I SALÓN DE OTOÑO DE LAS ISLAS CANARIAS 2021

Con la participación de Francisco Sánchez Gil en el I SALÓN DE OTOÑO DE LAS ISLAS CANARIAS 2021″. Participa con dos obras de impresión digital y técnicas mixtas. Usa el papel reciclado que me encuentra depositado en contenedores o en cualquier otro lugar, y le da otra oportunidad de ser usado y convertirlo en arte.

ARTESANTANDER 2021/ JOSÉ LUÍS VALVERDE / JMgalería / 24-28 DE JULIO DE 2021

José Luís Valverde. El beso de buenas noches. 2021 Óleo sobre lienzo. 46 x 38 cm

JOSÉ LUÍS VALVERDE

  Le salon dans le Paysage

24 – 28 Julio 2021

Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander (Cantabria)

La obra de José Luis Valverde se construye a través de la recuperación de géneros pictóricos.  El concepto de cita –intrínseco en su trabajo- se encuentra con el término que Mieke Bal llama revisión activa, con esto atiende a la necesidad de rescatar del pasado fragmentos formales, estilísticos o conceptuales, además de cuadros concretos pertenecientes a la tradición pictórica. Este recurso, le permite establecer relaciones temporales y discursivas entre la fuente histórica a la que acude, y el marco temporal donde lo recontextualiza, permitiendo así, establecer un análisis de carácter cronológico y discursivos a través del relato histórico. Es por ello que este proyecto se basa en la pintura de Edouard Vuillard Cartón de estudios I, Pont -L´evêque. Valverde construye un recorrido a través de las fragmentaciones del cuadro del artista francés, estableciendo diálogos entre pinturas de vegetaciones, vanitas y esculturas de pequeño formato.

José Luis Valverde (Málaga,1987) es Graduado en Bellas Artes y Máster en Producción Artística Interdisciplinar por la Universidad de Málaga, donde actualmente realiza su investigación doctoral. Ha realizado exposiciones individuales en Centro Cultural CajaGranada – Memoria de Andalucía (Granada, 2020), FACBA – Facultad de Bellas Artes de Granada (2020), Sala de Exposiciones del Convento de Santa Inés (Beca Iniciarte, Sevilla, 2019), Open Estudio – Griffin Gallery (Londres, 2016), Facultad de Bellas Artes de Málaga (2016) y en JMGaleria-ColumnaJM (Málaga, 2016), entre otras. Además, ha participado en numerosas colectivas en ámbitos como CCP María Victoria Atencia (Málaga 2019 y 2016), en Espacio El Butrón (Sevilla, 2018), CACMálaga (2018), Fundación Bancaja (Zaragoza, 2018), Centre del Carme Cultura Contemporània (Valencia, 2017) o Espacio Iniciarte – El Palmeral de las Sorpresas (Málaga, 2014), ARCO Madrid, en dos proyectos conjunto para ABC Cultural (2018) e INICIARTE, comisariado por Javier Bermúdez este mismo año, y en Getxoarte (2017), entre otras muchas. Su obra ha sido reconocida, entre otros, con el primer premio MálagaCrea Artes Visuales 2018, la Beca Colart – The Fine Art Collective (Londres, 2017), A Secas. Artistas Andaluces de ahora (CAAC, Sevilla, 2015), la Beca Residencia ‘Creadores’ de La Térmica (Málaga, 2015), FACBA 2020 (UGR, Granada) o la Ayudas a la Producción Ayuntamiento de Málaga / Fundación La Caixa (2020) junto con la JMgalería. Su trabajo forma parte de las colecciones Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura, CACMálaga (Málaga), Fundación Benetton, Universidad de Málaga o Ayuntamiento de Málaga, entre otras, así como de numerosas colecciones privadas.

Próxima exposición: Javier Garcerá. Y en mi jardín.

Javier Garcerá
Y en mi jardín

Viernes 2 julio 2021, 20 h

En 1533, Hans Holbein el Joven pintó una obra conocida como Los embajadores, que hoy se conserva en la National Gallery de Londres. En 1958, durante el transcurso de uno de sus seminarios, el psicoanalista Jacques Lacan se refirió a esta pintura para hablar de ese objeto extraño, oblicuo, que aparece en primer plano, delante de los retratados. Como se sabe, dicho objeto es la anamorfosis de una calavera, que solo recupera su posición “correcta” al ser observada desde un extremo de la tabla: “Veremos entonces –dirá Lacan– dibujarse a partir de ella [la mirada], no el símbolo fálico, el espectro anamórfico, sino la mirada como tal, en su función pulsátil, esplendente y desplegada”.

Recordé esta cuestión acerca de la mirada mientras reflexionaba, para llevar a cabo este escrito, acerca de Javier Garcerá. Él también ofrece al espectador un despliegue de los sentidos, aunque, a diferencia de Holbein, no busca restituir la forma. En sus obras, la luz provoca que la excitación óptica se expanda hacia numerosos frentes, pero también que la representación se diluya en lo inasible. Para acceder con solvencia a estos trabajos, hay que deponer la mirada alienada y digitalizada, aquella que devora con avidez todo lo que se le ofrece. Es necesaria una percepción distinta, capaz de conquistar un sentido propio de la experiencia y traer al presente la toma de conciencia de aquello que estamos viendo. 

En sala, contemplamos la sensorialidad de la seda y la contundencia de lo monocromo, con tonos rojos, negros y verdes. Si nos aproximamos, vemos emerger una imagen entreverada, llevada a cabo con pinceladas que se camuflan en la seda, o bien con pequeñas erosiones en el tejido. Cuidadosos procedimientos que invocan tanto las posibilidades de lo visible como de lo invisible. Se trata de una exquisita labor de “dibujo”, si entendemos esta disciplina como lo hizo María Zambrano, para quien el dibujo era de esas cosas que, “si son sonido, lindan con el silencio; si son palabra, con el mutismo; presencia que, de tan pura, linda con la ausencia; género de ser al borde del no-ser”. Así, entre el detalle que se revela y la representación que se pierde, existe un estado liminal que pone en juego la subjetividad del espectador.

Ese estado liminal es una constante en las sedas de Garcerá, con formas que nos eluden con la misma facilidad que las vislumbramos. Son habituales las letras, las palabras y las frases, pero estas no se limitan a expresar ideas, sino que procuran un ensanchamiento perceptivo, donde surge el anhelo de ver, y no solo de leer. También son recurrentes las imágenes pictóricas de flores y plantas, y mientras elaboramos mentalmente el mapa del jardín, una parte del terreno va desapareciendo de nuestra visión. 

En algunas composiciones, el desorden de la naturaleza se contrapone con el ornamento geométrico, un elemento consolidado en las distintas culturas través de lo que Ernst Gombrich denominó «la fuerza del hábito», cuyo origen estaría en la necesidad de orden espacial en nuestro entorno. Este orden, inestable bajo efectos de la luz, se repite en las celosías dispuesta en los ventanales de la galería, y que evocan las del estudio de Garcerá en Madrid. Un espacio, este último, donde la razón poética funciona como mediadora entre el proceso técnico y la reflexión: así lo reflejan las piezas que hacen referencia a su biblioteca personal, con títulos que miran con atención hacia el pensamiento de Oriente. 

Si invertimos energías en el cultivo de la tierra, obtendremos algo a cambio. Lo mismo ocurre con la mirada cuando se enfrenta, sin prejuicios, con la obra de arte. En su interés por ensanchar el alcance de nuestros sentidos, el artista incorpora también lo sonoro: un bolero interpretado por Ibrahim Ferrer emerge de una peana, donde reposan dos representaciones de sendos libros del poeta François Cheng, dedicados a meditaciones sobre la belleza y sobre la muerte. 

La exposición se despliega ante nuestros ojos como una coreografía abierta, donde cada cuerpo configura su manera de ejecutarla. El ritmo lo activa la aprehensión del instante, el reconocimiento de la forma y el recuerdo inexacto. Luego, fuera de la galería, ya habrá tiempo para rellenar los vacíos y de pensar con racionalidad. Dentro, nos situamos en el lugar de la incertidumbre, en el punto de conflicto, en el corazón de la duda. No es necesario resolver ningún enigma, sino demorarse en los desvíos, en el movimiento, en las zonas de luz y de sombra. Es ahí donde surge la verdadera “experiencia estética”, aquella que hace de la vida, a través del arte, algo más interesante que el propio arte.

Carlos Delgado Mayordomo
Crítico y comisario de exposiciones

Subasta obras de arte por la Librería Proteo

Hasta el próximo 24 de junio se puede entregar las obras para la subasta que está organizando APLAMA por Proteo, de lunes a viernes, de 10 a 13.30 en la Sala de Exposiciones Manuel Barbadillo. La subasta tendrás lugar el 1 de julio en en el Salón de Actos del CAC Málaga a las 18.30 y estará dirigida por el periodista Domi del Postigo.

Francisco Sánchez Gil

Bases de la subasta:

INAUGURACIÓN INSIDE – OUT de ADRIANA TORRES

INSIDE – OUT

ADRIANA TORRES

INAUGURACIÓN: VIERNES 11 DE JUNIO DE 2021, DE 18:00 A 21:00 H

La reflexión sobre el ser humano, sus preocupaciones y sufrimientos, el papel de la mujer en nuestra sociedad, nuestro yo interior, el silencio, la soledad y la epidermis social, son los aspectos que le preocupan, como artista y como mujer, a Adriana Torres, que presenta por vez primera en la ciudad de Málaga una exposición individual bajo el título INSIDE-OUT, y que recoge dos series de trabajos totalmente inéditos integradas por 30 obras entre esculturas, pinturas y dibujos en diferentes soportes como espejos, lienzos y papel, y cuya composición y distribución expositiva enfrenta ambas series en una suerte de dualidad discursiva entorno a nuestro yo superficial, nuestra imagen y lo que queremos proyectar de nosotros al exterior, frente a nuestro mundo interior, ese yo introspectivo incapaz de jugar a la especulación de la imagen que responden a la filosofía de su autora incardinada en el Arte Confesional.  En palabras de la artista sobre su serie Mirrors: “Los espejos tratan nuestra imagen externa, los selfies hablan de lo que queremos enseñar a los demás, imágenes forzadas y retocadas, una posverdad sobre nosotros mismos, al tiempo que componen una imagen que nos devuelve nuestro reflejo, quiénes realmente somos, el selfie que en ocasiones solicitamos hacernos con alguien a quien supuestamente admiramos…” El selfie, en efecto, se ha convertido en un elemento nítidamente definidor de la sociedad actual, en lo que podría llamarse su dimensión epidérmica o exterior. Es elemento constante de nuestra vida social y por ello mismo componente estructural que nos define. En palabras del prestigioso filósofo y crítico de arte, Fernando Castro Flórez, autor del texto del Catálogo de la Exposición, “Vivimos atrapados en la compulsión de repetición de nuestra imagen, en un narcisismo que no conduce a la postre a otra cosa que a la insatisfacción. Con enorme lucidez, Adriana Torres se “apropia” de selfies puestos en circulación en Internet para pintarlos sobre espejos que, por supuesto, “incorporarán” al espectador en esa pose superficial. Los marcos antiguos que utiliza esta artista (inspirada según confiesa en los de los espejos de los palacios napolitanos) establecen una fricción temporal (la memoria frente al vértigo de lo actual, el pasado confrontado con una instantaneidad amnésica) pero también introducen una delimitación “lujosa” para invocar un deseo contemplativo. Esta mise en abyme de la “pulsión sélfica” que nos recuerda aquellas obras especulares de Pistoletto, da cuenta de la ansiedad de una belleza cosificada o, en otros términos, de una “modelización” de la subjetividad que puede no ser otra cosa que un “sometimiento” ridículo. No es irrelevante que la única mujer que no se está haciendo un selfie en estos “retratos de cámara” sea la propia Adriana Torres que hace un paródico gesto de victoria con el pincel en la mano, en un guiño velazqueño que nos hace cobrar conciencia de la cualidad heterotópica del arte.”

En palabras de la autora en alusión a la serie ROOTS OF DREAMS, “se habla de nuestro verdadero yo, de cuando estamos solos, en silencio, de cuando nuestro corazón se expande al darle sitio de reflexión, de calma y de sincera verdad”. En el fondo, las dos dimensiones nos representan. Es lo que somos, ambas constituyen un “espejo” en que se refleja nuestra realidad, superficial y profunda, verdad y posverdad. En sintesis y en palabras de la autora: “la identidad y la verdad”

Adriana Torres (Sevilla,1968) es Graduada en Bellas Artes y doctorada por la Universidad de Sevilla. Realiza cursos de Post Grado, en la prestigiosa Central Saint Martins, University of the Arts London. Ha realizado exposiciones individuales, colectivas y participaciones en ferias en numerosas ciudades españolas, así como en los países Reino Unido, Austria, Holanda, Portugal, Armenia, Corea del Norte, Taiwán, Austria, Paraguay y EEUU, destacando sus exposiciones en el Instituto Cervantes en Londres,  y la participación en la Bienal de Maastrich.

Próxima exposición: Forma contenida. 30 de abril

Forma contenida

Alvaro Albadalejo, David Bestué,

Christian García Bello, Mercedes Pimiento,

Antonio R. Montesinos, Leonor Serrano Rivas

Viernes 30 abril 2021, 17:30 – 20:30 
30 abril – 19 junio 2021

Forma contenida reúne una serie de trabajos de seis artistas nacidos entre los ochenta y los noventa que, desde una aproximación crítica a la disciplina de la escultura, abordan cuestiones relacionadas con la arquitectura y la historia. David Bestué presenta tres obras que ponen en tensión elementos del art nouveau con elementos industriales con el fin de interrogar la imagen de una ciudad, la Barcelona modernista y burguesa, una marca construida sin ningún otro fundamento que una fantasía de clase. En Miles de kilómetros de cemento blanco, un proyecto que investiga el llamado estilo del relax de la arquitectura de la Costa del Sol, Antonio R. Montesinos se pregunta también por la suplantación falaz de la identidad de un territorio a través de una ficción. Leonor Serrano Rivas investiga de manera performativa las relaciones de poder que subyacen bajo las ideas estéticas de belleza, proporción o armonía y que, en su desplazamiento desde la tratadística a la cotidianeidad, acaban por expresarse en el dominio que la arquitectura ejerce sobre nosotros. Por su parte, Mercedes Pimiento estudia la dificultad de ciertos edificios para dejarse afectar por los cuerpos y responde con una serie de resonadores y membranas sensibles a la voz que dan lugar a otras formas de habitar. Christian García Bello se vuelve hacia ciertas arquitecturas vernáculas de Galicia en pos de comprender cómo una forma de vida arraigada es inseparable de las formas y los materiales que la rodean y constituyen. Finalmente, Álvaro Albaladejo explora en sus trabajos la capacidad de lo ornamental, mediante la impregnación rítmica del espacio, para poner en cuestión y desestabilizar el propio acto de percepción.

Javier Sánchez Martínez

Exposición colectiva Presencias 51 – 25 años de Presencias

En este año 2021 APLAMA celebra sus 25 años de vida dedicados al arte, en esta ocasión se celebra con una colectiva en el Espacio Expositivo Pacífico 54 de la Diputación de Málaga. La colectiva lleva el título de “Presencias 51 – 25 Años de Presencias” y en ella participan más de 40 artistas de diferentes disciplinas y estilos.

Debido a las medidas tomadas por el coronavirus no habrá acto de inauguración, por lo que la exposición podrá visitarse del 9 de abril al 21 de mayo de 2021, de lunes a viernes, de 10.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 20.00 horas. La entrada es libre hasta completar el aforo normativo.

PRESENCIAS 51 – SALA DE EXPOSICIONES MARÍA VICTORIA ATENCIA

PRESENCIAS 51 – 25 AÑOS DE PRESENCIAS        

DEL 9 DE ABRIL AL 21 DE MAYO DE 2021

PINTURA, ESCULTURA, DIBUJO, GRABAGO, INSTALACIÓN Y FOTOGRAFÍA

ESPACIO EXPOSITIVO DIPUTACIÓN PACÍFICO 54 SALA DE EXPOSICIONES MARÍA VICTORIA ATENCIA

Obra de Francisco Sánchez Gil que participará este año en Presencias 51.

Francisco Sánchez Gil

Título: Robot

Técnica: lata, madera y mixta. Medidas: 51×19,5×14,5

BASES PARA EXPONER

  1. Todos los artistas participantes deberán ser asociados de APLAMA y estar al corriente del pago de la cuota.
  2. Cada artista presentará una sola obra en la disciplina que desee. Respecto a las medidas SE ESTABLECE EL METRO DE ANCHO COMO MÁXIMO, la altura sigue siendo libre.  Los cuadros deberán ir sin ningún tipo de marcos o listoncillos, mientras que las obras sobre papel o fotografía deberán llevar un pequeño listoncillo y con metacrilato (NO se aceptará cristal o aquellas obras sobre papel que no lleven nada). La técnica y la temática serán libres en cualquiera de las disciplinas.
  3. Para la elaboración del catálogo los artistas participantes deberán presentar desde el 1 al 23 de febrero de 2021 la imagen de la obra en JPG, que pese mínimo 2 megas y 300 ppp, con su correspondiente ficha técnica (nombre, título, técnica, medidas y valoración) bien en un pendrive entregándolo en la sede de APLAMA en Av. del Comandante Benítez, nº 7 de lunes a viernes de 10.00 a 13.00 horas, o bien mandando la imagen y la ficha técnica al correo de APLAMA que es info@aplama.com No se admiten imágenes que no cumplan con las condiciones pedidas ni aquellas que tengan una mala calidad para ser reproducidas. Esperamos que sepáis comprender este punto, pues desde el CEDMA estas son las exigencias que nos piden para la realización del catálogo.
  4. La obra se entregará por parte del artista o persona autorizada en la sede de APLAMA, en la Sala de Exposiciones Manuel Barbadillo, en Av. del Comandante Benítez, nº 7 del 22 al 26 de marzo  de 2021 de 10.00 a 13.00 horas.
  5. Se editará un catálogo por parte de Diputación en el que figurarán las obras que formen parte de la exposición siempre y cuando la imagen sea de la calidad suficiente para ser reproducida como especificamos en el punto 3.
  6. La exposición en un principio será del 9 de abril al 21 de mayo de 2021,  aunque como bien sabéis estamos en mitad de una pandemia y esto puede variar, en todo caso os tendremos informados de cualquier cambio. Las obras serán retiradas por los artistas que formen parte de la exposición o persona autorizada del 26 al 31 de mayo de 2021 de 10.00 a 13.00 horas de nuevo en la sede de APLAMA, en este aspecto pedimos colaboración tanto en la entrega como en la recogida de la obra cumpliendo debidamente con las fechas y horarios. Así mismo os recordamos que las obras expuestas no podrán ser retiradas bajo ningún concepto antes del tiempo indicado. Pasado el tiempo de recogida ni APLAMA ni Diputación se responsabilizan del deterioro o extravío de las mismas, haciendo saber que pasado seis meses sin haber retirado la obra, ésta formará parte de los fondos de APLAMA y dispondrá libremente de ella en beneficio de la Asociación.
  7. Desde la Junta Directiva de APLAMA se apela una vez más a la profesionalidad de cada uno de los artistas para que esta muestra sea un nuevo éxito expositivo, así mismo aquellas obras que no se ajusten a las bases no formarán parte de la exposición.
  8. La participación en Presencias 51  implica la aceptación de las bases.

INAUGURACIÓN: “Selva del tiempo” de JOSÉ LUIS VALVERDE

Selva del tiempo

JOSÉ LUÍS VALVERDE

Proyecto comisariado por

POLAROID STAR

Inauguración: Sábado27 de febrero de 2021  (11:00 h a 18:00 h)

Selva del tiempo

La primera vez que estuve en Estambul, mientras paseaba por no recuerdo qué barrio, encontré una antigua casa señorial con un hermoso jardín, descuidado y majestuoso en su espesura. Como tenía abierta la verja, continué mi vagabundeo entre aquella vegetación casi salvaje, hasta llegar a lo que, en principio, me costó reconocer como una tumba en el suelo. La razón de mi despiste era un enorme árbol que había reventado la losa, y se erguía brioso hacia el cielo desde la fosa… Y eso es lo que hallamos en Selva del tiempo, muertos que viven en la vegetación que José Luis Valverde ha pintado para ellos. En ellos. Con ellos.

Ellos somos nosotros cualquier día que pasa, pues del tiempo va esta exposición, y de modos de ser en el transcurso de la desaparición. De hacerla ver y de hacerla nuestra. Si el abuelo de Pepe Valverde era pintor amateur además de hacer tumbas, parece que su nieto ha profesionalizado lo primero y recuperado su querencia por las lápidas… Mas, sobre todo, por lo que puede haber ahí debajo, todo un mundo de posibilidades que, en las manos de nuestro artista, se hace de óleo y regusto irónico por la tierra removida, por el olvidado aliento de los habitantes de un lodo oscuro y fértil que nos incita a sumergirnos en él, adelantando el momento del festín de los bichos del subsuelo, o quizás invitándonos a la fiesta. En su Memorias póstumas de Brás Cubas, Machado de Assis hacía que su protagonista nos recibiese en la primera página con un estupendo brindis: “Al gusano que primero royó las frías carnes de mi cadáver dedico como sentido recuerdo estas memorias póstumas”. Irónica y sagaz entrada a un texto tan divertido como relevante, que comparte tono lúdico y abismal con las pinturas y esculturas que aquí nos trae Valverde. Pues sí, de entrada, el tema fúnebre podría hacernos esperar una semántica del pesar y la melancolía, el filtro del placentero hacer pintura de nuestro autor ha dejado en estas obras un encanto de lo tenebroso que destella fogonazos cromáticos como nocturnas flores venenosas, luces de una verbena ultraterrena que condimenta paisaje con vanitas, a modo de jugosas naturalezas muertas más vivas que nunca. Montadas en un primoroso relato espacial, las piezas de Selva del tiempo respiran hondo como la mala hierba, en una fronda pictórica que nos deja sólo atisbar el resto de los difuntos, donde ya no sabemos cómo acaba el hueso y empieza lo verde. Emboscándolos en su follaje, Valverde nos ralentiza su aparición, administrando una economía de la visibilidad de la que ya ha hecho discurso propio, demorando la imagen en su aceite primigenio de pasta y gesto, de estrategia barroca y lucidez decadentista. Por eso, el fluir de los acontecimientos de óleo sobre las telas, o de dientes en el yeso, late con el vigor de la savia amarga y febril del que sabe que el qué y el cómo son ya lo mismo, como lo son estos cadáveres y sus refugios. También por eso Valverde puede pintar la vida de estos muertos en un tiempo más allá, y más abajo, del que habitamos nosotros, una posteridad hermosa y oscura sin llantos ni quejas, con gatos que nos miran y pájaros que vuelan antes, o después, de ser sus caninas devoradas… O también más acá y más arriba, junto a nosotros en el armario o en el plato, ante el mar o en el espejo, compañas de otros tiempos que están en éste… Así nos ofrece Valverde unas santas sillas en las que sentarnos a este banquete servido en el sustrato del paraíso, exquisita revisión de los tabúes que nos ocultan el único futuro cierto. Un convite sensualista de pintura y tierra leve, húmeda y cálida, campo fecundo para el quehacer de un artista que no deja de crecer como las pujantes plantas de esta su jungla crónica, silenciosa y anhelante de lo desconocido, hambrienta de más tiempo que hacer pintura, para nosotros y, bien lo sabe Valverde, para ellos. Pues si todos seremos polvo, ahora somos pintura en la Selva del tiempo.

Polaroid Star

José Luis Valverde (Málaga,1987) es Graduado en Bellas Artes y Máster en Producción Artística Interdisciplinar por la Universidad de Málaga, donde actualmente realiza su investigación doctoral. Ha realizado exposiciones individuales en Centro Cultural CajaGranada – Memoria de Andalucía (Granada, 2020), FACBA – Facultad de Bellas Artes de Granada (2020), Sala de Exposiciones del Convento de Santa Inés (Beca Iniciarte, Sevilla, 2019), Open Estudio – Griffin Gallery (Londres, 2016), Facultad de Bellas Artes de Málaga (2016) y en JMGaleria-ColumnaJM (Málaga, 2016), entre otras. Además, ha participado en numerosas colectivas en ámbitos como CCP María Victoria Atencia (Málaga 2019 y 2016), en Espacio El Butrón (Sevilla, 2018), CACMálaga (2018), Fundación Bancaja (Zaragoza, 2018), Centre del Carme Cultura Contemporània (Valencia, 2017) o Espacio Iniciarte – El Palmeral de las Sorpresas (Málaga, 2014), ARCO Madrid, en un proyecto conjunto para ABC Cultural (2018) o en Getxoarte (2017), entre otras muchas. Su obra ha sido reconocida, entre otros, con el primer premio MálagaCrea Artes Visuales 2018, la Beca Colart – The Fine Art Collective (Londres, 2017), A Secas. Artistas Andaluces de ahora (CAAC, Sevilla, 2015), la Beca Residencia ‘Creadores’ de La Térmica (Málaga, 2015), FACBA 2020 (UGR, Granada) o la Ayudas a la Producción Ayuntamiento de Málaga / Fundación La Caixa (2020) junto con la JMgalería. Su trabajo forma parte de las colecciones Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura, CACMálaga (Málaga), Fundación Benetton, Universidad de Málaga o Ayuntamiento de Málaga, entre otras.