Aideen Barry. Everything Changes, Nothing Perishes.

 

 

Time Bends (detalle / detail) Instalación de dibujo y vídeo / drawing and video installation

 

Aideen Barry
Everything Changes, Nothing Perishes

Viernes 31 mayo 2019, 20:00h

Omnia mutantur, nihil interit, verso de La Metamorfosis de Ovidio, es una imagen metafórica de la inmortalidad, pero no referida al disfrute de la juventud o la vida eternas sino a la pervivencia del espíritu, de una u otra manera. Con un enfoque histórico, podría aplicarse a nuestra inevitable predisposición a repetir constantemente los errores y las locuras del pasado; Asímismo, extrapolarse al auge de la ideología conservadora en el cuerpo político y en la esfera de lo cotidiano, y a nuestras propias fallas e incapacidad para prevenir el desastre, lo que deviene en una especie de círculo vicioso, condenados a la repetición ad infinitum, como Sísifo.

Esta es una noción por la que Aideen Barry se siente atraída reiteradamente en su práctica creativa. La idea de la banalidad de la tarea y el absurdo de la repetición, premisas que artísticamente materializa en un complejo proceso de acciones controladas y captadas en un momento dado, que se plasman en una especie de ilusión óptica de movimiento; en una ficción visual de curvar el tiempo y el espacio en sus vídeos performativos. La propuesta presenta audiovisuales con escenas de movimiento perpetuo y espejismos, formadas por miles de fotogramas tomados durante un largo período para transformar a la artista / protagonista en un autómata, imagen metafórica esta vez de la mujer trabajadora y receptáculo de reproducción, involucrado en la sobrecarga de trabajos que nunca terminan. propios de este género en tanto que seres funcionales. Obras como Time bends, visualizan ese retorno al mismo lugar pese a las constantes transformaciones. Para Barry este es un tropo feminista que emerge en su práctica, utilizando el humor como un acicate para generar debate sobre los roles de género y cuestionar el mundo heteronormativo.

Junto a ellos varios trabajos de dibujo y animación interactivos que refuerzan la idea de cambio, evolución, revolución y retorno. Hay un obvio guiño a la antigüedad en este exposición, cuyas obras glosan temas como lo monstruoso y lo fantástico, fusionados con la tecnología de vanguardia y los enfoques experimentales para el video y el sonido entrelazados.

 

 

 

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Siete Performances o Nueve.

 

 

Sesión de performance
Comisariada por Joaquín Ivars

 

Viernes 24 mayo 2019, 19:00h

SIETE PERFORMANCES, O NUEVE

Por segunda vez presentamos en la Galería Isabel Hurley un conjunto de obras de artes de acción. En este caso, y dado que los números nos bailan, tendremos entre siete y nueve performances; llamémosles así. Unas tendrán un interfaz mediático y otras serán absolutamente presenciales. Los orígenes de sus autores son diversos, España, Brasil, Italia, Chile y tanto eso como el género, como la edad, también nos bailan; no estamos obnubilados por los detalles pero las biopolíticas y sus consecuencias nos quedan cerca, las circunstancias inscritas en el cuerpo nos hablan por más que queramos abstraernos de lo que la materia nos cuenta.

Cada autor/a de origen diverso y con un background absolutamente personal nos trae un destilado de su incipiente producción performativa. Aquí no hay marco que nos “salve”, aquí el arte se propone, ni se expone ni se impone, porque todo eso también nos baila. Compartiremos un rato, “bailaremos” juntos y luego autores y espectadores marcharemos a casa, o a otro lado. Algo habrá ocurrido, algo quedará en nuestras retinas y quién sabe si en nuestras conciencias. Dicen que la retina pertenece al Sistema Nervioso Central… ¿por qué no? Pero claro, no es un arte retiniano, la performance es un instrumento, una herramienta, un útil que toca nuestro cuerpo en todos lados, que toca nuestras mentes y nuestras emociones a través de otros mecanismos…

No voy a destripar sus acciones, los autores nos dan escuetas pistas en sus breves textos que a continuación podemos leer con la gracia de las diferencias lingüísticas en unos casos y en todos ellos con la intención puesta en que no podamos, no sepamos, descifrar su trabajo. Sus acciones son indescifrables porque no son una cifra, no se corresponden con un cifrado que haya que explicar o desplegar. Hay que compartir lo que allí ocurre, entrar hasta el fondo con ellos. La performance es un modo genuino de vivir la experiencia, desde dentro y desde fuera; desde todos lados nos llega y en todos nuestros puntos roza. Pero no nos confundamos, es una experiencia que ya no se quiere fruto del absurdo, del capricho, como en otros tiempos ocurrió. Aquí las acciones se sienten y se piensan; se articulan los movimientos del cuerpo con los flujos del pensar. Nadie domina porque todos somos dominados, lo queramos o no. La fragilidad de las acciones y de sus autores es lo que nos acerca. Acérquense, bailen con ellos, compartan sus temblores, acudan a acompañarnos en este viaje que nos llevará lejos en un trayecto que apenas dura unos minutos y en el que no existe ningún destino.

Joaquín Ivars

 

PROGRAMA

Monica Coster
.Una noche en Málaga

Performance: vía streaming

Una noche en Málaga es una performance “en vivo”, transmitida en streaming  desde Río de Janeiro, Brasil. Durante la sesión, mientras miramos la pantalla, los performers: la artista y su compañero, nos transmiten su estancia en el Hotel Málaga, ubicado en el mismo barrio de esa ciudad brasileña donde residen, utilizado para encuentros amorosos de parejas. Desde su entrada en el establecimiento,  justo al principio del evento, los participantes disfrutan de sus servicios y dependencias, compartiendo con nosotros lo que pueda ocurrir en las horas siguientes de sesión. La sugerencia sexual que envuelve el nombre Málaga, la duplicidad de los hechos, la ciudad rediscutida en habitación de un motel: ¿qué hacer en Málaga? ¿Cómo habitar simultáneamente las dos Málagas, interconectadas discursivamente por la imprevisibilidad de la permanencia y del streaming?

 

Luiza Schaefer
.Gran Artista

Performance: vídeo

La obra, grabada y presentada en formato de video mp4, fue concebida como una performance presencial, pero a causa de la distancia entre el actual lugar donde actualmente vive la artista y la consiguiente imposibilidad de desplazamiento, se adaptó a vídeo para que pudiera formar parte de ese evento.

Como el resto de sus trabajos, la performance es una línea que se adentra por su cuerpo, sus sentimientos, sus frustraciones, su intimidad, en consecuencia. Gran Artista es una performance que habla de la dificultad que comporta ser artista, ya que nadie, excepto los propios artistas, sabe cuán difícil es no solo llegar a serlo sino sentirse, mirarse como tal.

 

Azahar G. Castillo
.Film

Performance: presencial

La unión entre mujeres es cada vez más fuerte, más potente, más real… Somos una, y somos únicas. Nuestros cuerpos son los perfectos instrumentos de la vida, son belleza, son amor, son fuerza, son alma, son pasión, son el principio y el final… Son vida.

Nuestros cuerpos son más de lo que creemos, no son solo simples figuras, van más allá. Son la capacidad de transmitir, de comunicar, de ver, de sentir… no necesitamos nada más, las palabras quedan fuera de esta expresión. La simple relación de ambos en esta performance es capaz de decir mucho más que esto que estamos leyendo.

 

Celia Mesa
.Silencio

Performance: presencial

Silencio es y no es silencio… Tu mutismo quedará menguado por mi silencio, quiero que lo conozcas porque mi silencio no es cualquier silencio, es muy especial… Y cuando lo hagas, te darás cuenta de que vivir con él es lo que nunca conseguirás, porque el silencio es mío y solo mío.

En esta performance me acompañará Marta Jurado, ella conoce mi silencio, lo entiende, lo sabe, lo acepta, pero no lo siente, porque el silencio es mío y no puedo compartirlo. Solo yo y yo, porque es mi silencio.

Silencio  no es y es silencio.

 

Alicia Pérez Cobaleda
.Tara

Performance: presencial

Desde hace mucho, llevamos impuestas cargas que van creciendo poco a poco a nuestra costa. Ni recuerdo cuando fui consciente de las mías, solo sé que estoy cansada de llevarlas y de tener que cumplir estúpidos requisitos para tener el gran honor de llevar tan gran lastre. Quizás por egoísmo, por amor propio o solo por pereza, pero no quiero arrastrarme mas con ellas, pese a quien pese, aunque tenga que pasárselas a alguien que ni sepa lo que se le viene encima, pero ¿acaso me preguntaron a mí?

 

Stefano Regosini
.Fiesta

Performance: presencial

La performance se relaciona con una celebración extática, una liberación de sentidos y mente, una exaltada flagelación que busca conseguir el auto-descubrimiento del artista.
.Enigma

Performance: presencial

La segunda performance de este artista busca explorar la importancia del lenguaje no verbal y la complejidad que puede obtener este al atarlo a una trama simbólica.

 

Olivier BuDí

Tensión (en concierto)

Performance: presencial

Se trata quizás de componer… en este caso dos ideas en una. Se propone la tensión del sometimiento corporal y la tensión artística ¿Tendremos un concierto? No vamos a adelantar aquí el trabajo. Alguien nos recordará que otros artistas llegaron antes, sí, claro, pero nunca es al mismo sitio. Cada uno es único y la tensión queda entre los muchos que cada uno somos. Atentos.

 

Próxima inauguración de Lía Ateca en la Galería Isabel Hurley

 

Lía Ateca
HMBR (HeMBRa, HaMBRe, HoMBRe)

Jueves 11 abril 2019, 20:00h / 11 de abril – 22 mayo de 2019

 

Este proyecto está construido en base a tres palabras clave: entorno, identidad y feminismo. En marzo de 2017, con motivo del mes de la mujer, la artista inició una serie de acciones, ilustrando camisetas, bolsos y otros tejidos. A partir de ese momento confirió a una serie de frutos la cualidad de simbolizar determinadas ideas.

Tratando de salir del símbolo figurativo y evidente, manteniendo el concepto, carga de conciencia el color naranja, que se corresponde con el universo femenino y feminista. Le interesa con esto salir de la recurrencia hacia banderas ya estandarizadas, entendiendo esto también como una visión artística del mismo movimiento reivindicativo.

Con una cámara de fotos Polaroid 600 fotografía los elementos naranjas que se encuentra a su paso, de manera fortuita, ya que por ser analógica e instantánea resulta mas eficaz como instrumento para hilvanar un relato con cada escena, a modo de bodegón improvisado y crítico.

Estas piezas de pintura o dibujo, construyen paisajes y escenas mediante las que interpreta el entorno y reflexiona sobre su identidad como artista, como mujer y como mujer artista.

En palabras de Marisol Salanova: ” La pintura expandida de Ateca trasciende los soportes más o menos tradicionales, siendo sus herramientas conceptuales, perfectamente empleadas para traducir sus preocupaciones y anhelos al plano matérico.”

Lía Ateca (La Laguna, 1991)

Se licencia en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. A lo largo de su carrera se va interesando por la fotografía, la pintura y el dibujo. Es en Florencia, durante su estancia como alumna Erasmus, donde siente que estas tres disciplinas empiezan a converger y a formar su propia personalidad artística. En ese periodo colabora con sus ilustraciones en revistas como Lungarno.

Su trayectoria artística va de la mano de lo social, coincidiendo con la especialización como profesora de artes plásticas y diseño. A través de la pintura y el dibujo manifiesta su implicación en causas sociales como los derechos de la infancia o el cambio climático y la igualdad de género.

A raíz de sus residencias artísticas en Quito y San Potito Sannítico, Nápoles, su obra se ha transformado en una serie de paisajes más introspectivos. Desde hace aproximadamente dos años viene realizando pinturas que le ayudan a comprender su relación con el entorno. Así, después de un estudio sobre el pensamiento de la sociedad, plasmado en un proyecto de ilustración, se involucra en la interpretación del paisaje a través de un trabajo pictórico cuya narración construye dos discursos diferentes sobre la percepción del lugar que habita. Por un lado estarían las piezas mediante las que formula preguntas y, por otro, aquellas cuyo eje discursivo son las palabras entorno, identidad y feminismo, en las que plasma  las conclusiones del análisis crítico de su relación con el entorno en tanto que mujer y artista, en ambas circunstancias con un compromiso ejercido a través de su obra.

Recientemente, ha expuesto de manera individual en el Centro La Regenta, Las Palmas de Gran Canaria, tras un periodo de residencia; en la Sala de Arte Contemporáneo de Santa Cruz de Tenerife; o en la Galería Manuel Ojeda, y, de manera colectiva, en el Centro Atlántico de Arte Moderno, ambos también en Las Palmas de Gran Canaria.

 

 

María Cañas en Galería Isabel Hurley

 

Principios incuestionables en Galería Isabel Hurley

 

 

Miquel Garcia
Principios Incuestionables

Viernes 15 febrero 2019, 20:00h / Friday, February 15th 2019, 20:00h
15 de febrero – 30 marzo de 2019 / February 15th – March 30th 2019

 

Como destaca el filósofo francés Jean Luc Nancy la idea de mundo comporta siempre  una postulación de unidad, exige la unidad, necesita hipostasiar: considerar algo como una realidad absoluta. En el pensamiento occidental el concepto de “lo uno” es el fundamento que determina todos los demás principios incuestionables, aquellos que Miquel García acerca hegelianamente en esta exposición, es decir, dialécticamente, por medio de la negación. Los niega o mejor dicho los vuelca, mostrando su “negativo”, como si de una película fotográfica se tratara. En esto consiste el juego de su “representación artística”, una representación que parece “prohibirse” a sí misma mientras permite lo “prohibido”, jugando irónicamente con lo “incuestionable”.

Los principios incuestionables, como la lógica y la racionalidad humanas, el nomos y las leyes, están en la base de la modernidad y de su política. Vienen a ser principios de una gobernanza que se desempeña a veces visiblemente y a veces de manera oculta, como nos enseñaba Foucault. Las obras expuestas en esta exposición reconducen a dos campos de gobernanza: la cultura, es decir los símbolos, y la memoria, o sea la representación del pasado. Dos campos de gobernanza y entonces de ejercicio del poder, pero también de resistencia y lucha en los que intervenir, si es verdad aquello que nos dictaba Hölderling cuando escribía “allí donde crece el peligro, crece también lo que salva”.

En esta exposición Miquel trabaja “principios incuestionables” a partir de  la alteridad y de la ausencia/presencia. Se posiciona en el umbral entre lo que hay o ha habido, y una posibilidad otra y distinta. Presenta y retira. Trata temas oscuros con un toque de ironía que confiere a sus obras el rasgo del humor negro y de acidez. No le asusta lo macabro, ni volver a los grandes temas de la historia, recuperar “los grandes relatos de la modernidad” como diría Lyotard, aunque sea para “desvirtuarlos”, por medio de un detournement, en objetos de uso cotidiano. Representar lo prohibido y lo  “irrepresentable” y llevar al arte aquello que raramente el arte puede tratar con lucidez: los temas de la macropolítica. Y esto porque, aunque no debemos olvidar que “el arte no es la política y la política no es el arte”, los artistas no olvidan.

Federica Matelli

Miquel García (Barcelona, 1975)

Miquel García, Barcelona 1975. Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha realizado residencias artísticas en: El Ranchito  (Matadero, Madrid), La Casa das Caldeiras (São Paulo), Dare Dare (Montreal),Chang Dong Art Studio en Seúl (becado por la Unesco- Auschberg). En Axeneo7 (Quebec) becado por el Conca, en MCO arte, Oporto (becado por la Fundación Joan Miró de Mallorca) y en Hangar, Barcelona. En el 2006 recibió la beca de intercambio otorgada por Can Xalant (Mataró) para realizar un proyecto y exposición en Medellín, Colombia. Ha expuesto de forma colectiva en la Galeria Vermelho de São Paulo, La Sala de Arte Joven de la Generalitat, el Casino de Luxemburgo, Stampa, y en las Biennales de Mardin (Turquia) Turku (Finlandia), Vic, Zamora y ALBIAC (Almeria). Individualmente ha presentado su trabajo en el Centro Cultural de Noain, en Angels Barcelona, en The Cooper Union (New York) y el Museo de Arte Moderno de Tarragona. En su experiencia de docente ha impartido talleres con jóvenes en Medellín, Manizales, (Colombia), Bolivia, São Paulo, Palestina, Barcelona, Bilbao y Buenos Aires.

 

Isidro López – Aparicio en la Galería Isabel Hurley

 

Isidro López – Aparicio
Between Balance and Reflection

14 de diciembre 2018 – 2 de febrero de 2019 / December 14th 2018 – February 2nd 2019

Between Balance and Reflection es la primera individual de López-Aparicio en Málaga después de su participación en el Pompidou, en la colectiva Hors Pistes. Se enmarca dentro de sus reflexiones en torno a la naturaleza del ser humano en equilibrio consigo mismo y en su relación con la comunidad y el medio ambiente. 

La acción Invertidos, aprendiendo a relacionarse,  internacionalmente aclamada, aporta poderosas imágenes cargadas de simbolismo. Más de doscientas personas colgadas cabeza abajo en racimos han experimentado su intensidad. Acompañan a estas imágenes esculturas e instalaciones que amplían y tejen un discurso sólido, cuestionando las lógicas establecidas.

Desde sus comienzos la obra de López-Aparicio posee un marcado carácter político y social. Intenta condensar en sus proyectos la inestabilidad de la naturaleza y de la propia humanidad, en constante proceso de cambio, obligándonos a parar un instante para reflexionar sobre la futilidad de lo que nos rodea y condiciona. Con gran proyección internacional, este artista y activista  ha sabido escapar de catalogaciones para, desde el arte como elemento de reflexión y compromiso social, desarrollar una sólida presencia y reconocimiento profesional, participando con asiduidad en ferias internacionales y realizando numerosas intervenciones individuales y colectivas en los cinco continentes: desde la Tate Modern al Darat al Funun (Aman, Jordania), pasando por la GAM, Galleria d’Arte Moderna di Palermo, el Centro Pompidou (Málaga y París) o el ARTIUM de Vitoria. Doctor en Bellas Artes, Profesor titular en la Universidad de Granada, Honorary President of the Fine Art European Forum, editor en el Journal for Artistic Research, Presidente de la Unión de Artistas, miembro del Instituto de Investigación de la Paz y los Conflictos y de Artist Pension Trust, ha impartido conferencias y seminarios y comisariado festivales y exposiciones internacionales por todo el mundo.

Between Balance and Reflection
Javier Sánchez Martínez

Una de las explicaciones más antiguas acerca de la esencia y función del arte tiene en su centro la idea de imitación. Para esta teoría estética el arte no es sino una forma de imitar ciertos aspectos del universo. El arte sería entonces una copia o un reflejo de las cosas. Con independencia de qué cosa sea aquello que se imita o de cómo se lleve a cabo esta imitación, en el centro de esta teoría se encuentra una metáfora: el arte es (como) un espejo. A diferencia de lo que cabría pensar, las metáforas no son únicamente elementos ornamentales, ni tampoco tienen una función puramente persuasiva, sino que forman parte consustancial del discurso. En este sentido, ni el lenguaje natural ni el científico pueden prescindir de la metáfora. Más bien al contrario, todo discurso se haya atravesado por multitud de metáforas. Sin embargo, no todas las metáforas ocupan la misma posición dentro del discurso. Dentro de las metáforas cabe distinguir entre las que tienen un papel ilustrativo y aquellas que juegan un rol constitutivo. Mientras las primeras permiten apreciar aspectos inesperados de lo metaforizado mediante la comparación, las segundas actúan como modelos en miniatura que determinan tanto la lógica como la estructura del discurso. En el caso de la teoría estética de la imitación, nos encontramos con un tipo de metáfora constitutiva, pues la metáfora del reflejo es la que organiza todo el campo de sentido. La versión actualizada de la teoría de la imitación como reflejo del mundo se encuentra en la idea del arte como especulación crítica o reflexión. En este último caso, el arte ya no sería un espejo del mundo, sino tan solo de lo social. En ambos casos, ya sea que el espejo esté situado frente a las cosas o frente a la sociedad, la metáfora del reflejo y los campos semánticos que activa ocupan un lugar central. En la última obra de Isidro López-Aparicio, este doble aspecto de la metáfora del arte como espejo aparece entretejido de diversas maneras. Por un lado, López-Aparicio se vale de la estrategia del objeto encontrado. Entre el mundo y el arte hay una continuidad esencial cuya única diferencia radica en cómo se organizan los objetos a un lado y otro del espejo. Sin embargo, para López-Aparicio el objeto encontrado solo tiene valor en tanto que expresa algún tipo de relación social. De ahí la importancia del uso y del contexto. Los objetos encontrados son siempre portadores de una memoria material que se manifiesta tanto en las huellas que ha dejado su uso como en los vínculos con su entorno. Al agrupar los objetos encontrados por medio de diferentes tipos de afinidades, López-Aparicio pone de relieve el trasfondo social y político del cual forman parte. Al mismo tiempo, en la selección de los objetos se pone además de manifiesto la propia biografía del artista, pues se trata siempre de contextos de los que este participa o en los que interviene. De este modo, la obra de López-Aparicio toma como punto de partida los objetos encontrados en diversos entornos para organizar un tipo de archivos que funcionan como espejos que reflejan la realidad social y política, al tiempo que invitan al espectador a reflexionar sobre esa imagen. El espejo o la relación especular es, por lo tanto, una metáfora constitutiva del trabajo de López-Aparicio. En ocasiones el artista se vale no solo de la metáfora del espejo sino también de espejos reales para elaborar un tipo de puesta en escena que, al multiplicar los objetos de forma simétrica, le permite introducir composiciones geométricas simples. Este tipo de estructuras pueden tener como referentes diagramas o elementos arquitectónicos. Por otra parte, el espejo le permite introducir tanto el espacio expositivo como al espectador en la obra. De este modo, los campos semánticos del reflejo y la reflexión se entrelazan y se bifurcan. Por otro lado, la metáfora del espejo también aparece en la serie de los Invertidos, una propuesta en la que el artista invita a grupos de personas a colgarse cabeza abajo. A partir de esta acción, que invita literalmente a los participantes a invertir tanto su punto de vista como su modo de interactuar con los demás, el artista elabora series de fotografías que se centradas en las transformaciones que sufren los cuerpos y en los gestos inesperados que aparecen al cambiar de posición. Al margen de la inversión especular, la serie de los Invertidos introduce la otra metáfora constitutiva de la obra de López-Aparicio: el equilibrio. En este caso también se trata de una metáfora que abre diferentes campos de sentido, desde lo arquitectónico a lo social. Equilibrar es siempre estabilizar, establecer contrapesos y buscar la proporción. En muchas de las obras de López-Aparicio el equilibrio es tan preciso como frágil. Al mismo tiempo, la cuestión del equilibrio también está relacionada con la formación de López-Aparicio como dibujante y con una cierta concepción del dibujo como un modo de producir diferentes tipos de interacciones entre las formas y los vacíos. A partir de una idea del dibujo como campo expandido, la obra de López-Aparicio se sale de la página en blanco para invadir el espacio y producir relaciones entre objetos, personas y contextos que se sitúan a medio camino entre la reflexión y el equilibrio.

Antonio R. Montesinos – LOOP-HOLE en la Galería Isabel Hurley

 

 

25 de octubre – 7 de diciembre de 2018 / October 25th – December 7th 2018

La expresión inglesa Loop-Hole significa literalmente «un agujero en un bucle», pero se puede traducir como un «vacío legal», un «resquicio» o directamente como “escapatoria”.

Con esta expresión se explica cómo siempre que hay un loop —un bucle, un nudo, un obstáculo— este mismo bucle abre un espacio —agujero— por donde poder escapar. Se utiliza frecuentemente para hablar de vacíos legales, de huecos en la seguridad y en general de todo lo que escapa a un sistema de clasificación, de seguridad o de disciplina.

Este proyecto Antonio R. Montesinos pretende continuar investigando sobre metodologías, conceptos y temáticas habituales en su trabajo, como la deambulación urbana, la fotografía o la utilización de objetos y materiales encontrados. En el plano conceptual se pretende trabajar una vez más sobre «lo ordenado y lo entrópico», la reinterpretación de reglas, lo lúdico y sobre cómo podemos ejercer cierto rango de libertad cuando usamos de forma distorsionada las estructuras que organizan nuestra experiencia cotidiana.

Por tanto, la exposición pretende exhibir una serie de piezas que juegan/pervierten ciertas estructuras que organizan nuestros movimientos en el espacio público. Estructuras como las vallas, la señalización pública o los procesos de higiene. 

 

Proximamente estaremos en The Manchester Conteporary 2018 con Aideen Barry, Antonio R. Montesinos y Daniel Silvo

 

 

Aideen Barry, Antonio R. Montesinos y Daniel Silvo

The Manchester Contemporary

 

Colectiva/Group Show: En pos del andrógino. Del hermafrodita a la mirada queer.

 

 

En pos del andrógino.
Del hermafrodita a la mirada queer

Rafael Agredano, Ana Laura Aláez, Bola Barrionuevo, Carmela García, Jose Antonio Hergueta, Yasumasa Morimura, Marina Núñez, Leo Peralta, Juan Carlos Robles, Andres Serrano.

Comisariada por Alfredo Taján

Inauguración viernes 6 de julio, 20:00 h.

6 de julio – 6 de octubre de 2018

 

Los emblemas, alegorías y símbolos del imaginario homosexual, lésbico y trans, que históricamente han recalcado que detrás del cuerpo emergen otros cuerpos, y otros deseos, han exigido diversas estrategias de representación, que si bien, día a día y con bastante esfuerzo, van ocupando espacios artísticos, por lo tanto, socio-culturales, significativos, expresan, en sus puestas en escena, los miedos latentes que subyacen en el proceso de pasar de gusano a mariposa. Precisamente de esa fragilidad debe extraerse su grandeza.

La exposición En pos del andrógino: del hermafrodita a la mirada queer, recoge el guante, nunca mejor dicho, de aquel ensayo de Estrella de Diego, El andrógino sexuado, en el que se apuesta por la androginia como posible forma de liberación de aquella auctoritas que ha repartido los papeles más o menos preponderantes en la sociedad, desde la antigua Roma hasta hoy día, sin que haya variado un milímetro su tutelaje moral, un aplastante dominio que transformó cuerpos y deseos heterodoxos en escaparates residuales del desorden y el caos.  

Si la apuesta por el andrógino supone la anulación del modelo diferenciador, los diez creadores plásticos que hemos seleccionado para esta colectiva en la Galería Isabel Hurley –Rafael Agredano, Ana Laura Aláez, Bola Barrionuevo, Carmela García, José Antonio Hergueta, Yasumasa Morimura, Marina Núñez,  Leo Peralta,  Juan Carlos Robles y Andrés Serrano- han sobrevivido, en cuanto a planteamiento y resolución formal, a circunstancias iconográficas no siempre adversas pero cuanto menos enigmáticas. La Historia con mayúsculas habla por ellas. Desde la estatuaria greco-latina pasando por la ambigua concepción de la belleza que se encuentra en obras de Leonardo, Miguel Ángel o Caravaggio, hasta llegar a Rose Slavy/Marcel Duchamp o algunas Polaroids en las que Warhol aparece como Madame Warhola, sin olvidar los relatos literarios en distintos géneros –aunque de innegable plasticidad-, de Eduardo II (Marlowe) Dorian Gray (Wilde), Heliogábalo (Artaud), Tomás el impostor (Cocteau), Orlando (Virgina Woolf), Mira Brekinridge (Gore Vidal), Cobra (Sarduy), por solo citar unos cuantos títulos de una dilatada lista, debemos afirmar que todas y cada una de las propuestas que aquí se presentan han hurgado en la extrañeza del cuerpo que quiere salirse de la norma, que busca caminos alternativos y que jamás se subordina. Como en la misma imagen, tantas veces multiplicada, de San Sebastián, uno de los mitos en los que se asienta el santuario gay, no se sabe a ciencia cierta dónde empieza la pulsión mística y dónde culmina la atracción erótica.

Entre el sarcasmo y la simulación, los ideales estéticos ofrecen un contraste lacerante entre denuncia e imposibilidad; valga, entonces, correr a toda prisa En pos del andrógino, para vivir, y disfrutar, del arte, de la cultura, en definitiva, de la vida, con sus luces y sus sombras, pero como es debido. 

Alfredo Taján

 

Próxima inauguración: Natalia Castañeda, Caricias y pellizcos

 

NATALIA CASTAÑEDA
Caricias y pellizcos

Inauguración viernes 20 de abril de 2018, 20:00 h.

20 de abril al 9 de junio de 2018

 

Exposición de cerámica que pone este material en diálogo con la escultura, la instalación y el vídeo, explorando el lenguaje de las manos en una serie de acciones que involucran el hacer, el gesto y la huella. Las cerámicas cuestionan dinámicas de política interior, como el diálogo entre lo duro y lo maleable; la izquierda y la derecha; lo orgánico y lo artificial; la simetría y el defecto. Son un conjunto de enunciaciones de gestos mezclados con residuos cotidianos. Como comentarios irónicos al paisaje hecho con las manos.

CUANDO EL PAISAJE ES LA PIEL
Sergio Alvarez

Los mecanismos que mantienen la vida odian exhibirse; acostumbran esconderse bajo una capa de belleza o una acumulación de accidentes que, según corresponda, llamamos paisaje o piel. Es a este encubrimiento estético que ha dedicado Natalia Castañeda Arbeláez su indagación artística.

Desde las primeras exposiciones, la reflexión sobre el paisaje, sus métodos y sus formas, atraviesa la obra. Hay pinturas que convierten el color en una mirada inquisidora de la naturaleza, hay instalaciones que invitan a interactuar con su fragilidad, hay esculturas que nos llevan a preguntarnos sobre lo que vemos y sobre la necesidad de representarlo. Hay ríos que fluyen como una forma de optimismo vital y hay videos que convierten la observación de la montaña en  una meditación en la que la belleza y las dudas nos pegan como viento en la cara.

El trabajo de Natalia observa con atención la pasión estética del planeta y nos obliga a preguntarnos el porqué de su existencia. En Caricias y Pellizcos, Natalia se toma un respiro de las caminatas y los viajes y se encierra en el taller a trabajar la arcilla; un material que también se esconde bajo la superficie del mundo que vivimos pero que, una vez descubierto, ha dado al hombre casa, herramientas cotidianas y posibilidades de auto representación.

La arcilla es tal vez el material artístico más primitivo y es por eso mismo un material al que hay que entregarse sin prejuicios ni prevenciones. En manos de Natalia, la cerámica se convierte al mismo tiempo en piedra, cuerpo o paisaje industrial y su flexibilidad o dureza se esculpen como fetiche, desecho o piel. En las esculturas de tamaño mediano opone lo industrial a lo sensual, lo que ha construido la máquina y lo que ha sido fruto del deseo de lo biológico por reproducirse. Son piezas que contraponen lo residual con lo efímero;  figuras en las cuales la mano no intenta dar forma sino seguir el rastro de un mundo que se levanta gracias a la necesidad de amor, el capricho o la desesperación.

Junto a ellas se exponen piezas más pequeñas y, por eso mismo, más íntimas. Pequeñas esculturas que acarician el barro, lo presionan, le dan masajes, lo pellizcan, lo soban e, igual que en las relaciones humanas, son producto de un cariño y una complicidad que dejan huellas imposibles de borrar. Este conjunto de cerámicas vuelve piedra lo que alguna vez fue entrega y, con ello, nos lleva a preguntarnos por qué la vida es un eterno querer y, al tiempo, un eterno riesgo.

El tercer componente de la exposición es un video en el cual la reflexión sobre lo vivo y sobre su representación es un dialogo entre un brazo y una mano inquietos y sus dobles en barro. Lo que inicialmente es un homenaje pasa a ser conversación, juego de opuestos y complementarios, de izquierda y derecha, de fuerzas que sueltan o agarran. Una charla que tiene un momento de esplendor y, poco a poco, va perdiendo el jugueteo y la alegría y se convierte en reclamo y violencia.

¿Son el amor y el deseo una forma de plenitud o sólo el inicio de la decadencia? ¿Acariciarse, besarse o pellizcarse son caras de la felicidad o señales de una futura tristeza? ¿Por qué lo maleable pasa por el fuego y se hace piedra? ¿Por qué el deseo es también una manera de autodestrucción?

En últimas, Natalia convierte el barro en materialización del tiempo, muestra cómo el paso de los días destruye incluso el más hermoso paisaje o la más hermosa piel. Piel y paisaje son al mismo tiempo la máxima expresión de la belleza y fachadas de un mecanismo vivo que se agota, que muere, un mecanismo que, queramos o no, se descompone.
Natalia Castañeda Arbeláez CV 
(Manizales, Colombia 1982)
Vive y trabaja entre Bogotá y Barcelona

Artista plástica y docente. Actualmente es doctorado del programa de Realidad Asediada, concepto, proceso y experimentación de la Universidad de Barcelona, ​​donde se realizó el Master en Creación Artística Contemporánea (2017). Realizó estudios de Artes Plásticas en la Universidad de los Andes en Bogotá (2004), Especialización en Creación Multimedia en la misma universidad (2006). Y obtuvo el DNSBA, en École National Supérieur de Beaux-Arts en Paris, Francia (2009). Es profesora asociada en la Universidad de los Andes y en la Universidad Javeriana. Fue becaria de la residencia BATISCAFO en la Habana Cuba (2006), Residencia CRAC Valparaíso Chile (2011), y ganadora para la realización del Laboratorio PINTURA ABIERTA, en el Banco de la República, Bogotá (2013).

Su trabajo re exiona sobre el dibujo y la pintura, estos medios hacia los límites con la escultura, para crear las fotografías que se revelan por el recorrido. Las tramas atmosféricas y las pulsaciones gestuales guardan una aproximación poética al ocio, para sumergirse en el paisaje a través de los encuentros inesperados. Ella trabaja en el contexto desde la cartografía para realizar libremente los recorridos desde el efecto, la memoria, el viaje y lo místico, hacia la admiración respetuosa del entorno que busca restablecer la relación esencial y espiritual con la naturaleza.

Ha expuesto dentro y fuera de Colombia. Algunas de sus Exposiciones individuales son: “Siguiendo el Río” en el Museo de Arte de Pereira, 2016. “La ola, la rueda y la masa”, Flora Ars-Natura. Bogotá, 2015. “Piedras de otros lados” Galería Isabel Hurley, Malaga, España. 2015 “Espera me amarro el zapato”, Galería Nueveochenta, Bogotá 2015. Pedras Errantes, Galeria Marilia Razuk, Sao Pablo, Brasil, 2014. Ficciones para una postura presente, Nueveochenta, Bogotá. 2011. Contando piedras en el jardín de mi casa, Museo de Arte de Caldas, Manizales, 2010. Exposiciones colectivas: “Campo a través” Colección del Banco de la Republica. Sala Alcalá, Madrid, España, 2018. “Colombia, une histoire Colombien” Les Abattoirs, Toulouse, Francia, 2017. Acorazado Patacón. ARCO Colombia. Tabacalera. Madrid. España. Territorios en juego. Espacio Odeon. Bogotá. “Impulse, Reason, Sense, Con ict. Abstract Art from the Ella Fontanals-Cisneros Collection”. CIFO art space Miami. USA. Nuevas Aperturas: color, tiempo, espacio y materia. Museo de Arte y Cultura Colsubsidio. Bogotá 2014. Lugares Extraños, Solo Projects. PARC. 2013. I TRIENAL INTERANCIONAL DEL CARIBE, Santo Domingo. R Dominicana, 2010. Entre líneas, MOCA. Buenos Aires. Argentina, 2009. Asimetrías y convergencias, Galería Vermelho, Sao Pablo, Brasil, 2009. Prix de Dessin, Academie des Beaux-Arts, Paris, 2008. IX BIENAL INTERNACIONAL DE CUENCA, Ecuador, 2007. Al aire libre, Museo de Nacional de Colombia, Bogotá, 2007.