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Galería de Arte Isabel Hurley

Lois Patiño. Lenta fluye la noche.

06 lunes Mar 2023

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LOIS PATIÑO

Lenta fluye la noche


Sábado 4 de marzo 2023, 12:00 h  /
04.03.2023 – 14.04.2023

La noche de una forma

En la estética japonesa existe un concepto, de nombre Yûgen, que podría traducirse, malamente, como el fondo ignoto del mundo. Para los japoneses sería todo aquello en lo que subyace un componente de genuino misterio, precisamente porque la naturaleza de ese fondo, por oscura, no puede dilucidarse. Aquello que es mayor o más complejo que lo humano está, por tanto, cargado de Yûgen.

No cabe duda de que el cementerio sagrado de Okunoin o la gran urbe de Tokio, en la visión nocturna que nos ofrece Lois Patiño, también podrían encuadrarse dentro de esta categoría. No solo por esa belleza inmensa y ajena a lo humano, sino porque lo que allí reverbera al modo de una conversación infinita al borde de la desaparición – y precisamente sobre ese límite que supone la desaparición misma – no es otra cosa que el sustrato enigmático e incognoscible en el que todos nos hallamos destinados.

Lo que no está, lo que se ausenta, lo que deja su sombra, lo que se fuga, lo que apenas puede entreverse, lo que se presiente, lo que está a punto de olvidarse. Son cuestiones recurrentes en la tradición poética nipona. Igual que la poesía japonesa, la cámara de Lois Patiño le hace preguntas a la ausencia y al vacío, mientras se extiende el mar o la sombra, o mientras ve que las luces silentes de los trenes y barcos de Tokio fulgen como luciérnagas, quizás una de las más bellas imágenes que la poesía extremo-oriental ha logrado del alma sorprendida en el acto de abandonar el cuerpo.

Y es que también a Lois le gusta ir, poco a poco, demorándose y trazando una constante alusión a esa feliz impermanencia de todo, como si deletrease en silencio este poema japonés:





«Oh, en este mundo

de apariencia inmutable,

cómo conmueve ver;

mecido en la corriente,

un barquito de pesca».

No dejo de percibir en El sembrador de estrellas la idea como de un sueño sumergido. La inmersión en un ámbito rico en profundidades y hallazgos con mágicas raíces; y luego, digámoslo con palabras del gran Lezama Lima, “el viaje de su energía por un despertar naciente”. Por la inexorable extensión materna de la sombra, la de la noche y el mar. La del río del sueño. Sueño también en la perspectiva de Calderón: a la vista de las grandes cosmópolis y conurbaciones del planeta, volcados hacia ese Tokio infinito (indefinido y nocturno caleidoscopio) también nosotros podríamos decir que, en efecto, la «vida nos parece [un] sueño». Y el sueño, como el mar, ignora el paso del tiempo. “Sagrada y misteriosa cae la noche, / Dulce como la mano amiga que acaricia”, escribió Luis Cernuda.

En su decantarse hacia la noche, en el dentro de la noche, la mirada de Lois Patiño quisiera acompañar las transmutaciones de la gran ciudad: informe figura como de terciopelo vuelta ahora toda ella sobrenaturaleza, con su aire de encantamiento, su estupor cósmico y misterioso. Quisiera la rotación de la mirada tocar su centro de oscura fuente de seda – en una obsesión que, es cierto, no esconde su carácter mágico. Acercar no solo la visión sino el oído para comprobar las leyes secretas de su gravitación, el principio de su movimiento, o su propio despertar. Soledad, arrecife, estrella, todo cuanto merece – como escribiera Mallarmé en “Salut”- “la blanca inquietud de nuestra tela”.

Lois Patiño nos revela un mundo sin despertarle su sombra, su vida profunda y soterrada. En la maternidad de esa sombra líquida de la que nunca se desprende, las imágenes mantienen el secreto y el misterio; requieren, por ello, de la visión en espera. El lento vislumbre de un deslizamiento en la noche, que es la noche. Se trata, sin duda, de imágenes de medida órfica; pues, como es sabido, para los órficos, en el comienzo del mundo existió sola la noche, representada como un enorme pájaro de negras alas.

Podemos, sin embargo, preguntarnos: estas imágenes, ¿entran o salen del sueño? Diríamos que, arrebatadas por el espíritu de la extensión, se dirigen lentamente hasta el fin de la noche, su centro más denso, que es también su extremo. No hay duda: la película crece hacia adentro, hacia su raíz, que resulta el secreto del sueño que es la vida, y que la muerte recoge.

Hemos de contemplar El sembrador de estrellas como un puente de resonancias, precisamente, entre lo que desaparece y lo que comienza a articularse de nuevo. Gérmenes, orígenes, plasmas nuevos, corpúsculos que se funden con la inmensidad de lo abismado o ausentado. Como en el eterno recomenzar del mar.

Espacio respirado – casi en sentido rilkeano -. En su húmeda sombra, la noche también es como el océano, un turbión oscuro y sinuoso de potencia creadora: el motor – alma dinámica o germinativa – del propio contemplador solitario. Si la noche es un manantial de nuevas formas, ese hecho solo se revela al solitario, al separado que se adentra en su propio sol (negro) interior. En el encuadre habrá de buscarse, por tanto, el lugar de la (propia) desaparición.

La cámara de Lois Patiño nunca aspira a la descripción, o al análisis de lo que tiene delante, sino a la escucha, a la vigilancia o la vigilia. La atención de aquello que, en la creación, se hurta a sí mismo, se pierde, se ignora; no sin antes, con todo, fracturar o sobrepasar las formas ya gastadas de la consciencia.

Perseguir la desaparición. Extraña pero hermosa aspiración esta de hacer sentido precisamente allí donde el sentido se esconde, se evapora o excede, al margen de la razón, en las crepitaciones lumínicas del aire o los movimientos furtivos del agua. Ascendiendo, subiendo desde ese fondo último de la vida, atravesando la realidad, irguiéndose ante ella o, mejor, entre ella.

El sueño, como el mar, ignora – decíamos – el paso del tiempo. Pero esto es así porque ellos – sueño, mar, noche – constituyen el fondo mismo de los tiempos. Y su vaivén es el ritmo dual que la imagen habrá de captar: alternancia de llegada y pérdida, recepción y huida, indeterminación y conclusión, ausencia y presencia. He ahí el juego originario de la aparición y la desaparición. El latido de la vida oscura que se pierde y surge. Partida, retorno, pleamar y olvido. Vida: muerte.

Alberto Ruiz de Samaniego

TATIANA ABELLÁN – A PERPETUIDADTATIANA ABELLÁN –

30 viernes Dic 2022

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TATIANA ABELLÁN

A PERPETUIDAD

Comisariada por Juan Francisco Rueda


22.12.2022 – 27.1.2023

A perpetuidad se constituye como una suerte de retrospectiva del trabajo que viene desarrollando Tatiana Abellán desde 2012, caracterizado, en gran medida, por la alteración material de fotografías antiguas que, devenida manipulación semántica, le permite operar en distintos registros interdependientes: la certeza de la fragilidad tanto de la vida como de la memoria, construida ésta, en ocasiones, mediante indicios del pasado como la imagen fotográfica; el ensayo de la alteridad y la fabulación –los relatos ficcionales que proyectamos- a partir del cotejo de esas imágenes; así como la puesta en práctica de un ejercicio metafotográfico, una sutil y rigurosa, para con la historia de este medio, revisión y visitación de elementos y nociones constituyentes de esta disciplina que adquieren en nuestra contemporaneidad una absoluta pertinencia. No deja de ser curioso cómo sus dos últimos proyectos, A perpetuidad y Recibo la tuya, que se mostrarán por primera vez en esta exposición, en los que se aleja de la imagen fotográfica para adentrarse en una enunciación otra de la memoria, concretamente a través de la palabra, ya sea de los epitafios de lápidas mortuorias o en la literatura epistolar desarrollada a través de cientos de cartas manuscritas que Doña Elvira Sánchez de la Orden Castrillo de Cavia le escribió a su prometido, Juan Peris Masip, entre 1896 y 1902, detonan este viaje por una década de creación y reflexión en torno a la fotografía. La disolución de la imagen en estos últimos proyectos ha permitido –diríamos que como lógico efecto- recuperar numerosos proyectos anteriores en los que precisamente operaba sobre la precariedad, lo efímero y la disolución material de las imágenes fotográficas. En todos ellos, de los cuales comparecen aquí cinco (La imagen que resta, Memoria líquida, La niebla de la memoria, Cinerarias y Encarnados), la imagen fotográfica nunca desaparece por completo, sólo se transforma. Tal vez sea una metáfora de los recuerdos, que no desaparecen sino que se transforman, actuando la memoria no sólo como repositorio, sino como agente reconstructor. Asumámoslo, fotografía y recuerdos, aunque frágiles, son inextinguibles, nos acompañan a perpetuidad.

Juan Francisco Rueda

SAVE THE DATE / MALAGA GALLERY WEEKEND 2022

16 miércoles Nov 2022

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PROGRAMA GALERÍA

Los modos de la luz, exposición dúo de Cybèle Varela y Pepa Caballero, comisariada por Isabel Garnelo y Carmen Cortés

 

                                          JUEVES 17

– 19:00 Visita guiada por las comisarias de la exposición, Isabel Garnelo y Carmen Cortés.
 

                                         VIERNES 18

– 17:30 a 19:00 visitas guiadas por alumnos del programa Apuntes de Arte (reservar en la galería)

– 19:30 Mesa redonda Mujeres artistas de los 60 y 70 en las dos orillas. Cybele Varela y Pepa Caballero, dirigida por las comisarias de la exposición, Isabel Garnelo y Carmen Cortés. Participan Cybele Varela, artista; Rocío de la Villa, crítica, docente y comisaria, y Lourdes Moreno, directora del Museo Carmen Thyssen.
 

                                         SÁBADO 19

– 11.30 Presentación de Queens, una baraja de mujeres reales, de la artista Blanca Montalvo, por María Jesús Martínez Silvente.




Aquellas personas que realicen el circuito completo de visitas de exposiciones en las galerías de la Asociación recibirán un documento con espacios habilitados para ser sellados por cada una de ellas, con el que podrán solicitar  entradas gratuitas para el  Centre Pompidou Málaga, Museo Ruso, el Museo Casa Natal Picasso, y este año también para el Museo Carmen Thyssen de Málaga. Estas entradas tendrán validez durante un mes a partir de la finalización del evento.

Inauguración – Los modos de la luz. Cybèle Varela y Pepa Caballero.

10 jueves Nov 2022

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Los modos de la luz

Cybèle Varela / Pepa Caballero


Comisariada por Isabel Garnelo y Carmen Cortés


Viernes 11 de noviembre 2022, 19:00 h  /


11.11.2022 – 16.12.2022

Podría parecer extraño reunir en una misma exposición posiciones pictóricas que han estado enfrentadas históricamente como el Pop y la Abstracción. Con la intención de tomar esta circunstancia como un reto, la galería Isabel Hurley convoca a dos creadoras, Cybèle Varela (Petrópolis -Río de Janeiro, Brasil- 1943), reconocida artista del Pop brasileño, y Pepa Caballero (Granada, 1943 – Málaga, 2012), artista española que ha trabajado en el campo expandido de la abstracción hasta su fallecimiento. Varela ha estado vinculada al Pop latinoamericano y al tropicalismo. El deseo de estas prácticas de distanciarse del Neo-concretismo brasileño supuso un gesto de ruptura, similar al que se otorga al Pop Art americano en relación con la abstracción de la Escuela de Nueva York. Estos movimientos fueron hegemónicos entre 1959 y 1961. 

Las condiciones históricas, como es lógico, establecen una distancia entre las artistas, aunque las hermana tristemente por el hecho determinante de vivir bajo una dictadura que, tanto en Brasil como en España, marcaba el clima político de aquellos años. Este punto nos parece crítico en el encuentro entre Varela y Caballero, pues nos interesa dilucidar qué ha representado la práctica de cada una de ellas en el contexto artístico en el que la han desarrollado. 

Varela, desde muy joven, despliega una trayectoria internacional. Se formó en Río de Janeiro y en París, donde fue becada y participó en importantes exposiciones colectivas. Conectó con los movimientos internacionales como el Pop británico y americano o el Nuevo Realismo francés. Pese a ello, no ha sido debidamente estudiada ni inscrita en la historiografía de estos procesos, en los cuales trabajó en el momento de su eclosión, en ciudades que vieron un enorme desarrollo pictórico y teórico entre los años 1959 y 1964.

Por su parte, la artista española Pepa Caballero siguió diferentes caminos en su búsqueda artística, pero podríamos destacar su constancia como buena representante de la Abstracción Geométrica en Málaga y, por ende, en España. A pesar de ello, tampoco ha sido considerada en el contexto de los movimientos abstractivos nacionales. 

Ambas pintoras comparten, desde el inicio de sus carreras, una imparable actividad expositiva y, por lo tanto, productiva, aunque los planteamientos y el modo de afrontar cada una de ellas el hecho creativo es, sin duda, muy diferente. 

Para Varela lo importante es la idea y las imágenes a las que la elaboración plástica de la idea pueda dar lugar. Esta no es la única vinculación que podemos encontrar en su trabajo con los preceptos del arte conceptual. Durante varios años creó en torno al mismo tema, dejando que las imágenes impusieran sus propios relatos. Las soluciones así obtenidas han dejado constancia de la importancia conceptual de la tecnología aplicada. El uso de la fotografía y el vídeo, por ejemplo, ha sido una experiencia necesaria para favorecer nuevas especulaciones; entre otras, le ha permitido introducir el cuadro en la fotografía, como hace en sus pinturas con el cuadro dentro del cuadro, o para profundizar en su interés por la imprecisión de las imágenes. 

Pepa Caballero sigue un proceso creativo de progresión no lineal hacia la Abstracción Geométrica. En su caso, el interés por la superficie es absolutamente claro. La delimitación de los preceptos representacionales para incidir en la luz y el color, desde perspectivas tanto constructivas como analíticas, es el eje principal de su trabajo. El signo plástico y el resultado de la superficie son parte inseparable del contenido de la obra. Observamos la homogeneidad del pigmento aplicado con precisión sobre la tela, las divisiones impecables de los campos de color, el trazado exacto de las líneas que cruzan las zonas en que se divide el cuadro, la pincelada y el uso de la retícula. Todo se articula para plasmar una idea por el placer que proporciona el buen hacer.

En esta exposición podemos contemplar obras de Pepa Caballero que van desde finales de 1999 a 2002, una de ellas de la serie Trilogía, titulada Planos cortados por el oro de Fra Angélico (2002), las otras obras, sin título, realizadas en 1999 y 2000, pertenecen a la serie Mediterráneo. Las obras de Cybèle Varela fueron realizadas en épocas diversas. De la serie Solares, presentamos dos piezas, con el mismo título, Image, de 1975. De la serie Images, tres obras, con título Cascatinha e Image, del año 1985, y del año 1986, de nuevo titulada Image. Del final de la década siguiente, exponemos el díptico The Artist 1 (1999). El vídeo que exponemos se titula Transfer, realizado entre 2010 y 2013.

Pepa Caballero estudió en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Granada y en la Escuela de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría en Sevilla. Por su parte, Cybèle Varela se formó en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y más tarde en l’École du Louvre y en l’École Pratique des Hautes Études de la Sorbona.

Isabel Garnelo y Carmen Cortés

30ª Feria de Arte Contemporáneo – galeria isabel hurley

12 miércoles Oct 2022

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SAVE THE DATE

ESTAMPA 

30ª Feria de Arte Contemporáneo 


Aideen Barry

Antonio R. Montesinos

Cybele Varela 

Ginger

Walter Martin & Paloma Muñoz



Stand / Booth 5B21
13 – 16 de octubre / October 13th -16th 
IFEMA, Feria de Madrid
Pabellón 5
Horario / Opening hours
13 de octubre de 11 a 20 h / October 13th from 11am to 8 pm
14 -16 de octubre de 12 a 20 h / October 14th – 16th from 12 pm to 8 pm

Galería Isabel Hurley
Paseo de Reding, 39, bajo izquierda 29016
Málaga
www.isabelhurley.com
+34 952 223 895
info@isabelhurley.com

Walter Martin & Paloma Muñoz

07 sábado May 2022

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Blind House 3. Culvert Lake, NJ.

Walter Martin & Paloma Muñoz
Las Casas Ciegas

Jueves 12 de mayo 2022, 18:30 h

12.05.2022 – 14.07.2022

Nueva exposición del equipo colaborativo de arte multimedia que un grupo de 14 fotografías de la serie en curso Blind House así como dos nuevas esculturas, una de pequeño formato titulada Splitting, 2022 en referencia a la obra del mismo título que creó Gordon Matta-Clark en 1974, y una espectacular escultura de realidad aumentada titulada The Bird House, 2022. Las obras de la exposición retoman el tema del aislamiento de la cuarentena: la soledad que viene con la “fiebre de cabina” y las nuevas relaciones inesperadas hechas en ausencia de contacto humano.

El centro de esta última exposición es la serie Blind House que se expuso por primera vez en el Instituto de Humanidades de la Universidad de Michigan. «Cada una de estas 17 fotografías de casas a poca distancia de la ciudad de Nueva York ha sido alterada digitalmente para enmascarar las ventanas. Estas casas sin ventanas parecen carecer de almas, no son solo ciegas, como sugiere el título, sino que no tienen ojos». (Sharp, S. R. (2019, abril). Fotografias extrañamente inquietantes de casas sin ventanas. Hyperallergic.com. https://Hyperallergic.com)

La serie Blind House comenzó en 2013 y fue concebida como una metáfora de la opacidad radical necesaria para sobrevivir en la era del spyware, el robo de identidad, el jaqueo mental de las posverdades y noticias falseadas y vigilancia digital corporativa o estatal. Ahora, sin embargo, con más de dos años de pandemia en nuestro haber, esta serie de fotografías se lee menos como una metáfora y más como una serie de opciones reales en un catálogo de búnkeres pandémicos. Recomendamos que los visitantes descarguen la aplicación de móvil Adobe Aero en sus teléfonos antes de visitar la exposición para experimentar la escultura de realidad aumentada The Bird House, 2022.

CENTRO PÁRRAGA

23 miércoles Mar 2022

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CENTRO PÁRRAGA

Del 24.03.22 hasta 21.04.22

EXPOSICIÓN /
UNDER CONSTRUCTION /
JUAN CARLOS ROBLES


Comisariada por Amparo Lozano

ARTE CONTEMPORÁNEO
Sala de Máquinas
Visitas: De lunes a viernes de 9 a 21h.
INAUGURACIÓN: jueves 24 de marzo a las 20:30

El artista plantea simultáneamente la idea de ruina y la de proyecto en construcción para hablar del momento actual de la cultura en el contexto expandido de la  globalización y de la necesidad de dotarnos de lugares de encuentro multiculturales. Para ello se desplaza a nuestro país vecino, Marruecos. Toma como motivo alegórico un edificio en obras que halla en su deambular por las calles de Tánger, el proyecto del Palacio de las Artes y de la Cultura de Tánger. Al registrar ese momento transitorio de la construcción pretende abrir una reflexión sobre los límites, tanto metafóricos como reales, para articular un espacio cultural de encuentro en el que podamos reconocernos a ambas orillas del Mediterráneo. Indaga sobre esa posibilidad de ser al tiempo que constata la fragilidad del cumplimiento de dicho deseo, en un momento violento, convulso y plagado de incertidumbres que afectan a los procesos de identificación individuales y colectivos.

Parte del trabajo de Juan Carlos Robles desde los años noventa se ocupa principalmente de hacer visibles los condicionantes de la formación del deseo, las crisis identitarias en sentido subjetivo y la visualización del paisaje psicológico como una forma de elaboración de estrategias de aproximación al Otro, en el momento actual de globalización massmediática de la cultura. A través de la fotografía, el vídeo, la escultura y la intervención en el espacio público abre una reflexión de carácter sociológico, psicológico, filosófico y político sobre la tensión antagónica que percibe entre el deseo de pertenencia y la fugacidad que impone el habitar en multitud contemporáneo en el actual periodo poscolonial.

Juan Carlos Robles – Exposición

16 miércoles Mar 2022

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Juan Carlos Robles
Todo espectador es un cobarde o un traidor

Comisariada por Ana Navarrete


4.03.2022 – 15.04.2022

“El combate colectivo supone una responsabilidad colectiva en la base y una responsabilidad colegiada en la cima. Sí, hay que comprometer a todo el mundo en el combate por la salvación común. No hay manos puras, no hay inocentes, no hay espectadores. Todos nos ensuciamos las manos en los pantanos de nuestro suelo y el vacío tremendo de nuestros cerebros. Todo espectador es un cobarde o un traidor.” (Frantz Fanon; 155.)

Tánger fue una de las ciudades más Importantes del norte de África, sobre todo por su situación geográfica, a 14km del Estrecho de Gibraltar, puerta de entrada de Europa. Ciudad fronteriza entre dos mundos, dos continentes, dos culturas. Conocida hasta 1956 (fecha de la Independencia) como Zona internacional de Tánger. El Estatuto de Tánger fue firmado por España, Francia y el Reino Unido el 18 de diciembre de 1923 arrogándose la administración y legislación de la ciudad. Cinco años después se sumarían Italia, y posteriormente Bélgica, Países Bajos y Portugal. El Estatuto de Tánger se firmó en un contexto bélico, pre-guerra. La ocupación española en Tánger tuvo lugar en la Segunda Guerra Mundial, entre 1940 – 1945, el gobierno franquista disolvió el Estatuto y aplicó a todos los funcionarios fieles a la II República la persecución y represión. Finalizada la guerra en 1945 la ciudad recobró su estatus internacional.

La ciudad de los poetas, escritores, cineastas, pintores… celebrada por unos y otros como la ciudad misteriosa, exótica… Estereotipos derivados del propio proceso de colonización; Edward Said en su obra Orientalismo desmontó estos estereotipos ideológicos que imponen una visión eurocéntrica y parcial sobre el otro, exótico, misterioso… A su vez visibilizó como estos sesgos proceden de un campo de estudio erudito, dónde el oriental, el árabe, es considerado un sujeto malicioso, perverso “el Otro absoluto”. El “Otro absoluto”, según Edward Said, es el otro construido a través de las diferencias, con el objetivo de asegurarse la dominación, construyendo una imagen fija, inmutable del otro como inferior, irracional, salvaje y primitivo que era necesario civilizar, sin duda el estereotipo es la estrategia discursiva más importante del colonialismo. Sin embargo, Edward Said, nunca incluyó a España en sus análisis sobre el orientalismo. España es la otredad exótica de Europa. 

Todo proceso de colonización conlleva ocupación de territorio y apropiación de bienes y recursos, y también impone su propia “cultura” (lengua, religión, leyes, modos de vida, costumbres…). Bajo el protectorado español se realizaron importantes proyectos urbanos y arquitectónicos en Tánger. En 1909 el puesto de ingeniero municipal de la ciudad fue ocupado por técnicos nombrados por el consulado español. Los arquitectos e ingenieros españoles de principios de siglo no aplicaron un modelo específico hasta los años 40, implantaron un modelo ecléctico: racionalista, art decó, art nouveau, modernista, de estilo metropolitano, en ocasiones con tintes neo-árabes, neo-andalusís. A partir de los años 40 el estado franquista impondrá un modelo de estilo barroco-herreriano muy adecuado a una idea de españolidad.

El Gran Teatro Cervantes de Tánger, inaugurado en 1913, es un buen ejemplo de la arquitectura art nouveau de principios de siglo. Este teatro impulsado por capital privado fue diseñado por el prolífico arquitecto español, nacido en Tánger y educado en París, Diego Jiménez Armstrong, que importó el estilo francés y lo aplicó por toda la ciudad. En 1928 fue adquirido por el Gobierno de Miguel Primo de Rivera, a partir de 1974 se alquiló por el ayuntamiento de Tánger por una cantidad simbólica, 1 dirham anual. El teatro estuvo hasta 2019 bajo titularidad del Estado español y en febrero de 2019 se donó irrevocablemente al Estado marroquí con la condición de que debía ser restaurado, conservaría el nombre y sería destinado “a fines de utilidad pública, de interés social y de promoción de la cultura tanto española como marroquí” (Peio H. Riaño) Asegurándose así la continuidad de la dominación cultural “Todo lo que sea implantación de nuestra cultura es correcto” (Peio H. Riaño)

Este teatro frecuentado y pensado para la importante colonia de españoles, fue un emblema fundamental de la cultura española en Marruecos. Hay que recordar que un tercio de la población de Tánger eran en estos años de origen europeo de los cuales más de 25.000 eran españoles. El teatro fue hasta los años ochenta del siglo XX el teatro más importante del norte de África, con capacidad para 1.400 personas. 


“En 1918, Caruso, el gran tenor de todos esos tiempos, llegó una mañana de primavera a Tánger. También actuaron muchos actores como Estrellita Castro, Carmen Sevilla, Imperio Argentina, María Caballé, y la gran Catalina Berreno que simbolizó el canto y la danza clásica con las castañuelas en sus manos, escoltaba todos los espíritus sensibles. También actuó Antonio Machín, el gran cantante cubano; también un cantante popular en España, Manolo Caracol y Lola Flores, formidable intérprete del “Canto flamenco” y fue una estrella en la danza en «La niña de fuego

Más tarde, en 1944, Pepe Marchena y Juanito Valderrama, con pequeños ojos chinos y la voz fina y prolongada, se enlazaban con los acordes de unos guitarristas de Bulerías y de fandanguillos” (Mouna Aarab y Sarah Amarouchi) 

El teatro también albergó fiestas privadas, reuniones y conmemoraciones de todo tipo al servicio de la comunidad española, hasta convertirse en un símbolo de identidad nacional.

El teatro está desde hace años abandonado, en completa ruina, lo que contrasta con los innumerables proyectos urbanísticos emprendidos en la ciudad bajo el Plan de Aceleración Industrial 2014-2020, de los cuales más de un 25% de ellos están construidos por empresas españolas. Entre las construcciones monumentales realizadas en este periodo destaca el megaproyecto Tánger City Center, construido por la empresa española Iveravante, y el Palacio de la Cultura y las Artes en Tánger que se creó con el objetivo de aumentar el capital cultural de la ciudad y atraer al turismo. Ambos situados a pocos metros de la playa de Malabata, el nuevo Beverly Hills de Tánger.

El proyecto expositivo que aquí presenta J.C. Robles lleva por título “Todo espectador es un cobarde o un traidor”, en clara alusión a la conocida frase del libro de Frantz Fanon de 1961 Los condenados de la tierra (Les damnés de la terre). Esta frase es una referencia directa al primer verso de La Internacional: Debout ! les damnés de la terre ! Debout ! les forçats de la faim! (Arriba, parias de la Tierra. En pie, famélica legión.) Los condenados de la tierra, aborda la complejidad de la descolonización y los procesos políticos emancipadores en África y es una llamada a la acción colectiva.

“El hombre colonizado que escribe para su pueblo, cuando utiliza el pasado debe hacerlo con la intención de abrir el futuro, de invitar a la acción, de fundar la esperanza. Pero para asegurar la esperanza, para darle densidad, hay que participar en la acción, comprometerse en cuerpo y alma en la lucha nacional. Puede hablarse de todo, pero cuando se decide hablar de esa cosa única en la vida de un hombre que representa el hecho de abrir el horizonte, de llevar la luz a la propia tierra, de levantarse a sí mismo y a su pueblo, entonces hay que colaborar muscularmente” (Frantz Fanon; 116.)

Este libro ha iluminado a numerosos movimientos de liberación anticolonialistas en todo el mundo. En 1968, la frase aparece al inicio de la trilogía cinematográfica “La hora de los hornos” de Fernando Solanas y Octavio Getino, integrantes del Grupo de Cine Liberación Argentino. Una influyente cinta sobre el colonialismo, la violencia y la liberación. Hoy este ensayo fílmico está considerado como un símbolo incuestionable de resistencia y es una magnifica reflexión sobre la identidad y las formas de violencia ejercidas sobre el pueblo. Un filme considerado por el propio autor como cine-acción. El cine entendido como acción política.

J.C Robles en Crossing Lines (2018) filmó el Palacio de la Cultura y las Artes en Tánger en construcción, en la exposición actual presenta dos proyectos audiovisuales vinculados con el anterior: Preludio, y Contra-público Tangerino (2022). Todo espectador es un cobarde o un traidor nos obliga a tomar posición. Nadie puede permanecer indiferente, nadie puede quedarse mirado como un espectador pasivo. La frase te interpela, te confronta.

Los dos primeros proyectos ponen en relación dos espacios de la ciudad, dos lugares, dos culturas y dos tiempos históricos, y traen al primer plano las relaciones, sociales, económicas y culturales que se establecen entre ambas. El Gran Teatro Cervantes y el Palacio de la Cultura y las Artes, se confrontan temporal y políticamente. El Gran Teatro Cervantes representa la ocupación española y el Palacio de la Cultura y las Artes representa la nueva expansión económica y demográfica en la ciudad de Tánger, un nuevo Eldorado para las empresas españolas. Mires donde mires hay grúas, camiones, edificios en construcción. En busca de la consolidación de la ciudad como un gran destino turístico, una imagen de construcción que confronta con la ruina. 

En Preludio Emir Abdulah canta a un público inexistente, a un teatro vacío en ruinas, canta al amor perdido, canta a Palestina, canta a esta ruina del pasado colonial español. Alrededor de Emir Abdulah hay montañas de escombros, sillones rotos, vigas caídas, montañas de basura que nos hablan del pasado y nos empujan al futuro mientras el conjunto de ruinas va creciendo a sus pies.

En Contra-público Tangerino varias personas, de diferentes edades, nos miran, nos interpelan, nada sabemos de ellas, solo que es un grupo de personas que proceden de Tánger. Un contra-publico que se confronta con el público en la sala y nos exige analizar nuestra posición, nos obliga a preguntarnos por nuestra relación con el Otro, esa relación ambivalente que imprime el estereotipo colonial entre el deseo y rechazo. 

Desestabilizar el estereotipo colonial es una tarea psicológica y política a la que se enfrenta el proyecto Todo espectador es un cobarde o un traidor. 

“Ver la sociedad desde fuera y desde dentro, como un indígena y como un forastero, requiere sagacidad y cautela.” (Juan Goytisolo)

                                                                                                                 Ana Navarrete

Referencias:

BOE núm. 68, de 20 de marzo de 2019

Aplicación provisional del Protocolo entre el Reino de España y el Reino de Marruecos para la donación irrevocable de la propiedad del «Gran Teatro Cervantes» de Tánger, hecho en Rabat el 13 de febrero de 2019., páginas 27672 a 27673

Mouna AARAB y Sarah AMAROUCHI, BABEL, nº 17, febrero 2004. Páginas: 61 y 62.  http://tangier.free.fr/esp/cervantes.htm

Frantz FANON, Los condenados de la tierra, Fondo de Cultura Económica, México 1983.

Juan GOYTISOLO, << El misterio de Tánger>> El País Opinión, 30 agosto de 2003. https://elpais.com/diario/2003/08/30/opinion/1062194407_850215.html

Peio H. RIAÑO, <<España regala a Marruecos el Gran Teatro Cervantes de Tánger>> El País Cultura, 9 de febrero 2019.

Joaquín MAYORDOMO, <<Tánger: un nuevo Eldorado para la empresa española>> El País Economía, 21 mayo 2017.

https://elpais.com/economia/2017/05/18/actualidad/1495126509_559043.html

SAVE THE DATE. ZONA MACO 2022 I Galeria Isabel Hurley

06 domingo Feb 2022

Posted by nuestramalaga.com in Galería Isabel Hurley

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Zona MACO
Programa General 
Stand / Booth E123
9-13 de febrero / February 9th-13th

 

 Aideen   Barry
           Natalia   Castañeda  
                   Antonio   R. Montesinos     

Centro CitibanamexCDMX
Horario / Schedule
Profesional / Opening: Miércoles 9 / Wednesday 9th, 17:00 – 21:00 h
General / General: jueves 10 – sábado 12 / Thursday 10th -Saturday  12th, 13:00 -21:00
Domingo 13 / Sunday 13th, 11:00 – 19:00 

M. Ángeles Díaz Barbado – Hasta que vea la tierra

15 sábado Ene 2022

Posted by nuestramalaga.com in Galería Isabel Hurley

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M. Ángeles Díaz Barbado
Hasta que vea la tierra

Viernes 14 de enero 2022, 18:30 h  /
Friday 14th January 2022, 18:30 h

14.01.2022 – 25.02. 2022

Hasta que vea la tierra

Francisco Jarauta
 

   Para la tradición clásico-romántica alemana el viaje se había constituido en el método por excelencia del aprendizaje y la escritura. Esta se inventa o se ensaya como relato de una experiencia entendida como descubrimiento o resonancia del tiempo de las cosas y de los hombres en la especial deriva a la que están sometidos los acontecimientos. No importa si este descubrimiento de lo otro acarrea el desconcierto o la emoción, la extrañeza o el entusiasmo. Es el viaje el que hace posible la experiencia y su formación, su Bildung.

   Pero es importante señalar un cambio de actitudes entre los viajeros del Clasicismo y los Románticos. Los primeros eligen el viaje al Sur, al Mundo clásico, a Italia. Winckelmann, dedicado a ordenar las colecciones antiguas de Villa Albani, o Goethe asomado a la ventana del Corso romano, tal como aparece en el dibujo de Tischbein, pueden ser registros de esta pasión y aquel desconcierto. Los viajeros románticos eligen otro viaje. Es un viaje hacia la Naturaleza que se abre como horizonte infinito a la mirada de los nuevos viajeros. Parten de una nueva Naturphilosophie que los filósofos de Tübingen y Jena piensan en la transición del siglo. Es el contexto en el que Novalis, Kleist y el mismo Hölderlin, piensan. Frente a la armonía y equilibrio clásicos que Winckelmann  defendiera en sus Gedanken, aparece ahora un mundo de sombras que recorren por igual el mundo natural como el de los sentimientos, ese mundo interior que las artes interpretan, música y poesía, literatura y pintura. Y lo que al principio parecía ser una fuga del orden clásico, se impone como el momento en el que nace una nueva modernidad. Cuando Caspar David Friedrich en 1818 pinta Der Wanderer über dem Nebelmeer, ‘El paseante sobre el mar de nubes’, ya expresa esa nueva Sehnsucht que orienta no sólo el sentimiento sino la mirada de un arte que construye su visión que repiensa el lugar del hombre en el mundo. 

   Atenta siempre a esa época y orientando su trabajo en diálogo con momentos principales de la tradición romántica,  M. Ángeles Díaz Barbado, se cita ahora con una de las obras más sublimes de ese tiempo,  como es el Winterreise de Franz Schubert, ciclo de Lieder sobre poemas de Wilhelm Müller. Sin duda se encuentra ante un momento decisivo. Schubert los escribe en los meses anteriores a su muerte, ocurrida en Wien en 1828 con sólo treinta y un años. La emoción, perplejidad de quienes escucharon por primera vez estos Lieder anunciaba la perfección absoluta de quien en su breve vida había sido el autor de composiciones memorables. Ahora, ante las puertas de su final su música desafiaba el tiempo citando al silencio a formar parte de esa música. El recuerdo del  Adagio del Streichquintett, su tiempo lento premoniza ya esta música final. Se trata de un silencio que se identifica con el silencio de la Naturaleza, interpretándolo.    Es así como partiendo del cuarto Lied, Erstarrung, ‘Congelamiento’, se componen estas silenciosas Variaciones sobre un tema único, los helechos del bosque. Aquí todo coincide, el bosque como metáfora privilegiada del mundo natural, el silencio que recorre el espacio de la noche y la sombra, el aparecer misterioso de los helechos plateados que tapizan la tierra, ellos los guardianes silenciosos de la Erde, de la tierra, como escribiera Kleist. Y todo compuesto desde otro silencio, el de la escritura. M. Ángeles Díaz Barbado vuelve a darnos una lección de su poética radical. Sobre el papel negro el dibujo suspendido en blancos y platas que acentúan el tono del invierno. Ella, tan próxima siempre a Thomas Bernhard, comparte con él el sentimiento de su Frost, ‘Helada’, aquel tiempo que abraza el mundo en su silencio y espera. Una forma de amor a la Tierra protegida ahora por los helechos guardianes.

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