Próxima inauguración de Lía Ateca en la Galería Isabel Hurley

 

Lía Ateca
HMBR (HeMBRa, HaMBRe, HoMBRe)

Jueves 11 abril 2019, 20:00h / 11 de abril – 22 mayo de 2019

 

Este proyecto está construido en base a tres palabras clave: entorno, identidad y feminismo. En marzo de 2017, con motivo del mes de la mujer, la artista inició una serie de acciones, ilustrando camisetas, bolsos y otros tejidos. A partir de ese momento confirió a una serie de frutos la cualidad de simbolizar determinadas ideas.

Tratando de salir del símbolo figurativo y evidente, manteniendo el concepto, carga de conciencia el color naranja, que se corresponde con el universo femenino y feminista. Le interesa con esto salir de la recurrencia hacia banderas ya estandarizadas, entendiendo esto también como una visión artística del mismo movimiento reivindicativo.

Con una cámara de fotos Polaroid 600 fotografía los elementos naranjas que se encuentra a su paso, de manera fortuita, ya que por ser analógica e instantánea resulta mas eficaz como instrumento para hilvanar un relato con cada escena, a modo de bodegón improvisado y crítico.

Estas piezas de pintura o dibujo, construyen paisajes y escenas mediante las que interpreta el entorno y reflexiona sobre su identidad como artista, como mujer y como mujer artista.

En palabras de Marisol Salanova: ” La pintura expandida de Ateca trasciende los soportes más o menos tradicionales, siendo sus herramientas conceptuales, perfectamente empleadas para traducir sus preocupaciones y anhelos al plano matérico.”

Lía Ateca (La Laguna, 1991)

Se licencia en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. A lo largo de su carrera se va interesando por la fotografía, la pintura y el dibujo. Es en Florencia, durante su estancia como alumna Erasmus, donde siente que estas tres disciplinas empiezan a converger y a formar su propia personalidad artística. En ese periodo colabora con sus ilustraciones en revistas como Lungarno.

Su trayectoria artística va de la mano de lo social, coincidiendo con la especialización como profesora de artes plásticas y diseño. A través de la pintura y el dibujo manifiesta su implicación en causas sociales como los derechos de la infancia o el cambio climático y la igualdad de género.

A raíz de sus residencias artísticas en Quito y San Potito Sannítico, Nápoles, su obra se ha transformado en una serie de paisajes más introspectivos. Desde hace aproximadamente dos años viene realizando pinturas que le ayudan a comprender su relación con el entorno. Así, después de un estudio sobre el pensamiento de la sociedad, plasmado en un proyecto de ilustración, se involucra en la interpretación del paisaje a través de un trabajo pictórico cuya narración construye dos discursos diferentes sobre la percepción del lugar que habita. Por un lado estarían las piezas mediante las que formula preguntas y, por otro, aquellas cuyo eje discursivo son las palabras entorno, identidad y feminismo, en las que plasma  las conclusiones del análisis crítico de su relación con el entorno en tanto que mujer y artista, en ambas circunstancias con un compromiso ejercido a través de su obra.

Recientemente, ha expuesto de manera individual en el Centro La Regenta, Las Palmas de Gran Canaria, tras un periodo de residencia; en la Sala de Arte Contemporáneo de Santa Cruz de Tenerife; o en la Galería Manuel Ojeda, y, de manera colectiva, en el Centro Atlántico de Arte Moderno, ambos también en Las Palmas de Gran Canaria.

 

 

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María Cañas en Galería Isabel Hurley

 

Principios incuestionables en Galería Isabel Hurley

 

 

Miquel Garcia
Principios Incuestionables

Viernes 15 febrero 2019, 20:00h / Friday, February 15th 2019, 20:00h
15 de febrero – 30 marzo de 2019 / February 15th – March 30th 2019

 

Como destaca el filósofo francés Jean Luc Nancy la idea de mundo comporta siempre  una postulación de unidad, exige la unidad, necesita hipostasiar: considerar algo como una realidad absoluta. En el pensamiento occidental el concepto de “lo uno” es el fundamento que determina todos los demás principios incuestionables, aquellos que Miquel García acerca hegelianamente en esta exposición, es decir, dialécticamente, por medio de la negación. Los niega o mejor dicho los vuelca, mostrando su “negativo”, como si de una película fotográfica se tratara. En esto consiste el juego de su “representación artística”, una representación que parece “prohibirse” a sí misma mientras permite lo “prohibido”, jugando irónicamente con lo “incuestionable”.

Los principios incuestionables, como la lógica y la racionalidad humanas, el nomos y las leyes, están en la base de la modernidad y de su política. Vienen a ser principios de una gobernanza que se desempeña a veces visiblemente y a veces de manera oculta, como nos enseñaba Foucault. Las obras expuestas en esta exposición reconducen a dos campos de gobernanza: la cultura, es decir los símbolos, y la memoria, o sea la representación del pasado. Dos campos de gobernanza y entonces de ejercicio del poder, pero también de resistencia y lucha en los que intervenir, si es verdad aquello que nos dictaba Hölderling cuando escribía “allí donde crece el peligro, crece también lo que salva”.

En esta exposición Miquel trabaja “principios incuestionables” a partir de  la alteridad y de la ausencia/presencia. Se posiciona en el umbral entre lo que hay o ha habido, y una posibilidad otra y distinta. Presenta y retira. Trata temas oscuros con un toque de ironía que confiere a sus obras el rasgo del humor negro y de acidez. No le asusta lo macabro, ni volver a los grandes temas de la historia, recuperar “los grandes relatos de la modernidad” como diría Lyotard, aunque sea para “desvirtuarlos”, por medio de un detournement, en objetos de uso cotidiano. Representar lo prohibido y lo  “irrepresentable” y llevar al arte aquello que raramente el arte puede tratar con lucidez: los temas de la macropolítica. Y esto porque, aunque no debemos olvidar que “el arte no es la política y la política no es el arte”, los artistas no olvidan.

Federica Matelli

Miquel García (Barcelona, 1975)

Miquel García, Barcelona 1975. Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha realizado residencias artísticas en: El Ranchito  (Matadero, Madrid), La Casa das Caldeiras (São Paulo), Dare Dare (Montreal),Chang Dong Art Studio en Seúl (becado por la Unesco- Auschberg). En Axeneo7 (Quebec) becado por el Conca, en MCO arte, Oporto (becado por la Fundación Joan Miró de Mallorca) y en Hangar, Barcelona. En el 2006 recibió la beca de intercambio otorgada por Can Xalant (Mataró) para realizar un proyecto y exposición en Medellín, Colombia. Ha expuesto de forma colectiva en la Galeria Vermelho de São Paulo, La Sala de Arte Joven de la Generalitat, el Casino de Luxemburgo, Stampa, y en las Biennales de Mardin (Turquia) Turku (Finlandia), Vic, Zamora y ALBIAC (Almeria). Individualmente ha presentado su trabajo en el Centro Cultural de Noain, en Angels Barcelona, en The Cooper Union (New York) y el Museo de Arte Moderno de Tarragona. En su experiencia de docente ha impartido talleres con jóvenes en Medellín, Manizales, (Colombia), Bolivia, São Paulo, Palestina, Barcelona, Bilbao y Buenos Aires.

 

Isidro López – Aparicio en la Galería Isabel Hurley

 

Isidro López – Aparicio
Between Balance and Reflection

14 de diciembre 2018 – 2 de febrero de 2019 / December 14th 2018 – February 2nd 2019

Between Balance and Reflection es la primera individual de López-Aparicio en Málaga después de su participación en el Pompidou, en la colectiva Hors Pistes. Se enmarca dentro de sus reflexiones en torno a la naturaleza del ser humano en equilibrio consigo mismo y en su relación con la comunidad y el medio ambiente. 

La acción Invertidos, aprendiendo a relacionarse,  internacionalmente aclamada, aporta poderosas imágenes cargadas de simbolismo. Más de doscientas personas colgadas cabeza abajo en racimos han experimentado su intensidad. Acompañan a estas imágenes esculturas e instalaciones que amplían y tejen un discurso sólido, cuestionando las lógicas establecidas.

Desde sus comienzos la obra de López-Aparicio posee un marcado carácter político y social. Intenta condensar en sus proyectos la inestabilidad de la naturaleza y de la propia humanidad, en constante proceso de cambio, obligándonos a parar un instante para reflexionar sobre la futilidad de lo que nos rodea y condiciona. Con gran proyección internacional, este artista y activista  ha sabido escapar de catalogaciones para, desde el arte como elemento de reflexión y compromiso social, desarrollar una sólida presencia y reconocimiento profesional, participando con asiduidad en ferias internacionales y realizando numerosas intervenciones individuales y colectivas en los cinco continentes: desde la Tate Modern al Darat al Funun (Aman, Jordania), pasando por la GAM, Galleria d’Arte Moderna di Palermo, el Centro Pompidou (Málaga y París) o el ARTIUM de Vitoria. Doctor en Bellas Artes, Profesor titular en la Universidad de Granada, Honorary President of the Fine Art European Forum, editor en el Journal for Artistic Research, Presidente de la Unión de Artistas, miembro del Instituto de Investigación de la Paz y los Conflictos y de Artist Pension Trust, ha impartido conferencias y seminarios y comisariado festivales y exposiciones internacionales por todo el mundo.

Between Balance and Reflection
Javier Sánchez Martínez

Una de las explicaciones más antiguas acerca de la esencia y función del arte tiene en su centro la idea de imitación. Para esta teoría estética el arte no es sino una forma de imitar ciertos aspectos del universo. El arte sería entonces una copia o un reflejo de las cosas. Con independencia de qué cosa sea aquello que se imita o de cómo se lleve a cabo esta imitación, en el centro de esta teoría se encuentra una metáfora: el arte es (como) un espejo. A diferencia de lo que cabría pensar, las metáforas no son únicamente elementos ornamentales, ni tampoco tienen una función puramente persuasiva, sino que forman parte consustancial del discurso. En este sentido, ni el lenguaje natural ni el científico pueden prescindir de la metáfora. Más bien al contrario, todo discurso se haya atravesado por multitud de metáforas. Sin embargo, no todas las metáforas ocupan la misma posición dentro del discurso. Dentro de las metáforas cabe distinguir entre las que tienen un papel ilustrativo y aquellas que juegan un rol constitutivo. Mientras las primeras permiten apreciar aspectos inesperados de lo metaforizado mediante la comparación, las segundas actúan como modelos en miniatura que determinan tanto la lógica como la estructura del discurso. En el caso de la teoría estética de la imitación, nos encontramos con un tipo de metáfora constitutiva, pues la metáfora del reflejo es la que organiza todo el campo de sentido. La versión actualizada de la teoría de la imitación como reflejo del mundo se encuentra en la idea del arte como especulación crítica o reflexión. En este último caso, el arte ya no sería un espejo del mundo, sino tan solo de lo social. En ambos casos, ya sea que el espejo esté situado frente a las cosas o frente a la sociedad, la metáfora del reflejo y los campos semánticos que activa ocupan un lugar central. En la última obra de Isidro López-Aparicio, este doble aspecto de la metáfora del arte como espejo aparece entretejido de diversas maneras. Por un lado, López-Aparicio se vale de la estrategia del objeto encontrado. Entre el mundo y el arte hay una continuidad esencial cuya única diferencia radica en cómo se organizan los objetos a un lado y otro del espejo. Sin embargo, para López-Aparicio el objeto encontrado solo tiene valor en tanto que expresa algún tipo de relación social. De ahí la importancia del uso y del contexto. Los objetos encontrados son siempre portadores de una memoria material que se manifiesta tanto en las huellas que ha dejado su uso como en los vínculos con su entorno. Al agrupar los objetos encontrados por medio de diferentes tipos de afinidades, López-Aparicio pone de relieve el trasfondo social y político del cual forman parte. Al mismo tiempo, en la selección de los objetos se pone además de manifiesto la propia biografía del artista, pues se trata siempre de contextos de los que este participa o en los que interviene. De este modo, la obra de López-Aparicio toma como punto de partida los objetos encontrados en diversos entornos para organizar un tipo de archivos que funcionan como espejos que reflejan la realidad social y política, al tiempo que invitan al espectador a reflexionar sobre esa imagen. El espejo o la relación especular es, por lo tanto, una metáfora constitutiva del trabajo de López-Aparicio. En ocasiones el artista se vale no solo de la metáfora del espejo sino también de espejos reales para elaborar un tipo de puesta en escena que, al multiplicar los objetos de forma simétrica, le permite introducir composiciones geométricas simples. Este tipo de estructuras pueden tener como referentes diagramas o elementos arquitectónicos. Por otra parte, el espejo le permite introducir tanto el espacio expositivo como al espectador en la obra. De este modo, los campos semánticos del reflejo y la reflexión se entrelazan y se bifurcan. Por otro lado, la metáfora del espejo también aparece en la serie de los Invertidos, una propuesta en la que el artista invita a grupos de personas a colgarse cabeza abajo. A partir de esta acción, que invita literalmente a los participantes a invertir tanto su punto de vista como su modo de interactuar con los demás, el artista elabora series de fotografías que se centradas en las transformaciones que sufren los cuerpos y en los gestos inesperados que aparecen al cambiar de posición. Al margen de la inversión especular, la serie de los Invertidos introduce la otra metáfora constitutiva de la obra de López-Aparicio: el equilibrio. En este caso también se trata de una metáfora que abre diferentes campos de sentido, desde lo arquitectónico a lo social. Equilibrar es siempre estabilizar, establecer contrapesos y buscar la proporción. En muchas de las obras de López-Aparicio el equilibrio es tan preciso como frágil. Al mismo tiempo, la cuestión del equilibrio también está relacionada con la formación de López-Aparicio como dibujante y con una cierta concepción del dibujo como un modo de producir diferentes tipos de interacciones entre las formas y los vacíos. A partir de una idea del dibujo como campo expandido, la obra de López-Aparicio se sale de la página en blanco para invadir el espacio y producir relaciones entre objetos, personas y contextos que se sitúan a medio camino entre la reflexión y el equilibrio.

Antonio R. Montesinos – LOOP-HOLE en la Galería Isabel Hurley

 

 

25 de octubre – 7 de diciembre de 2018 / October 25th – December 7th 2018

La expresión inglesa Loop-Hole significa literalmente «un agujero en un bucle», pero se puede traducir como un «vacío legal», un «resquicio» o directamente como “escapatoria”.

Con esta expresión se explica cómo siempre que hay un loop —un bucle, un nudo, un obstáculo— este mismo bucle abre un espacio —agujero— por donde poder escapar. Se utiliza frecuentemente para hablar de vacíos legales, de huecos en la seguridad y en general de todo lo que escapa a un sistema de clasificación, de seguridad o de disciplina.

Este proyecto Antonio R. Montesinos pretende continuar investigando sobre metodologías, conceptos y temáticas habituales en su trabajo, como la deambulación urbana, la fotografía o la utilización de objetos y materiales encontrados. En el plano conceptual se pretende trabajar una vez más sobre «lo ordenado y lo entrópico», la reinterpretación de reglas, lo lúdico y sobre cómo podemos ejercer cierto rango de libertad cuando usamos de forma distorsionada las estructuras que organizan nuestra experiencia cotidiana.

Por tanto, la exposición pretende exhibir una serie de piezas que juegan/pervierten ciertas estructuras que organizan nuestros movimientos en el espacio público. Estructuras como las vallas, la señalización pública o los procesos de higiene. 

 

Proximamente estaremos en The Manchester Conteporary 2018 con Aideen Barry, Antonio R. Montesinos y Daniel Silvo

 

 

Aideen Barry, Antonio R. Montesinos y Daniel Silvo

The Manchester Contemporary

 

Colectiva/Group Show: En pos del andrógino. Del hermafrodita a la mirada queer.

 

 

En pos del andrógino.
Del hermafrodita a la mirada queer

Rafael Agredano, Ana Laura Aláez, Bola Barrionuevo, Carmela García, Jose Antonio Hergueta, Yasumasa Morimura, Marina Núñez, Leo Peralta, Juan Carlos Robles, Andres Serrano.

Comisariada por Alfredo Taján

Inauguración viernes 6 de julio, 20:00 h.

6 de julio – 6 de octubre de 2018

 

Los emblemas, alegorías y símbolos del imaginario homosexual, lésbico y trans, que históricamente han recalcado que detrás del cuerpo emergen otros cuerpos, y otros deseos, han exigido diversas estrategias de representación, que si bien, día a día y con bastante esfuerzo, van ocupando espacios artísticos, por lo tanto, socio-culturales, significativos, expresan, en sus puestas en escena, los miedos latentes que subyacen en el proceso de pasar de gusano a mariposa. Precisamente de esa fragilidad debe extraerse su grandeza.

La exposición En pos del andrógino: del hermafrodita a la mirada queer, recoge el guante, nunca mejor dicho, de aquel ensayo de Estrella de Diego, El andrógino sexuado, en el que se apuesta por la androginia como posible forma de liberación de aquella auctoritas que ha repartido los papeles más o menos preponderantes en la sociedad, desde la antigua Roma hasta hoy día, sin que haya variado un milímetro su tutelaje moral, un aplastante dominio que transformó cuerpos y deseos heterodoxos en escaparates residuales del desorden y el caos.  

Si la apuesta por el andrógino supone la anulación del modelo diferenciador, los diez creadores plásticos que hemos seleccionado para esta colectiva en la Galería Isabel Hurley –Rafael Agredano, Ana Laura Aláez, Bola Barrionuevo, Carmela García, José Antonio Hergueta, Yasumasa Morimura, Marina Núñez,  Leo Peralta,  Juan Carlos Robles y Andrés Serrano- han sobrevivido, en cuanto a planteamiento y resolución formal, a circunstancias iconográficas no siempre adversas pero cuanto menos enigmáticas. La Historia con mayúsculas habla por ellas. Desde la estatuaria greco-latina pasando por la ambigua concepción de la belleza que se encuentra en obras de Leonardo, Miguel Ángel o Caravaggio, hasta llegar a Rose Slavy/Marcel Duchamp o algunas Polaroids en las que Warhol aparece como Madame Warhola, sin olvidar los relatos literarios en distintos géneros –aunque de innegable plasticidad-, de Eduardo II (Marlowe) Dorian Gray (Wilde), Heliogábalo (Artaud), Tomás el impostor (Cocteau), Orlando (Virgina Woolf), Mira Brekinridge (Gore Vidal), Cobra (Sarduy), por solo citar unos cuantos títulos de una dilatada lista, debemos afirmar que todas y cada una de las propuestas que aquí se presentan han hurgado en la extrañeza del cuerpo que quiere salirse de la norma, que busca caminos alternativos y que jamás se subordina. Como en la misma imagen, tantas veces multiplicada, de San Sebastián, uno de los mitos en los que se asienta el santuario gay, no se sabe a ciencia cierta dónde empieza la pulsión mística y dónde culmina la atracción erótica.

Entre el sarcasmo y la simulación, los ideales estéticos ofrecen un contraste lacerante entre denuncia e imposibilidad; valga, entonces, correr a toda prisa En pos del andrógino, para vivir, y disfrutar, del arte, de la cultura, en definitiva, de la vida, con sus luces y sus sombras, pero como es debido. 

Alfredo Taján

 

Próxima inauguración: Natalia Castañeda, Caricias y pellizcos

 

NATALIA CASTAÑEDA
Caricias y pellizcos

Inauguración viernes 20 de abril de 2018, 20:00 h.

20 de abril al 9 de junio de 2018

 

Exposición de cerámica que pone este material en diálogo con la escultura, la instalación y el vídeo, explorando el lenguaje de las manos en una serie de acciones que involucran el hacer, el gesto y la huella. Las cerámicas cuestionan dinámicas de política interior, como el diálogo entre lo duro y lo maleable; la izquierda y la derecha; lo orgánico y lo artificial; la simetría y el defecto. Son un conjunto de enunciaciones de gestos mezclados con residuos cotidianos. Como comentarios irónicos al paisaje hecho con las manos.

CUANDO EL PAISAJE ES LA PIEL
Sergio Alvarez

Los mecanismos que mantienen la vida odian exhibirse; acostumbran esconderse bajo una capa de belleza o una acumulación de accidentes que, según corresponda, llamamos paisaje o piel. Es a este encubrimiento estético que ha dedicado Natalia Castañeda Arbeláez su indagación artística.

Desde las primeras exposiciones, la reflexión sobre el paisaje, sus métodos y sus formas, atraviesa la obra. Hay pinturas que convierten el color en una mirada inquisidora de la naturaleza, hay instalaciones que invitan a interactuar con su fragilidad, hay esculturas que nos llevan a preguntarnos sobre lo que vemos y sobre la necesidad de representarlo. Hay ríos que fluyen como una forma de optimismo vital y hay videos que convierten la observación de la montaña en  una meditación en la que la belleza y las dudas nos pegan como viento en la cara.

El trabajo de Natalia observa con atención la pasión estética del planeta y nos obliga a preguntarnos el porqué de su existencia. En Caricias y Pellizcos, Natalia se toma un respiro de las caminatas y los viajes y se encierra en el taller a trabajar la arcilla; un material que también se esconde bajo la superficie del mundo que vivimos pero que, una vez descubierto, ha dado al hombre casa, herramientas cotidianas y posibilidades de auto representación.

La arcilla es tal vez el material artístico más primitivo y es por eso mismo un material al que hay que entregarse sin prejuicios ni prevenciones. En manos de Natalia, la cerámica se convierte al mismo tiempo en piedra, cuerpo o paisaje industrial y su flexibilidad o dureza se esculpen como fetiche, desecho o piel. En las esculturas de tamaño mediano opone lo industrial a lo sensual, lo que ha construido la máquina y lo que ha sido fruto del deseo de lo biológico por reproducirse. Son piezas que contraponen lo residual con lo efímero;  figuras en las cuales la mano no intenta dar forma sino seguir el rastro de un mundo que se levanta gracias a la necesidad de amor, el capricho o la desesperación.

Junto a ellas se exponen piezas más pequeñas y, por eso mismo, más íntimas. Pequeñas esculturas que acarician el barro, lo presionan, le dan masajes, lo pellizcan, lo soban e, igual que en las relaciones humanas, son producto de un cariño y una complicidad que dejan huellas imposibles de borrar. Este conjunto de cerámicas vuelve piedra lo que alguna vez fue entrega y, con ello, nos lleva a preguntarnos por qué la vida es un eterno querer y, al tiempo, un eterno riesgo.

El tercer componente de la exposición es un video en el cual la reflexión sobre lo vivo y sobre su representación es un dialogo entre un brazo y una mano inquietos y sus dobles en barro. Lo que inicialmente es un homenaje pasa a ser conversación, juego de opuestos y complementarios, de izquierda y derecha, de fuerzas que sueltan o agarran. Una charla que tiene un momento de esplendor y, poco a poco, va perdiendo el jugueteo y la alegría y se convierte en reclamo y violencia.

¿Son el amor y el deseo una forma de plenitud o sólo el inicio de la decadencia? ¿Acariciarse, besarse o pellizcarse son caras de la felicidad o señales de una futura tristeza? ¿Por qué lo maleable pasa por el fuego y se hace piedra? ¿Por qué el deseo es también una manera de autodestrucción?

En últimas, Natalia convierte el barro en materialización del tiempo, muestra cómo el paso de los días destruye incluso el más hermoso paisaje o la más hermosa piel. Piel y paisaje son al mismo tiempo la máxima expresión de la belleza y fachadas de un mecanismo vivo que se agota, que muere, un mecanismo que, queramos o no, se descompone.
Natalia Castañeda Arbeláez CV 
(Manizales, Colombia 1982)
Vive y trabaja entre Bogotá y Barcelona

Artista plástica y docente. Actualmente es doctorado del programa de Realidad Asediada, concepto, proceso y experimentación de la Universidad de Barcelona, ​​donde se realizó el Master en Creación Artística Contemporánea (2017). Realizó estudios de Artes Plásticas en la Universidad de los Andes en Bogotá (2004), Especialización en Creación Multimedia en la misma universidad (2006). Y obtuvo el DNSBA, en École National Supérieur de Beaux-Arts en Paris, Francia (2009). Es profesora asociada en la Universidad de los Andes y en la Universidad Javeriana. Fue becaria de la residencia BATISCAFO en la Habana Cuba (2006), Residencia CRAC Valparaíso Chile (2011), y ganadora para la realización del Laboratorio PINTURA ABIERTA, en el Banco de la República, Bogotá (2013).

Su trabajo re exiona sobre el dibujo y la pintura, estos medios hacia los límites con la escultura, para crear las fotografías que se revelan por el recorrido. Las tramas atmosféricas y las pulsaciones gestuales guardan una aproximación poética al ocio, para sumergirse en el paisaje a través de los encuentros inesperados. Ella trabaja en el contexto desde la cartografía para realizar libremente los recorridos desde el efecto, la memoria, el viaje y lo místico, hacia la admiración respetuosa del entorno que busca restablecer la relación esencial y espiritual con la naturaleza.

Ha expuesto dentro y fuera de Colombia. Algunas de sus Exposiciones individuales son: “Siguiendo el Río” en el Museo de Arte de Pereira, 2016. “La ola, la rueda y la masa”, Flora Ars-Natura. Bogotá, 2015. “Piedras de otros lados” Galería Isabel Hurley, Malaga, España. 2015 “Espera me amarro el zapato”, Galería Nueveochenta, Bogotá 2015. Pedras Errantes, Galeria Marilia Razuk, Sao Pablo, Brasil, 2014. Ficciones para una postura presente, Nueveochenta, Bogotá. 2011. Contando piedras en el jardín de mi casa, Museo de Arte de Caldas, Manizales, 2010. Exposiciones colectivas: “Campo a través” Colección del Banco de la Republica. Sala Alcalá, Madrid, España, 2018. “Colombia, une histoire Colombien” Les Abattoirs, Toulouse, Francia, 2017. Acorazado Patacón. ARCO Colombia. Tabacalera. Madrid. España. Territorios en juego. Espacio Odeon. Bogotá. “Impulse, Reason, Sense, Con ict. Abstract Art from the Ella Fontanals-Cisneros Collection”. CIFO art space Miami. USA. Nuevas Aperturas: color, tiempo, espacio y materia. Museo de Arte y Cultura Colsubsidio. Bogotá 2014. Lugares Extraños, Solo Projects. PARC. 2013. I TRIENAL INTERANCIONAL DEL CARIBE, Santo Domingo. R Dominicana, 2010. Entre líneas, MOCA. Buenos Aires. Argentina, 2009. Asimetrías y convergencias, Galería Vermelho, Sao Pablo, Brasil, 2009. Prix de Dessin, Academie des Beaux-Arts, Paris, 2008. IX BIENAL INTERNACIONAL DE CUENCA, Ecuador, 2007. Al aire libre, Museo de Nacional de Colombia, Bogotá, 2007.

 

Próxima inauguración: Lois Patiño, Fajr. Viernes 2 de febrero 2018, 20h

 

LOIS PATIÑO
Fajr

Inauguración viernes 2 de febrero de 2018, 20:00 h.

2 de febrero – 24 de marzo de 2018.

 

La exposición Fajr explora la relación entre el hombre y el paisaje desde su experiencia temporal. Varios tiempos conviven en estas imágenes: un tiempo horizontal en el movimiento del paisaje y un tiempo mas mítico despertado desde la contemplación. Henri Bergson ya diferenciaba sus distintos ritmos, donde el tiempo interior de la consciencia se aceleraba o expandía en función de la intensidad de la experiencia vivida.

En esta exposición observamos figuras inmóviles en diferentes paisajes de Marruecos, Islandia o Portugal. Son figuras estáticas y extáticas: cuerpos paralizados absortos en la meditación a la que invita el paisaje. Cuerpos en donde el tiempo se condensa para abrirse mas profundo. La inmovilidad irradia, decía Gaston Bachelard.

Aquí es Fajr, la pieza central de la exposición, la que irradia su tempo meditativo en la sala. Grabada en las dunas del Sahara al amanecer, su arena se tiñe de un tono mas trascendente al sonar el cántico de llamada a la oración. Esta mirada, que busca ir mas allá del espacio y el tiempo físico del paisaje, se siente también en las otras piezas que conforman la exposición: Estratos de la imagen, Montaña en sombra o Noite sem distancia. Proponemos, así, un viaje inmóvil a un espacio interior.

Con Montaña en sombra, el artista ganó premios en el Festival de Oberhausen (Alemania), en Clermont- Ferrand (Francia), en Bucharest Experimental IFF (Rumanía) o en FIDOCS (Chile), entre otros. Y en el 2013, en el Festival de Locarno, recibió el premio al mejor director emergente con su primer largometraje, Costa da Morte. Este trabajo también ha conseguido otros 15 premios en festivales como Jeonju IFF (Corea del Sur), FICUNAM (Mexico D.F.), Festival dei Popoli (Italia), Valdivia IFF (Chile) o en el Festival Europeo de Sevilla. Su cortometraje Noite sem distancia estuvo en el Festival de Toronto y, entre otros premios, gano en el Festival de San Francisco. Su último trabajo, Fajr, realizado con una beca de la Fundacion BBVA, se estrenó en el Rotterdam IFF.

Sus vídeos y videoinstalaciones se han podido ver en centros de arte nacionales como MACBA y CCCB (Barcelona), Casa Encendida (Madrid), MARCO (Vigo) o en la feria ARCO. Y espacios internacionales como el Centro Cultural San Martín (Buenos Aires), Konstnarshuset (Estocolmo), JIFF Art Gallery (Corea del Sur) o en la feria Paris Photo (Francia).

Sus películas se han mostrado en festivales de cine como Locarno, Toronto, Rotterdam, San Francisco, Ann Arbour, Viennale, Roma, Cinema du reel… o en Les Rencontres Internationales, que se desarrolla en el Centre Pompidou (París), Haus der Kulturen der Welt (Berlín) y el Museo Reina Sofía (Madrid).

Han realizado focos específicos sobre su trabajo en lugares como el New York Film Festival (Views from the Avant Garde), Flaherty Seminar (Colgate University), BAFICI (Argentina) o en el Festival de Cali (Colombia). Y ha sido invitado a mostrar sus trabajos en universidades como Harvard (Sensory Ethnography Lab), CalArts (L.A.), California College of the Arts (San Francisco) o en la Universidad del Cine de Buenos Aires (FUC). Precisamente la Universidad de Harvard le otorgo en el 2016 la beca Robert Fulton III, destinada a cineastas emergentes de espíritu independiente, que exploran culturas diversas con una profunda sensibilidad estética.

 

Próxima inauguración – Juan Carlos Robles

 

Juan Carlos Robles
Crossing Lines
Under Construccion

 

Inauguración viernes 24 de noviembre de 2017, 20:00 h. / Opening Friday, November 24th 2017, 20 h.

24 de noviembre de 2017 – 20 de enero de 2018 / November 24th  2017 – January 20th 2018

 

Juan Carlos Robles plantea simultáneamente la idea de ruina y la de proyecto en construcción para hablar del momento actual de la cultura en el contexto expandido de la globalización. Toma como motivo alegórico una obra hallada en su deambular por las calles de Tanger, el proyecto en construcción del Palacio de las Artes y de la Cultura de Tanger. Con ello pretende abrir una reflexión sobre los límites, tanto metafóricos como reales, para articular un espacio cultural de encuentro en el que podamos reconocernos a ambas orillas del Mediterráneo. Indaga sobre esa posibilidad de ser al tiempo que constata la fragilidad del cumplimiento de dicho deseo, en un momento violento, convulso y plagado de incertidumbres que afectan a los procesos de identificación individuales y colectivos.
Parte del trabajo de Juan Carlos Robles desde los años noventa se ocupa principalmente de hacer visibles los condicionantes de la formación del deseo, las crisis identitarias en sentido subjetivo y la visualización del paisaje psicológico como una forma de elaboración de estrategias de aproximación al otro, en el momento actual de globalización massmediática de la cultura. A través de la fotografía, el vídeo, la escultura y la intervención en el espacio público abre una reflexión de carácter sociológico, psicológico, filosófico y político sobre la tensión antagónica que percibe entre el deseo de pertenencia y la fugacidad que impone el habitar en multitud contemporáneo.

Juan Carlos Robles  CV
(Sevilla, 1962)
Doctor en Bellas Artes, vive entre Berlín y Málaga donde imparte docencia en la Facultad de BBAA de la Universidad de Málaga. Desde el año 2000 trabaja con la galería madrileña Oliva Arauna y actualmente con la Galería Isabel Hurley de Málaga. 

Ha expuesto entre otros lugares en el MNCARS Reina Sofía de Madrid; Sala Montcada Fundació La Caixa, Arts Sta Mònica, Pabellón Mies van Der Rohe y MACBA en Barcelona, CAAC en Sevilla, CAAM en Las Palmas de Gran Canaria, Haus der kulturen der Welt y Sala del Senado KunstBank en Berlín, Royal College of Art en Londres, Art in General en Nueva York, así como en la II Bienal de Johannesburgo en Sudáfrica, III Bienal BIACS de Sevilla, XXVII Bienal de Pontevedra, I Bienal de Canarias, VIDEOZONE V-Bienal Internacional de Video de Tel Aviv, Israel, Instituto Cervantes en Roma y en Pekín, Laboratorio de Arte Alameda y Museo de Arte Carrillo Gil en México DF, Museo de arte moderno de Buenos Aires y Casa de España en Lima. Su obra se ha visto en las ferias: Paris Photo, MadridFoto, Arco Madrid, Artissima Turín, The Armory Show en New York, Pinta London. Recientemente se ha visto su obra en Maracaibo en la VII Velada de Santa Lucía, en los Centros culturales de España en Miami, México D.F., Guatemala y Montevideo, en la Galería Oliva Arauna de Madrid, en el CAS de Sevilla, en Pratt Manhattan Gallery en New York, en la Noche en Blanco de Málaga, CAC de Málaga, así como en la Feria Internacional Summa de Madrid y en la Feria Internacional Swab de Barcelona.

Obra en colecciones, entre otras:  del Banco de España; Fundación Pilar Citoler; MACBA; CAAC; Iniciarte-Junta de Andalucía; Patio Herreriano, Valladolid; Fundación Marcelino Botín y Museo de Bellas Artes de Santander, Caja San Fernando/Cajasol, Sevilla; Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid; Ayuntamiento de Almagro, Ciudad Real; CAC de Málaga; así como, en los archivos de consulta: Mediateca CaixaForum, Barcelona; Centro de documentación Priamo Lozada, México; Centro Experimental de las Artes, I+CAS, Sevilla; CAAM, Las Palmas de Gran Canaria y Mediateca de la Facultad de BB AA de la Universidad de Castilla-La Mancha