot-nection: Lars Nørgård

Galería Krabbe 7.12.2018 – 26.01.2019

 

Inauguración: viernes, 7 de diciembre, de 18-20 h. Venid a disfrutar del arte y una copa de vino. Galería Krabbe organiza una cena para después del evento. 20€/cubierto. Plazas limitadas. Registro por correo electrónico a: galeriakrabbe@gmail.com

En ésta ocasión la exposición de Navidad de Galería Krabbe estará compuesta por las obras escultóricas inéditas de Dorthe Steenbuch Krabbe, y litografías realizadas por el artista plástico danés, Lars Nørgård. Lo que destaca especialmente en esta muestra, es que Lars Nørgård muestra la litografía en color más grande del mundo (200x280cm), realizada en colaboración con Christian Bramsen, en el parisino taller litográfico, Atelier Clot, Bramsen & Brunholt. Además, una edición de las 12 piedras individuales en versión recortada, se venderán por separado.

 

 

Anuncios

Francisco Sánchez Gil en Postales desde el limbo.

 

POSTALES DEDE EL LIMBO. OTOÑO 1. BOLÍGRAFO Y LÁPIZ S CARTULINA. 18 X 13 C M. AÑO 4-10-2018. (1) POSTALES DEDE EL LIMBO. OTOÑO 1. BOLÍGRAFO Y LÁPIZ S CARTULINA. 18 X 13 C M. AÑO 4-10-2018. (3)POSTALES DEDE EL LIMBO. OTOÑO 1. BOLÍGRAFO Y LÁPIZ S CARTULINA. 18 X 13 C M. AÑO 4-10-2018. (2)

 

Participación de Francisco Sánchez Gil con tres obras este año.

http://postaleslimbo.blogspot.com/

 

El Proyecto y los Artistas 
 
 
Postales desde el limbo, es una idea que parte de otras: juntar artistas y clientes para un fin benéfico. En este caso hemos adaptado un proyecto neoyorkino (que cuenta ya con más de 15 ediciones al público) a la ciudad de Zaragoza. Es un proyecto sencillo y ambicioso a la vez. 
 
En cada edición un gran número de artistas (más de 800 en la VI edición, 2015), realizan una o varias postales. La organización les proporcionará el soporte para que sean todos iguales. El elenco de artistas, será lo más variado posible. Reunimos a artistas consagrados junto a artistas emergentes.
La gracia y el interés radica en que el com­pra­dor no sabe de quién es la obra que está adquiriendo. Sólo se dejará llevar por la fascinación que la misma ejerza sobre él, teniendo la suerte de poder comprar obra original de una pri­me­ra figura o de un artista novel. Sólo después de haber adquirido la obra se sabrá de qué artista o artistas se tratan.
 
Entre todos, queremos llegar al mayor  número de artistas y de compradores posibles, a la vez que velar  por la calidad y el nivel de lo que se exponga.
 
Participan desde artistas plásticos, ilus­tra­do­res, diseñadores gráficos, diseñadores in­dus­tria­les, cocineros, escultores, fo­tógra­fos… todo el que pueda decir algo con una postal, lo más sencilla o lo más compleja que quiera, con técnica completamente libre (co­llage, digital, fotografía, técnicas mixtas, planas, vo­lu­mé­tri­cas…). La única limitación artística está en el soporte.

 

 

Los sueños de Dante en Galería JM

 

Los sueños de Dante JM

Los sueños de Dante

 

Daniel Cuberta, Federico Guzmán, José Luís Valv

 

El acto de pensar en la muerte presenta cierta sugestión hacia la idea del abismo, el vértigo y la angustia bajo la sospecha intelectual de que posiblemente no exista ninguna trascendencia post mortem. Desde los inicios, ha sido objeto de preocupación como ineludible y perturbador destino de nuestra especie y ha estado vinculada a los giros privativos de cada cultura, su religión, sus creencias y su idiosincrasia.

 

Distinguimos, a vista de pájaro, dos hitos históricos que en occidente son fundamentales para abordar el tema de la muerte. De un lado, el Barroco y el pensamiento que deriva del calvinismo holandés, desencadena la idea del Tempus Fugit y de que somos materia transitoria a la que lo terrenal corrompe, omnipresente en la literatura del momento a través de obras como La cuna y la muerte de Quevedo o Discurso de la verdad, de Miguel de Mañara, y en la pintura de Vanidades.  Por otro, el Romanticismo, y su interés de búsqueda de belleza en el descanso eterno, que evoluciona en adelante hacia un hedonismo vital, que, pasado por el catalizador de la razón, es diseccionado escrupulosamente por personajes de ficción como Dorian Grey o el Marqués de Bradomín.

 

La postmodernidad, en consonancia con su propio devenir, ampara actos que carecen de importancia y relativiza argumentos capitales en pro de abanderar una inteligencia irreal que se basa en el dominio de nuestro propio yo por encima de lo fortuito. Esta idea subyace en la exposición, a través de la que se analiza la visión actual sobre este fenómeno como un posible tercer hito que se está produciendo en relación con los cambios sociales vinculados a este momento.

 

Este recurrente y perturbador objeto de reflexión se materializa, a través de la exposición, como la cristalización de una actitud moderna ante el momento decisivo, utilizando obras de artistas que a través de su trabajo desgranan una visión positivista del Memento mori, una secuencia temporal del tránsito, de una muerte vista desde un prisma contemporáneo.

 

En la visión de estas distintivas fases, José Luis Valverde (Málaga, 1987), ocupa el primer estadio, representando la creencia, con una pintura que alude al gnosticismo y la vanidad, el pensamiento del que aún vivo, temeroso y resignado, afronta el fatal desenlace. Sus bodegones florales aluden a lo caduco, sus esqueletos a la muerte, y sus Visiones de San Pedro, a la esperanza en la posible existencia de la Jerusalén Celeste.

Como postulan las históricas Danzas de la Muerte, su pintura se torna en meditación sobre la finitud de la vida, el último arrepentimiento y la postrera ilusión estigmatizada por “la corrosión inevitable de la vida”, como expresa Keats en su Oda a una Urna griega.

 

En la segunda fase de esta visión actual del camino al tránsito definitivo, describimos la profecía, materializada en la exposición con la obra de Judith Samen (Gladbeck, Alemania, 1970).  En su trabajo se refleja la convicción de que transcurrimos hacia lo caduco y, por tanto, el devenir del paso del tiempo. Sus acuarelas tituladas “Never realized animation” son fotogramas de una acción que no ha ocurrido, una especie de condensador de una narrativa que se vislumbra a un solo golpe de vista, y en la que se tantea cierto carácter de desenlace, casi mesiánico. Ocurre de igual modo con su obra fotográfica, en la que existen rasgos estéticos y paralelismo temático con la pintura holandesa del XVII.

La obra de Daniel Cuberta (Sevilla, 1972), por su parte, es reflejo de este tiempo y sus necesidades. Sus vídeos ponen de manifiesto el tercer aspecto del proceso a tener en cuenta: la actitud. Sus videos expresan deleite ante la vida, focalizándose en cuestiones vinculadas a la muerte a través de metáforas como el ocaso, el discurrir o el final optimista de las cosas. Aborda el devenir sin la preocupación platónica, y el autodesprecio como síntoma de la falta de autocontrol. Es una forma de banalizar la existencia, como hicieron en el romanticismo autores como Keats o Baudelaire.

La acción en cuestión, está encarnada por la plástica de Santiago Ydáñez (Puente de Génave, Jaén, 1969), que representa explícitamente la muerte y su simbología a través de su pintura. El perro y el jilguero, como animales asociados a la mitología del más allá, las exequias o la putrefacción de los cuerpos reflejan la vileza con la que el deterioro se ensaña con un cuerpo vencido y la necesidad humana de ritualizar lo incomprensible. Su obra representa la definición directa y nimia de la muerte, como la representara Emily Dickinson, Terry Pratchett o León Tolstói, quienes nos recuerdan que después de existir, no somos más que olvido.

 

Por último, en este camino, se da la fase relacionada con la trascendencia que se pone de manifiesto a través de la obra de Federico Guzmán (Sevilla, 1964). El ser humano tiene intención de trascender, y esto es algo vinculado a lo espiritual y lo sensitivo. Con su trabajo, estudia las posibilidades experimentales de la idea de “ser yo sin yo”, y lo hace a través del ensayo con plantas hacia la producción del tomacum, pharmakon embriagante y sanador, de la transformación con su obra Mariposa de fuego, y el amor, con su escultura de la mandrágora que representa a dos amantes abrazados.

 

Octavio Paz afirmó que el amor no vence a la muerte, pero la hace parte de la vida al proponer amor eterno como posibilidad y como trasgresión del aquí y el ahora, y en este sentido, abordarla desde una óptica desmitificada es, al fin y al cabo, extensión y reflejo de nuestros días.

 

El sur de Picasso. Referencias andaluzas – en el Museo Picasso.

 

1_sur_picaso_655

 

l sur de Picasso. Referencias andaluzas es una exposición del Museo Picasso Málaga que, con el auspicio de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte y patrocinada por la Fundación Unicaja, recorre la historia del arte español mostrando obras de Picasso junto a valiosas piezas arqueológicas y pinturas de grandes maestros como Zurbarán, Velázquez, Murillo, Goya, María Blanchard y Juan Gris, entre otros, en una ambiciosa muestra que transita desde el arte íbero, pasando por la antigüedad clásica y desembocando en la modernidad de sus coetáneos. 
La influencia del Mediterráneo, la mirada mágica, el retrato en la historia, lo clásico, la representación de la vida y la muerte en el Barroco, las dolorosas, los arquetipos y los rituales son algunos de los argumentos que sustentan esta aproximación a temas que forman parte de la iconografía del artista malagueño como son la tauromaquia, el bodegón, la vanitas, la maternidad o los ritos.
“Para mí no hay ni pasado ni futuro en el arte. Si una obra de arte no puede vivir siempre en el presente no ha de ser considerada en absoluto. El arte de los griegos, de los egipcios, de los grandes pintores que vivieron en otras épocas no es un arte del pasado, tal vez está más vivo hoy de lo que lo estuvo nunca”.
Pablo Picasso en conversación con Marius de Zayas, 1923. En: Josep Palau i Fabre.
Picasso: de los ballets al drama, (1917-1926). Barcelona: Polígrafa, 1999, p. 487
El sur de Picasso. Referencias andaluzas brinda un recorrido sintético por la historia del arte español mostrando obras de Pablo Picasso junto a valiosas piezas arqueológicas y pinturas de grandes maestros de nuestro país, en una ambiciosa muestra que abarca desde el arte íbero, pasando por la antigüedad clásica, el barroco y finaliza cuando el artista malagueño se convierte en una figura guía para sus coetáneos protagonizando un episodio esencial en la modernidad artística española. Esta exposición está enmarcada en el proyecto internacional Picasso-Méditerranée, liderado por el Musée national Picasso-Paris, con el auspicio la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte y patrocinada por la Fundación Unicaja.
En El sur de Picasso. Referencias andaluzas se explora el tránsito intelectual que hace Picasso del sur al norte, sirviéndose del patrimonio simbólico de su tierra para regresar de algún modo al origen, queriendo centrar la atención en la profunda huella que la cultura mediterránea ibérica tuvo en su obra. Para ello ofrece el diálogo entre una selección de obras de sus diferentes periodos creativos con ejemplos escogidos del rico patrimonio histórico-artístico español, del que fue un gran conocedor.
El sur de Picasso. Referencias andaluzas tiene entre sus objetivos subrayar cómo el carácter visual de la obra de Picasso está marcado por rasgos y cualidades como la austeridad o el descreimiento afines a la memoria colectiva de este país, palpables en su patrimonio artístico y presentes en las expresiones afectivas de las gentes que durante muchos siglos han ido construyendo artísticamente una identidad cultural que en el caso específico de Andalucía es un claro crisol de tres culturas.

Antonio R. Montesinos – LOOP-HOLE en la Galería Isabel Hurley

 

LOOP-HOLE

 

25 de octubre – 7 de diciembre de 2018 / October 25th – December 7th 2018

La expresión inglesa Loop-Hole significa literalmente «un agujero en un bucle», pero se puede traducir como un «vacío legal», un «resquicio» o directamente como “escapatoria”.

Con esta expresión se explica cómo siempre que hay un loop —un bucle, un nudo, un obstáculo— este mismo bucle abre un espacio —agujero— por donde poder escapar. Se utiliza frecuentemente para hablar de vacíos legales, de huecos en la seguridad y en general de todo lo que escapa a un sistema de clasificación, de seguridad o de disciplina.

Este proyecto Antonio R. Montesinos pretende continuar investigando sobre metodologías, conceptos y temáticas habituales en su trabajo, como la deambulación urbana, la fotografía o la utilización de objetos y materiales encontrados. En el plano conceptual se pretende trabajar una vez más sobre «lo ordenado y lo entrópico», la reinterpretación de reglas, lo lúdico y sobre cómo podemos ejercer cierto rango de libertad cuando usamos de forma distorsionada las estructuras que organizan nuestra experiencia cotidiana.

Por tanto, la exposición pretende exhibir una serie de piezas que juegan/pervierten ciertas estructuras que organizan nuestros movimientos en el espacio público. Estructuras como las vallas, la señalización pública o los procesos de higiene. 

 

Mail -Art: La locura.

 

La locura, 29-5-2018

 

Tema: La locura

Técnica: libre (dibujo, collage, pintura, grabado, fotografía, etc.) 

Tamaño: 10 cm x 15 cm

Fecha de cierre: 22 de Octubre de 2018

Cada obra debe llevar al dorso los datos del autor: nombre, dirección postal y correo electrónico.
Las obras deben ser enviadas: por correo postal, o por e-mail.

Por e-mail: en formato jpg de 300 dpi a luismorado@hotmail.com

Por correo postal a: 

Luis Morado 

Pedernera 360 “5” (1406) CABA, Buenos Aires 

Argentina

No habrá selección ni devolución de obras. 

Todas las obras serán subidas a la página: 

 

http://artecorreo-mailart.blogspot.com

 http://luis-morado.blogspot.com.ar/

http://tallermolinorojo.blogspot.com.ar/

http://artecorreo-mailart.blogspot.com.ar/

 

Kovatchev exhibition in Brussels, 7th October 2018

valentin kovatchev in brigit art gallery

EXPOSITION

BRIGIT ART GALLERY
a le plaisir de vous inviter à l’exposition de

PHILIPPE BRODZKI / Sculpture

VALENTÍN KOVATCHEV / Peinture

 

– HORAIRE –

de mercredi à samedi de 15h00 à 19h
le dimanche de 11h00 à 19h00
ou sur rendez-vous

le lundi et le mardi la galerie restera fermée

 

Valentin Kovatchev was born into a family of jurists and diplomats in Sophia in 1953.

He graduated in the Faculty of Fine Arts in Sophia in 1981, specialising in engraving.

Artist, curator, professor, editor and gallery owner, has been committed for decades to the creation, editing and promotion of contemporary artists, by participating in art fairs and biennials, as well as in various projects, both on a national and international level in Bulgaria, Czech Republic, Germany, France, Belgium, Italy, Spain, Finland, Switzerland and Great Britain, among others countries. Also, he has participated as a jury member in diverse contests and biennial painting, drawing and engraving shows.

His marriage in Spain in 1992 led to his moving his residence from Sophia to Malaga, an event which led to the spectacular creation of a new Spanish series and themes.

In 1994, for the first time in Spain, he directed an engraving course, which inaugurated the Workshop of the Goya Museum.

In 1995 he was nominated Academician Correspondent in Malaga by the Royal Academy of Fine Arts of Saint Elisabeth of Hungary, in Seville.

In 1996 he was nominated Academician of the Senate by the International Academy of Modern Art of Roma. He obtained the Goya Silver Medal, representing Spain, in the “X Biennial of Iberoamerican Art”, held in Mexico City, D.F.

In 1999 he obtained Spanish citizenship.

His work has been recognised and awarded prizes nationally and internationally on numerous occasions and is now presented in innumerable public and private collections throughout the world.

Brigit Art Gallery

Rue de Rollebeek 36
1000 Brussels, Belgium

+32 497 15 61 98
info@brigitartgallery.be