Walter Martin & Paloma Muñoz: A Mind of Winter. MDM Salzburg. Rupertinum. 29 de noviembre

 

 

 

 

 

 

 

Hoy inauguración de Katarzyna Pcholik. Al otro lado. Viernes 22 de noviembre.

Katarzyna Pacholik

Al otro lado
De la penumbra que nos permite ver 

Viernes 22 noviembre 2019, 20:00h

La impresión que Katarzyna experimentó en el pasado durante su paseo por la selva de Bialowieza es reconstruida por medio del dibujo, que no quiere ser una plasmación de un recuerdo, sino una regeneración de lo vivido; a la manera de acceso. …

En la obra, este acceso es vinculado con una mirada hacia lo primitivo. La autora reivindica un reencuentro en que el ser humano renuncie a seguir perpetuando la disociación establecida entre él y el medio natural ……

La obra de Pacholik trae a presencia el proceso a través del cual lo natural tiene lugar; ofrece un espacio de contemplación lejos de la celeridad actual.

En el encuentro que nos ofrece Katarzyna con la selva, se produce una invitación a estos caminos ocultos. Se genera una fisura en la mirada hacia la realidad. Se nos da un acceso hacia lo invisible, hacia lo oculto de nuestra sensibilidad. ….El espacio expositivo quiere hacernos conscientes tanto de estas limitaciones como de la posibilidad de ser confrontadas. Lo infinito de la naturaleza se deja encajar en lo limitado de lo arquitectónico para retarnos a presenciar las dos partes de la realidad —visible e invisible—. Sólo debemos estar atentos, o en palabras de María Zambrano “en un momento de plena presencia, de la visión adecuada” frente a ese complejo de sensaciones.

Nos encontramos en un lugar de contemplación, lejos de factores tecnológicos, en que el propio espectador gestiona a través de sus sentidos el encuentro primigenio con el orden….. ¿De qué forma podría la parte estudiar la totalidad en términos absolutos? En palabras de Poincaré, “querer encerrar la naturaleza en la ciencia sería como querer meter el todo en la parte” ….

¿Se puede decir que en la naturaleza existe el tiempo? La noción de tiempo implica medir bajo ciertos parámetros el desarrollo de cualquier existencia…..

La selva procesa sus ritmos de forma independiente a estos parámetros. Pacholik, mediante el dibujo —entiéndase, el sentido procesual del mismo— se opone a la celeridad del mundo contemporáneo. La experiencia física del dibujo, a diferencia de la fotográfica, percibe y registra la continuidad del presente. La acción del dibujo construye el ahora. Asimismo, genera una experiencia temporal a través de la acción física que construye el proceso, por lo que afecta al modo en que se está en la actualidad. La plenitud de la operación no interrumpe la realidad. Tampoco almacena un momento sin continuidad; por el contrario, acumula fracciones temporales fluidas que legitiman la experiencia como no fragmentada. En palabras de Pistoletto, uno de los referentes de Katarzyna: “Vivir es dar prueba de la propia existencia. Eso es lo que es el dibujo”15. Bialowieza aquí no sólo es resto de carbón sobre papel. Lejos de ser el registro de un presente muerto, se carga de indicios físicos que testifican la estancia de la autora en el presente mediante el dibujo. La selva huye del color originario, todos los matices orgánicos reflejados en las tonalidades físicas de la selva se acumulan en las escalas de grises empleadas. De ese modo, se conforma una huella somática, que prueba el tiempo invertido en la acción dibujística.

El tiempo del dibujo es comparable al tiempo de la selva…Se trata de un presente que no considera ni el pasado ni el futuro, sino que los unifica en un único proceso con fin explícito de desarrollo …

Katarzyna nos presenta la selva virgen como espacio autónomo. Además, sugiere que es curativo debido a que el tiempo que en ella se genera permite al sujeto dirigirse hacia un estado de contemplación y alcanzar la paz que le es negada en la cultura posmoderna….

La obra de Pacholik pone en evidencia la infinitud de interacciones que el ser humano puede desarrollar para con la selva…..

Ahora, sólo nos queda hundirnos en un estado de contemplación por medio de este acceso hacia lo infinito de la naturaleza. Hacia aquello que se ha dejado encajar por Katarzyna en lo limitado del espacio arquitectónico. Sólo debemos permanecer atentos y recibir el encuentro con los caminos ocultos de la selva. Dispuestos a conquistar con nuestra mirada esa fisura que, en medio de la realidad, nos permite acceder a lo invisible.

Extracto del texto de Paula Ramírez Vega.

Estampa 2019

 

 

 

MARIO ESPLIEGO
Stand 1A15

estampa / 17-20 de octubre
Pabellón 1 IFEMA – Feria de Madrid

 

 

 

 

Exposición de Joaquín Ivars

Joaquín Ivars
En este marco incomparable.

31 septiembre – 26 octubre 2019 /
September 13th – October 26th 2019

 

[…] Dentro de la exposición titulada EN ESTE MARCO INCOMPARABLE… propongo algunas piezas que a pesar de su diversidad formal y temática tienen que ver con el marco, o su idea, de forma explícita o implícita. Aunque se traten aspectos variados de nuestras vidas, y de manera desigual, el elemento de articulación de esas diferencias, paradójicamente, es la separación, algo que resulta tan chocante como común. (Una articulación ósea es la ausencia de hueso, y es gracias a ese vacío que los huesos resultan útiles; igual ocurre en un texto con el vacío entre palabras o letras, que es lo que permite una lectura eficiente). Las piezas, en este caso, están reunidas aquí por la atención prestada a aquello que en ellas se aparta o sirva para apartar -sea marco, sea del resto del mundo, sea distinción por planos materiales, virtuales, texturas, ambientes, conceptos, autoría, etc. Es una exposición como cualquier otra en la que se expone lo que el autor ha elaborado, seleccionado o dirigido y considera digno de diferenciar con cierto énfasis y de exponer a sus congéneres. Pero quizás lo que se considera estimable es aquello que tiene que ver con los elementos de separación o distinción; aspecto este que nos conduce a una explícita meta-artisticidad y a una violencia implícita, emboscada, en la selección “amable” que se corresponde con el hecho de exponer cosas que aparentemente solo tienen que ver con el “arte” o con su mundo.

[…] Como resumen final, podríamos decir que siempre que distinguimos lugares de manera “dura”, estamos expresando que los accesos son limitados, restringidos, y están regidos por una violencia territorial a menudo balizada con la “naturalidad” de lo simbólico. Si queremos acceder a algo fuera de nuestro alcance existen unos exigentes y arbitrarios umbrales que atravesar, unas condiciones de posibilidad para que nuestras opciones se realicen y nos transformen en agentes dignos de transitar ese nuevo y “maravilloso” espacio de la “distinción”. Y entonces las preguntas que vienen al caso podrían ser: ¿Qué he de dejar atrás para acceder a todo eso? ¿Qué clase de violencia sufro o me he de auto-infligir para tener que someterme a un espacio tóxico que requiere de mí semejante dependencia? o ¿qué tipo de naturalización mental, quién sabe si más humillante aún, he de sufrir para destrozar mi dignidad con el fin de sentir el aplauso de los elegidos de este mundo perverso y absurdo de la fama, la corrupción, el éxito y la codicia? ¿Es todo eso más importante que mi sentimiento de independencia, autonomía y emancipación?

En el teatralizado aparte de la galería podemos reflexionar sobre eso antes de volver a salir al mundo; en este, todo vuelve a centellear o a decepcionar del mismo modo en el que lo hacía dentro. En el exterior percibimos que el aparte de la exposición (en la que por cierto ningún marco tiene cualidades físicas convencionales, solo trabajo con su idea o su imagen) no era más que un reflejo del afuera; el buñueliano y paralizante ángel exterminador o no existe o somos todos los que aceptamos los cánones impuestos y abonamos sus tasas. Quizás, como mucho, al salir quepa preguntarse qué nos dejamos en el interior o qué nos llevamos al afuera. ¿Es posible producir algún tipo de emancipación desde la cordial violencia que ejerce este marco incomparable… ?

Joaquín Ivars

 

Aideen Barry. Everything Changes, Nothing Perishes.

 

 

Time Bends (detalle / detail) Instalación de dibujo y vídeo / drawing and video installation

 

Aideen Barry
Everything Changes, Nothing Perishes

Viernes 31 mayo 2019, 20:00h

Omnia mutantur, nihil interit, verso de La Metamorfosis de Ovidio, es una imagen metafórica de la inmortalidad, pero no referida al disfrute de la juventud o la vida eternas sino a la pervivencia del espíritu, de una u otra manera. Con un enfoque histórico, podría aplicarse a nuestra inevitable predisposición a repetir constantemente los errores y las locuras del pasado; Asímismo, extrapolarse al auge de la ideología conservadora en el cuerpo político y en la esfera de lo cotidiano, y a nuestras propias fallas e incapacidad para prevenir el desastre, lo que deviene en una especie de círculo vicioso, condenados a la repetición ad infinitum, como Sísifo.

Esta es una noción por la que Aideen Barry se siente atraída reiteradamente en su práctica creativa. La idea de la banalidad de la tarea y el absurdo de la repetición, premisas que artísticamente materializa en un complejo proceso de acciones controladas y captadas en un momento dado, que se plasman en una especie de ilusión óptica de movimiento; en una ficción visual de curvar el tiempo y el espacio en sus vídeos performativos. La propuesta presenta audiovisuales con escenas de movimiento perpetuo y espejismos, formadas por miles de fotogramas tomados durante un largo período para transformar a la artista / protagonista en un autómata, imagen metafórica esta vez de la mujer trabajadora y receptáculo de reproducción, involucrado en la sobrecarga de trabajos que nunca terminan. propios de este género en tanto que seres funcionales. Obras como Time bends, visualizan ese retorno al mismo lugar pese a las constantes transformaciones. Para Barry este es un tropo feminista que emerge en su práctica, utilizando el humor como un acicate para generar debate sobre los roles de género y cuestionar el mundo heteronormativo.

Junto a ellos varios trabajos de dibujo y animación interactivos que refuerzan la idea de cambio, evolución, revolución y retorno. Hay un obvio guiño a la antigüedad en este exposición, cuyas obras glosan temas como lo monstruoso y lo fantástico, fusionados con la tecnología de vanguardia y los enfoques experimentales para el video y el sonido entrelazados.

 

 

 

Siete Performances o Nueve.

 

 

Sesión de performance
Comisariada por Joaquín Ivars

 

Viernes 24 mayo 2019, 19:00h

SIETE PERFORMANCES, O NUEVE

Por segunda vez presentamos en la Galería Isabel Hurley un conjunto de obras de artes de acción. En este caso, y dado que los números nos bailan, tendremos entre siete y nueve performances; llamémosles así. Unas tendrán un interfaz mediático y otras serán absolutamente presenciales. Los orígenes de sus autores son diversos, España, Brasil, Italia, Chile y tanto eso como el género, como la edad, también nos bailan; no estamos obnubilados por los detalles pero las biopolíticas y sus consecuencias nos quedan cerca, las circunstancias inscritas en el cuerpo nos hablan por más que queramos abstraernos de lo que la materia nos cuenta.

Cada autor/a de origen diverso y con un background absolutamente personal nos trae un destilado de su incipiente producción performativa. Aquí no hay marco que nos “salve”, aquí el arte se propone, ni se expone ni se impone, porque todo eso también nos baila. Compartiremos un rato, “bailaremos” juntos y luego autores y espectadores marcharemos a casa, o a otro lado. Algo habrá ocurrido, algo quedará en nuestras retinas y quién sabe si en nuestras conciencias. Dicen que la retina pertenece al Sistema Nervioso Central… ¿por qué no? Pero claro, no es un arte retiniano, la performance es un instrumento, una herramienta, un útil que toca nuestro cuerpo en todos lados, que toca nuestras mentes y nuestras emociones a través de otros mecanismos…

No voy a destripar sus acciones, los autores nos dan escuetas pistas en sus breves textos que a continuación podemos leer con la gracia de las diferencias lingüísticas en unos casos y en todos ellos con la intención puesta en que no podamos, no sepamos, descifrar su trabajo. Sus acciones son indescifrables porque no son una cifra, no se corresponden con un cifrado que haya que explicar o desplegar. Hay que compartir lo que allí ocurre, entrar hasta el fondo con ellos. La performance es un modo genuino de vivir la experiencia, desde dentro y desde fuera; desde todos lados nos llega y en todos nuestros puntos roza. Pero no nos confundamos, es una experiencia que ya no se quiere fruto del absurdo, del capricho, como en otros tiempos ocurrió. Aquí las acciones se sienten y se piensan; se articulan los movimientos del cuerpo con los flujos del pensar. Nadie domina porque todos somos dominados, lo queramos o no. La fragilidad de las acciones y de sus autores es lo que nos acerca. Acérquense, bailen con ellos, compartan sus temblores, acudan a acompañarnos en este viaje que nos llevará lejos en un trayecto que apenas dura unos minutos y en el que no existe ningún destino.

Joaquín Ivars

 

PROGRAMA

Monica Coster
.Una noche en Málaga

Performance: vía streaming

Una noche en Málaga es una performance “en vivo”, transmitida en streaming  desde Río de Janeiro, Brasil. Durante la sesión, mientras miramos la pantalla, los performers: la artista y su compañero, nos transmiten su estancia en el Hotel Málaga, ubicado en el mismo barrio de esa ciudad brasileña donde residen, utilizado para encuentros amorosos de parejas. Desde su entrada en el establecimiento,  justo al principio del evento, los participantes disfrutan de sus servicios y dependencias, compartiendo con nosotros lo que pueda ocurrir en las horas siguientes de sesión. La sugerencia sexual que envuelve el nombre Málaga, la duplicidad de los hechos, la ciudad rediscutida en habitación de un motel: ¿qué hacer en Málaga? ¿Cómo habitar simultáneamente las dos Málagas, interconectadas discursivamente por la imprevisibilidad de la permanencia y del streaming?

 

Luiza Schaefer
.Gran Artista

Performance: vídeo

La obra, grabada y presentada en formato de video mp4, fue concebida como una performance presencial, pero a causa de la distancia entre el actual lugar donde actualmente vive la artista y la consiguiente imposibilidad de desplazamiento, se adaptó a vídeo para que pudiera formar parte de ese evento.

Como el resto de sus trabajos, la performance es una línea que se adentra por su cuerpo, sus sentimientos, sus frustraciones, su intimidad, en consecuencia. Gran Artista es una performance que habla de la dificultad que comporta ser artista, ya que nadie, excepto los propios artistas, sabe cuán difícil es no solo llegar a serlo sino sentirse, mirarse como tal.

 

Azahar G. Castillo
.Film

Performance: presencial

La unión entre mujeres es cada vez más fuerte, más potente, más real… Somos una, y somos únicas. Nuestros cuerpos son los perfectos instrumentos de la vida, son belleza, son amor, son fuerza, son alma, son pasión, son el principio y el final… Son vida.

Nuestros cuerpos son más de lo que creemos, no son solo simples figuras, van más allá. Son la capacidad de transmitir, de comunicar, de ver, de sentir… no necesitamos nada más, las palabras quedan fuera de esta expresión. La simple relación de ambos en esta performance es capaz de decir mucho más que esto que estamos leyendo.

 

Celia Mesa
.Silencio

Performance: presencial

Silencio es y no es silencio… Tu mutismo quedará menguado por mi silencio, quiero que lo conozcas porque mi silencio no es cualquier silencio, es muy especial… Y cuando lo hagas, te darás cuenta de que vivir con él es lo que nunca conseguirás, porque el silencio es mío y solo mío.

En esta performance me acompañará Marta Jurado, ella conoce mi silencio, lo entiende, lo sabe, lo acepta, pero no lo siente, porque el silencio es mío y no puedo compartirlo. Solo yo y yo, porque es mi silencio.

Silencio  no es y es silencio.

 

Alicia Pérez Cobaleda
.Tara

Performance: presencial

Desde hace mucho, llevamos impuestas cargas que van creciendo poco a poco a nuestra costa. Ni recuerdo cuando fui consciente de las mías, solo sé que estoy cansada de llevarlas y de tener que cumplir estúpidos requisitos para tener el gran honor de llevar tan gran lastre. Quizás por egoísmo, por amor propio o solo por pereza, pero no quiero arrastrarme mas con ellas, pese a quien pese, aunque tenga que pasárselas a alguien que ni sepa lo que se le viene encima, pero ¿acaso me preguntaron a mí?

 

Stefano Regosini
.Fiesta

Performance: presencial

La performance se relaciona con una celebración extática, una liberación de sentidos y mente, una exaltada flagelación que busca conseguir el auto-descubrimiento del artista.
.Enigma

Performance: presencial

La segunda performance de este artista busca explorar la importancia del lenguaje no verbal y la complejidad que puede obtener este al atarlo a una trama simbólica.

 

Olivier BuDí

Tensión (en concierto)

Performance: presencial

Se trata quizás de componer… en este caso dos ideas en una. Se propone la tensión del sometimiento corporal y la tensión artística ¿Tendremos un concierto? No vamos a adelantar aquí el trabajo. Alguien nos recordará que otros artistas llegaron antes, sí, claro, pero nunca es al mismo sitio. Cada uno es único y la tensión queda entre los muchos que cada uno somos. Atentos.

 

Próxima inauguración de Lía Ateca en la Galería Isabel Hurley

 

Lía Ateca
HMBR (HeMBRa, HaMBRe, HoMBRe)

Jueves 11 abril 2019, 20:00h / 11 de abril – 22 mayo de 2019

 

Este proyecto está construido en base a tres palabras clave: entorno, identidad y feminismo. En marzo de 2017, con motivo del mes de la mujer, la artista inició una serie de acciones, ilustrando camisetas, bolsos y otros tejidos. A partir de ese momento confirió a una serie de frutos la cualidad de simbolizar determinadas ideas.

Tratando de salir del símbolo figurativo y evidente, manteniendo el concepto, carga de conciencia el color naranja, que se corresponde con el universo femenino y feminista. Le interesa con esto salir de la recurrencia hacia banderas ya estandarizadas, entendiendo esto también como una visión artística del mismo movimiento reivindicativo.

Con una cámara de fotos Polaroid 600 fotografía los elementos naranjas que se encuentra a su paso, de manera fortuita, ya que por ser analógica e instantánea resulta mas eficaz como instrumento para hilvanar un relato con cada escena, a modo de bodegón improvisado y crítico.

Estas piezas de pintura o dibujo, construyen paisajes y escenas mediante las que interpreta el entorno y reflexiona sobre su identidad como artista, como mujer y como mujer artista.

En palabras de Marisol Salanova: ” La pintura expandida de Ateca trasciende los soportes más o menos tradicionales, siendo sus herramientas conceptuales, perfectamente empleadas para traducir sus preocupaciones y anhelos al plano matérico.”

Lía Ateca (La Laguna, 1991)

Se licencia en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. A lo largo de su carrera se va interesando por la fotografía, la pintura y el dibujo. Es en Florencia, durante su estancia como alumna Erasmus, donde siente que estas tres disciplinas empiezan a converger y a formar su propia personalidad artística. En ese periodo colabora con sus ilustraciones en revistas como Lungarno.

Su trayectoria artística va de la mano de lo social, coincidiendo con la especialización como profesora de artes plásticas y diseño. A través de la pintura y el dibujo manifiesta su implicación en causas sociales como los derechos de la infancia o el cambio climático y la igualdad de género.

A raíz de sus residencias artísticas en Quito y San Potito Sannítico, Nápoles, su obra se ha transformado en una serie de paisajes más introspectivos. Desde hace aproximadamente dos años viene realizando pinturas que le ayudan a comprender su relación con el entorno. Así, después de un estudio sobre el pensamiento de la sociedad, plasmado en un proyecto de ilustración, se involucra en la interpretación del paisaje a través de un trabajo pictórico cuya narración construye dos discursos diferentes sobre la percepción del lugar que habita. Por un lado estarían las piezas mediante las que formula preguntas y, por otro, aquellas cuyo eje discursivo son las palabras entorno, identidad y feminismo, en las que plasma  las conclusiones del análisis crítico de su relación con el entorno en tanto que mujer y artista, en ambas circunstancias con un compromiso ejercido a través de su obra.

Recientemente, ha expuesto de manera individual en el Centro La Regenta, Las Palmas de Gran Canaria, tras un periodo de residencia; en la Sala de Arte Contemporáneo de Santa Cruz de Tenerife; o en la Galería Manuel Ojeda, y, de manera colectiva, en el Centro Atlántico de Arte Moderno, ambos también en Las Palmas de Gran Canaria.

 

 

María Cañas en Galería Isabel Hurley

 

Principios incuestionables en Galería Isabel Hurley

 

 

Miquel Garcia
Principios Incuestionables

Viernes 15 febrero 2019, 20:00h / Friday, February 15th 2019, 20:00h
15 de febrero – 30 marzo de 2019 / February 15th – March 30th 2019

 

Como destaca el filósofo francés Jean Luc Nancy la idea de mundo comporta siempre  una postulación de unidad, exige la unidad, necesita hipostasiar: considerar algo como una realidad absoluta. En el pensamiento occidental el concepto de “lo uno” es el fundamento que determina todos los demás principios incuestionables, aquellos que Miquel García acerca hegelianamente en esta exposición, es decir, dialécticamente, por medio de la negación. Los niega o mejor dicho los vuelca, mostrando su “negativo”, como si de una película fotográfica se tratara. En esto consiste el juego de su “representación artística”, una representación que parece “prohibirse” a sí misma mientras permite lo “prohibido”, jugando irónicamente con lo “incuestionable”.

Los principios incuestionables, como la lógica y la racionalidad humanas, el nomos y las leyes, están en la base de la modernidad y de su política. Vienen a ser principios de una gobernanza que se desempeña a veces visiblemente y a veces de manera oculta, como nos enseñaba Foucault. Las obras expuestas en esta exposición reconducen a dos campos de gobernanza: la cultura, es decir los símbolos, y la memoria, o sea la representación del pasado. Dos campos de gobernanza y entonces de ejercicio del poder, pero también de resistencia y lucha en los que intervenir, si es verdad aquello que nos dictaba Hölderling cuando escribía “allí donde crece el peligro, crece también lo que salva”.

En esta exposición Miquel trabaja “principios incuestionables” a partir de  la alteridad y de la ausencia/presencia. Se posiciona en el umbral entre lo que hay o ha habido, y una posibilidad otra y distinta. Presenta y retira. Trata temas oscuros con un toque de ironía que confiere a sus obras el rasgo del humor negro y de acidez. No le asusta lo macabro, ni volver a los grandes temas de la historia, recuperar “los grandes relatos de la modernidad” como diría Lyotard, aunque sea para “desvirtuarlos”, por medio de un detournement, en objetos de uso cotidiano. Representar lo prohibido y lo  “irrepresentable” y llevar al arte aquello que raramente el arte puede tratar con lucidez: los temas de la macropolítica. Y esto porque, aunque no debemos olvidar que “el arte no es la política y la política no es el arte”, los artistas no olvidan.

Federica Matelli

Miquel García (Barcelona, 1975)

Miquel García, Barcelona 1975. Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha realizado residencias artísticas en: El Ranchito  (Matadero, Madrid), La Casa das Caldeiras (São Paulo), Dare Dare (Montreal),Chang Dong Art Studio en Seúl (becado por la Unesco- Auschberg). En Axeneo7 (Quebec) becado por el Conca, en MCO arte, Oporto (becado por la Fundación Joan Miró de Mallorca) y en Hangar, Barcelona. En el 2006 recibió la beca de intercambio otorgada por Can Xalant (Mataró) para realizar un proyecto y exposición en Medellín, Colombia. Ha expuesto de forma colectiva en la Galeria Vermelho de São Paulo, La Sala de Arte Joven de la Generalitat, el Casino de Luxemburgo, Stampa, y en las Biennales de Mardin (Turquia) Turku (Finlandia), Vic, Zamora y ALBIAC (Almeria). Individualmente ha presentado su trabajo en el Centro Cultural de Noain, en Angels Barcelona, en The Cooper Union (New York) y el Museo de Arte Moderno de Tarragona. En su experiencia de docente ha impartido talleres con jóvenes en Medellín, Manizales, (Colombia), Bolivia, São Paulo, Palestina, Barcelona, Bilbao y Buenos Aires.

 

Isidro López – Aparicio en la Galería Isabel Hurley

 

Isidro López – Aparicio
Between Balance and Reflection

14 de diciembre 2018 – 2 de febrero de 2019 / December 14th 2018 – February 2nd 2019

Between Balance and Reflection es la primera individual de López-Aparicio en Málaga después de su participación en el Pompidou, en la colectiva Hors Pistes. Se enmarca dentro de sus reflexiones en torno a la naturaleza del ser humano en equilibrio consigo mismo y en su relación con la comunidad y el medio ambiente. 

La acción Invertidos, aprendiendo a relacionarse,  internacionalmente aclamada, aporta poderosas imágenes cargadas de simbolismo. Más de doscientas personas colgadas cabeza abajo en racimos han experimentado su intensidad. Acompañan a estas imágenes esculturas e instalaciones que amplían y tejen un discurso sólido, cuestionando las lógicas establecidas.

Desde sus comienzos la obra de López-Aparicio posee un marcado carácter político y social. Intenta condensar en sus proyectos la inestabilidad de la naturaleza y de la propia humanidad, en constante proceso de cambio, obligándonos a parar un instante para reflexionar sobre la futilidad de lo que nos rodea y condiciona. Con gran proyección internacional, este artista y activista  ha sabido escapar de catalogaciones para, desde el arte como elemento de reflexión y compromiso social, desarrollar una sólida presencia y reconocimiento profesional, participando con asiduidad en ferias internacionales y realizando numerosas intervenciones individuales y colectivas en los cinco continentes: desde la Tate Modern al Darat al Funun (Aman, Jordania), pasando por la GAM, Galleria d’Arte Moderna di Palermo, el Centro Pompidou (Málaga y París) o el ARTIUM de Vitoria. Doctor en Bellas Artes, Profesor titular en la Universidad de Granada, Honorary President of the Fine Art European Forum, editor en el Journal for Artistic Research, Presidente de la Unión de Artistas, miembro del Instituto de Investigación de la Paz y los Conflictos y de Artist Pension Trust, ha impartido conferencias y seminarios y comisariado festivales y exposiciones internacionales por todo el mundo.

Between Balance and Reflection
Javier Sánchez Martínez

Una de las explicaciones más antiguas acerca de la esencia y función del arte tiene en su centro la idea de imitación. Para esta teoría estética el arte no es sino una forma de imitar ciertos aspectos del universo. El arte sería entonces una copia o un reflejo de las cosas. Con independencia de qué cosa sea aquello que se imita o de cómo se lleve a cabo esta imitación, en el centro de esta teoría se encuentra una metáfora: el arte es (como) un espejo. A diferencia de lo que cabría pensar, las metáforas no son únicamente elementos ornamentales, ni tampoco tienen una función puramente persuasiva, sino que forman parte consustancial del discurso. En este sentido, ni el lenguaje natural ni el científico pueden prescindir de la metáfora. Más bien al contrario, todo discurso se haya atravesado por multitud de metáforas. Sin embargo, no todas las metáforas ocupan la misma posición dentro del discurso. Dentro de las metáforas cabe distinguir entre las que tienen un papel ilustrativo y aquellas que juegan un rol constitutivo. Mientras las primeras permiten apreciar aspectos inesperados de lo metaforizado mediante la comparación, las segundas actúan como modelos en miniatura que determinan tanto la lógica como la estructura del discurso. En el caso de la teoría estética de la imitación, nos encontramos con un tipo de metáfora constitutiva, pues la metáfora del reflejo es la que organiza todo el campo de sentido. La versión actualizada de la teoría de la imitación como reflejo del mundo se encuentra en la idea del arte como especulación crítica o reflexión. En este último caso, el arte ya no sería un espejo del mundo, sino tan solo de lo social. En ambos casos, ya sea que el espejo esté situado frente a las cosas o frente a la sociedad, la metáfora del reflejo y los campos semánticos que activa ocupan un lugar central. En la última obra de Isidro López-Aparicio, este doble aspecto de la metáfora del arte como espejo aparece entretejido de diversas maneras. Por un lado, López-Aparicio se vale de la estrategia del objeto encontrado. Entre el mundo y el arte hay una continuidad esencial cuya única diferencia radica en cómo se organizan los objetos a un lado y otro del espejo. Sin embargo, para López-Aparicio el objeto encontrado solo tiene valor en tanto que expresa algún tipo de relación social. De ahí la importancia del uso y del contexto. Los objetos encontrados son siempre portadores de una memoria material que se manifiesta tanto en las huellas que ha dejado su uso como en los vínculos con su entorno. Al agrupar los objetos encontrados por medio de diferentes tipos de afinidades, López-Aparicio pone de relieve el trasfondo social y político del cual forman parte. Al mismo tiempo, en la selección de los objetos se pone además de manifiesto la propia biografía del artista, pues se trata siempre de contextos de los que este participa o en los que interviene. De este modo, la obra de López-Aparicio toma como punto de partida los objetos encontrados en diversos entornos para organizar un tipo de archivos que funcionan como espejos que reflejan la realidad social y política, al tiempo que invitan al espectador a reflexionar sobre esa imagen. El espejo o la relación especular es, por lo tanto, una metáfora constitutiva del trabajo de López-Aparicio. En ocasiones el artista se vale no solo de la metáfora del espejo sino también de espejos reales para elaborar un tipo de puesta en escena que, al multiplicar los objetos de forma simétrica, le permite introducir composiciones geométricas simples. Este tipo de estructuras pueden tener como referentes diagramas o elementos arquitectónicos. Por otra parte, el espejo le permite introducir tanto el espacio expositivo como al espectador en la obra. De este modo, los campos semánticos del reflejo y la reflexión se entrelazan y se bifurcan. Por otro lado, la metáfora del espejo también aparece en la serie de los Invertidos, una propuesta en la que el artista invita a grupos de personas a colgarse cabeza abajo. A partir de esta acción, que invita literalmente a los participantes a invertir tanto su punto de vista como su modo de interactuar con los demás, el artista elabora series de fotografías que se centradas en las transformaciones que sufren los cuerpos y en los gestos inesperados que aparecen al cambiar de posición. Al margen de la inversión especular, la serie de los Invertidos introduce la otra metáfora constitutiva de la obra de López-Aparicio: el equilibrio. En este caso también se trata de una metáfora que abre diferentes campos de sentido, desde lo arquitectónico a lo social. Equilibrar es siempre estabilizar, establecer contrapesos y buscar la proporción. En muchas de las obras de López-Aparicio el equilibrio es tan preciso como frágil. Al mismo tiempo, la cuestión del equilibrio también está relacionada con la formación de López-Aparicio como dibujante y con una cierta concepción del dibujo como un modo de producir diferentes tipos de interacciones entre las formas y los vacíos. A partir de una idea del dibujo como campo expandido, la obra de López-Aparicio se sale de la página en blanco para invadir el espacio y producir relaciones entre objetos, personas y contextos que se sitúan a medio camino entre la reflexión y el equilibrio.