Concierto de verano en el Museo de Vidrio y Cristal de Málaga.

 

Cartel concierto

 

Como todos los años, en estas fechas llegan nuestras esperadas vacaciones y, por ello, para despedir a todos nuestros amigos hasta septiembre, el museo organiza el concierto “La Hora Española”, el próximo jueves 27 de julio a las 20:00h. en el jardín del museo.

 

Las entradas tendrán un precio de 10€, y el dinero se destinará a la colaboración del montaje de la microópera “Amor y Vida de Mujer”, bajo la dirección y producción de Nicolás Guindo.

 

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Studio Glass en Museo del Vidrio y Cristal de Málaga.

 

Landscape, Peter Layton. Museo del Vidrio

 

Hace poco tuvimos el gusto de conocer a un personaje absolutamente excepcional, Cristina Giménez Raurell, conservadora del Museo Cerralbo de Madrid. A Cristina ya la admirábamos desde la lejanía, por sus magníficas publicaciones, conferencias y estudios sobre el vidrio artístico contemporáneo, pero en persona aún nos produjo una mejor impresión, porque nos encontramos con una mujer muy cercana y comprometida, que siempre está dispuesta a compartir y difundir sus amplios conocimientos para intentar acabar con uno de los mayores complejos del mundo intelectual español, que todavía se niega a equiparar la importancia del soporte vidrio con el lienzo, la madera, el metal y la piedra en el conjunto global de las artes plásticas.

Nosotros compartimos esa misma lucha sin cuartel, que comenzaron hace muchos años Cristina Giménez Raurell, Joaquín Torres Esteban y otros amigos de su círculo, cuando montaron en Valencia VICOINTER’83 (1ª Muestra Internacional de Vidrio Contemporáneo en España), por eso cuando ahora nos piden nuestra disponibilidad para colaborar con ellos en una nueva exposición, nosotros nos hemos puesto inmediatamente a su entera disposición, no sólo con las piezas que ya mostramos en el Museo, sino con todo el grueso de nuestra colección de Studio Glass que todavía guardamos en el Reino Unido, Francia e Italia.

Patrik Grijalvo: Rotten Apples. Viernes 07 de julio de 2017 en Galería Isabel Hurley

Patrik Grijalvo

Patrik Grijalvo
Rotten Apples

 

En lo relativo a lo humano, no hay nada más artificial que la separación de los conceptos de natural y artificial. Desde que el primer antepasado que todos tenemos en común se bajó del árbol para comenzar una nueva y fructífera vida en bipedestación, la naturaleza y nuestra creación se han imbricado en un todo inseparable. Desde luego, desde hace ya tiempo esto es algo que se puede aplicar a una escala macro. El impacto del hombre sobre el planeta es tal que al tiempo actual de la Tierra lo llamamos antropoceno.

Pero hablemos de esas cosas pequeñas que nosotros somos. Desde la perspectiva humana, ¿qué es lo natural y qué es lo hecho por el hombre? Es difícil tenerlo claro. Desde que comenzamos a surcar la tierra con los dedos y a llenar los huecos con semillas, cambiamos el sentido del mundo que nos rodea, de la naturaleza. La planta emergida de la semilla plantada era ya un producto del hombre. Y así se entendía.

Sospecho que no fue hasta hace poco que el ser humano, aislado y deprimido en una cárcel de piedra, ruido y humo, comenzó a echar de menos su pasado salvaje y a idealizar consecuentemente esa parte de sí mismo. Los primeros antropólogos exageraron hasta el punto de hacer del buen salvaje una caricatura por contraposición al decadente hombre de ciudad, pero esos conceptos no han sido superados y siguen operando en nuestra cosmovisión occidental. Suponemos que lo que brota de la tierra siempre es bueno, olvidando que nuestra vida es precisamente una batalla por la supervivencia biológica que hemos ido ganando eventualmente gracias a nuestros propios ingenios.

La obra que presenta Patrik Grijalvo gira en torno a esa paridad conceptual natural-artificial, pero entendiéndolo como dos partes de un todo. Como un yin y un yan, la separación de los conceptos solo es posible en un ejercicio adulterado. Es el paspartú lo que delimita la fotografía, pero es precisamente ese acotar lo que la define. Y si depositamos ahí la mirada, veremos que en el aparente negro que vemos en la distancia en realidad se recoge la voluptuosidad de formas de la selva costarricense, donde la línea recta solo se puede evocar como un ideal. Ahora, el juego reside precisamente en darnos cuenta de que ambas partes de la obra son un todo indivisible, en el que una no es pensable sin la otra, y viceversa. Precisamente como lo natural y lo artificial. Precisamente como nosotros y el mundo en el que vivimos.

Parte del proyecto Rotten Apples fue premiado en el certamen Eginberri, convocado con motivo de XX Aniversario del Museo Guggenheim de Bilbao, donde fue expuesto.

 

DELIA BOYANO en Galería JM

Delia Boyano

Comisariado: Blanca Montalvo

 

Horarios y duración: De 11 a 14 hs. y de 17.30 a 20.30 h., de lunes a viernes. Sábados de 11 a 14 hs. Del 16 de junio al 4 de septiembre de 2017. (Agosto previa cita)

 

 

Salado

            The Cucumber Sandwich Club. Fábula segunda se inaugura en la sala Columna JM, una semana después de que  La corona de la reina. Fábula primera, se abriera al público en la sala de exposiciones de la Facultad de Bellas Artes. Ambas muestras son fruto de un acuerdo entre Javier Marín, y su histórica galería y la Universidad de Málaga. Para los jóvenes que finalizan sus estudios, es una oportunidad inestimable acercarse tan pronto al ámbito profesional del arte. Y además, hacerlo con el reto que supone preparar dos individuales para la misma ciudad y las mismas fechas.

            Delia Boyano consigue superar la prueba con elegancia y delicadeza. Como si se hubiera apropiado de Pinewood Studios junto a sus compañeras: Nashia, de Chipre, Kataryna, de Polonia y Anru de China,  filman el núcleo de The Cucumber Sandwich Club. Una exposición en la que nos vemos envueltos entre pistas de tenis de prestigiosos clubes londinenses, y sándwiches de pepino, recompensa frugal de calorías consumidas. Como Orson Welles envuelto en su capa de mago entre langostas, falsificadores y puros, la artista, transfigurada en maestra de ceremonias, nos introduce en sus películas y fotografías de un mundo blanco de luz difusa, en claro contraste con la presencia barroca que rezuman las esculturas y la iluminación teatral de la sala que ocupamos.

            La comida forma parte del arte desde su prehistoria: de los búfalos de Altamira al mero de la Cueva de La Pileta. Magia, mito, economía, política, poder, belleza, amor o verdad son representados en las cenas de los Guermantes descritas en detalle por Proust o en los frugales bodegones de Sánchez Cotán; en la venganza entre los fogones de La Holandesa orquestada por Greenaway o la comida como material y soporte de las instalaciones de Miralda; en la representación de la pobreza de Los comedores de patatas de Van Gogh o en la belleza de lo cotidiano de las ciruelas de William Carlos Williams, deliciosas, tan dulces y tan frías.  El alimento no es el tema de la obra de Delia Boyano, sino una sutil metonimia con la que especula sobre los retos y estrategias de una sociedad burguesa y enriquecida a costa de la pérdida de la empatía, y la búsqueda absurda de objetivos banales.

            Para Wilem Flusser las imágenes se han convertido en pantallas que ocultan lo que representan. Las esculturas que crea Delia Boyano, como las piezas de Doris Salcedo, responden a ese doble movimiento o giro del que habla Mieke Bal: superficie y volumen responden a diversas estrategias, que podrían llegar a ser entendidas como opuestas. Vaivén del espectador que se acerca y se aleja al contemplarlas, en un tiempo convertido en pliegue, que ha provocado un movimiento de suspensión del tiempo narrativo, consecuencia del flujo entre distancia y cercanía, entre el mundo de los objetos y el las imágenes, entre lo terrenal y lo divino.

            El bote lleno de estrellas de purpurina reposa bajo la pequeña luz que lo hace brillar y multiplicarse, mientas Santa Eulalia observa, desde La Columna. La obra, inspirada en la talla de 1760 de Luis Salvador Carmona, aquí ha sido modelada en una masa realizada con obleas, ese pan ácimo que sabe a iglesia. Nuevo barroco nuevo.

 

Delia Boyano López de Villalta (Málaga, 1994) es Graduada en Bellas Artes (2016) por la Universidad de Málaga. Actualmente cursa el Máster Performance Design and Practice en Central Saint Martins, UAL (University of the Arts of London). Ha sido seleccionada para participar en diferentes exposiciones como La Chistera (MAD, Antequera, 2016), 10 fugas (Salas Rectorado UMA, Málaga 2017), MA Work in Progress exhibition (Central Saint Martins, Londres, 2016), o The Cucumber Club. Acaba de finalizar una residencia europea con Proyecto Elos (Erasmus Founding, Atenas, 2017).

 

INCENDIAR EL VELO. FETICHES DE OBJETO/ IMAGEN – Galería JM

incendiar el velo

Incendiar el velo; fetiches de objeto/imagen

 

Ana Teresa Ortega – Chema Cobo – Mario Espliego

Paula Rubio Infante –  Simeón Saiz Ruiz – Tete Álvarez

Del 16 de junio al 30 de septiembre de 2017

(Agosto previa cita)

 

“INCENDIAR EL VELO;

Fetiches de objeto/imagen”

 

Decía Rilke en relación a la imagen poética que si arde es que es verdadera, Benjamin, a su vez, afirmaba que la verdad no aparece en el desvelo, sino más bien en un proceso que podríamos designar analógicamente como el incendio del velo, un incendio de la obra, donde la forma alcanza su mayor grado de luz. Lo siniestro funciona en la imagen como aquello que no se ve, un mecanismo complejo que queda oculto a simple vista. En este sentido, las obras permanecen veladas, requiriendo de un resorte que produzcan su desvelo. Lo estético puede traducirse en este contexto como la tensión inherente entre la imagen presente y la ausencia de aquello que oculta. Es una búsqueda de la verdad a toda costa.

 

El último capítulo de Materializar el pasado: el artista como historiador de Hernández-Navarro habla de una vuelta a lo tangible en una época envuelta en la desmaterialización de la experiencia sensible que han descrito autores como Bauman, Virilio o Baudrillard enfatizando conceptos como la velocidad, el simulacro o la modernidad líquida. Esta vuelta viene dada de la mano de una recuperación del fetiche como objeto-imagen capaz de devolver la carnalidad al cuerpo contemporáneo. Desde el arte se ha enfatizado esta recuperación material del cuerpo, su carnalidad, desde una objetualidad cargada de memoria, que condensa toda una historia dentro. Una recuperación de lo experiencial que desemboca en un retorno de lo material, un retorno del pasado. El fetiche es descrito como ese objeto mágico con gran carga simbólica capaz de hacer retornar esta materialidad que estaba obsoleta o puesta en tela de juicio. Es ese tipo de objeto que se esconde tras lo siniestro, que encierra algo que es susceptible de escapar al accionar su mecanismo de desvelo situándonos al borde del abismo.

 

En su ensayo Imágenes pese a todo, Didi-Huberman abogaba por hacer uso de cualquier material de la historia que sirviera para conocer aquellos hechos oscuros y terroríficos del pasado. La defensa de las imágenes del holocausto le supuso muchas críticas, la mayoría de ellas basadas en su exhibicionismo innecesario pues el relato de estos acontecimientos ya es sobradamente conocido gracias a la memoria de aquellos que los vivieron. El autor, no obstante, defiende este uso de la imagen como única prueba fidedigna de la solución final. Godard, afirmó en torno a la misma cuestión, que el cine fracasó en el mismo momento en que no fue capaz de grabar este trágico acontecimiento. Su concepción de lo cinematográfico no se orienta en la ficción, sino en el montaje que es capaz de arrancar un atisbo de verdad a la historia. Al no poder mostrar esta verdad, su fracaso resultó evidente. Las imágenes del horror son demasiado cercanas, demasiado dolorosas como para no volver la mirada. El velo sirve como escudo, como modo de acercarse a este tipo de imágenes mediante un mecanismo que oculta todo este horror, pero que incita a conocer que hay más allá de él.

 

Este cuestionamiento del pasado, que vuelve a emerger en muchos artistas contemporáneos, es debido a una herida abierta que existe en nuestra sociedad. Hacer uso del espacio expositivo para reabrir el debate en torno a la construcción de la historia se antoja como elemento fundamental sobre el que, desde el arte, contribuir al descubrimiento de la verdad del acontecimiento. La historia se construye de un modo abierto y múltiple con posibilidades de ser completada y redefinida; donde las imágenes se presentan a modo de constelación, yuxtapuestas las unas a las otras, y donde el tiempo queda condensado en ellas posicionándose contra la historia oficial. Volviendo de nuevo a Benjamin: la historia contada, la transmitida, la visible, es la historia de los vencedores. Se trata de una historia que sólo ha podido ser realizada a través del ensombrecimiento de los vencidos. Una historia heredada, construida sobre las tumbas de los olvidados, que contiene una parte maldita: “no hay documento de cultura que no sea, a su vez, documento de barbarie”.

 

Los trabajos de Tete Álvarez Proemios y Official portrait parten del asepticismo de la imagen documental con sendas series de fotografías que presentan espacios de poder. Si en Proemios esa asepsia se traduce en la desaparición del personaje, Official portrait introduce a la escenografía una serie de retratos velados por una silueta negra, que tratan de ahondar en lo que hay más allá del discurso oficial. Los retratos de Chema Cobo Humbugs están dotados intrínsecamente de ese halo siniestro de no conocer al retratado, algo que desconcierta y perturba en la imagen. Sentimientos que derivan en una sensación de espanto al descubrir la imagen de un asesino en serie, o de un vampiro encarnado por el actor Bela Lugosi. Simeón Saiz conecta directamente con la imagen del horror al registrar mediante video multicanal un viaje a Kielce; lo que parece un paisaje idílico e inofensivo oculta tras de sí una verdad velada que conecta con la barbarie de la guerra. Tratando de horadar en la historia, el trabajo de Ana Teresa Ortega parte de la fotografía paisajística, en una serie llamada Cartografías silenciadas. Lo que oculta la imagen son lugares olvidados que en el pasado tuvieron una oscura relación con el franquismo y su correspondiente represión; campos de concentración y trabajo repartidos por toda la geografía española. La instalación de Paula Rubio Infante Destino manifiesto vuelve a derivar hacia una mirada a las arquitecturas del poder, que reflexiona sobre la conducta sádica del ser humano para conseguir los objetivos de expansión geográfica, política y racial. El título enlaza con la idea de “lebensraum” de espacio vital que Hitler utilizó para anexionar territorios durante el Tercer Reich. Mario Espliego, por último, plantea en su trabajo Artefactos del encantamiento una investigación que interroga como lo ornamental con lo cual convivimos día a día, mantiene oculto una perturbación. De este modo, lleva a cabo una genealogía en torno a las “fasces”, forma utilizada por el régimen fascista italiano, que ha sido usada posteriormente en el diseño contemporáneo lanzando una clara pregunta al aire, ¿es la forma algo ingenuo, algo superfluo carente de ideología, o más bien, un elemento que camufla toda esa ideología y la sitúa, de manera velada, en nuestras sociedades democráticas?

Invitación UKaMa

 

Ukama - Estar presentes - ser visibles

 

Exposición “Estar presentes, ser visibles”

UKaMa tiene el honor, la alegría y el orgullo de presentar 66 retratos íntimos, 66 mujeres relatando sus historias. Vivencias y realidades de 66 artistas mujeres en España. Un retrato actual de artistas contemporáneas que viven y existen en el hoy, que se cuestionan su cotidianeidad, su tiempo, su ser, su existir. Preguntas y respuestas. Mujeres que cuestionan, luchan y se comprometen día a día. Mujeres que se expresan a través de los medios y técnicas, lo que sienten, viven. Y sus esperanzas. Aportan soluciones, ilusiones y denuncias. Mujeres comprometidas con su profesión, sus familias y sus proyectos de vida. Mujeres vivas, mujeres.

Estrategas del hoy y del mañana con la voluntad simple de construir. Mujeres que tienen claro lo que significa VIVIR y en muchísimos casos sobrevivir.

Mujeres que hacen posible la autosuficiencia, la auto-subsistencia. Mujeres proletarias y emprendedoras. Todas con una idea transversal, la cultura como identidad, para el pasado y para el futuro. Todas una!. Todas.

 

Marc Montijano retoma su vía más poética con Celebratio vacuum

 

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Marc Montijano retoma su vía más poética con la performance Celebratio vacuum (La celebración del vacío), en la Galería JM de Málaga, planteando una reflexión sobre los mecanismos que rigen el mundo del arte y los artistas.

 

Tres modelos yacen tumbados en el suelo de la galería, rodeados de cuerdas y con la cabeza cubierta por un saco, acurrucados unos junto a otros. Al lado de este grupo una modelo de pie, con la misma estética, permanece inmóvil observando un cuadro del artista Matías Sánchez (Tübingen, Alemania, 1972). Sobre la espalda de este último personaje, Marc Montijano ha escrito seis palabras: “Arte, cicatrices, alma. Arte, veneno, burdel”. Finalmente el propio artista toma una silla, previamente ha distribuido unas cuerdas que le unen al grupo a modo de cordón umbilical, y se sienta frente a su obra y observa en silencio el resto de la performance, de la que también pasa a formar parte.

 

Como ocurre casi siempre, el público en primer lugar enmudece, imbuido en el ambiente creado con la performance. Una belleza perturbadora con la que este artista nos insinúa otra realidad. Poco a poco comienzan a pasear, miran desde la distancia, susurran en voz baja y se convierten irremediablemente en parte de la acción, completando el significado y dándole sentido a esta Celebratio vacuum. Como ha indicado Montijano: “La acción se llama ‘la celebración del vacío’ porque hago una reflexión sobre el universo de vanidades, totalmente absurdo, en el que nos movemos demasiadas veces en el mundo del arte. Una reflexión de la que no me excluyo, soy tan culpable de sus miserias como cualquiera”.

 

En sus últimos trabajos, el artista ha expresado su visión sobre el mundo del arte en diversas ocasiones. Este proyecto está vinculado con la acción Please, don’t feed the artist (Por favor, no den de comer al artista), que llevó a cabo en el Museo de Jaén en 2016, pieza en la que a través de una mirada irónica hacia una crítica al sistema del arte español, totalmente precario. Pero nada es tan simple, en el mundo simbólico de Montijano, todo tiene una segunda e incluso una tercera lectura. Como dice el artista: “hay que escarbar un poco si quieres entender verdaderamente algo. Obviamente hablo del arte y de los artistas, pero también de la sociedad en general y del materialismo que la domina. Bajo mi punto de vista ‘La celebración del vacío’, podría ser el lema de nuestra sociedad”.

 

Un elemento que cada vez va tomando más protagonismo en el trabajo de Marc Montijano es la palabra escrita. En numerosos proyectos aparecen frases o textos completos. En esta ocasión es el modelo el que sirve de lienzo, en el que ha plasmado seis palabras que nos dan la clave del significado de esta acción. Para el artista es un proceso natural y lógico: “Lo destacable de mi trabajo son las ideas, que siempre elaboro por escrito, por ello la palabra para mí tiene tanta importancia. Esta performance surge de una poesía, normalmente el origen de toda mi obra son lecturas y textos que escribo”.

 

La performance, de una hora aproximada de duración, ha tenido lugar el 27 de mayo de 2017, en la galería JM de Málaga.

 

8º ANIVERSARIO DEL MUSEO

Queremos presentaros un nuevo e interesante vitral que acaba de llegar al museo, para celebrar nuestro 8º Aniversario.

 

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Aquellos que piensan que las vidrieras son siempre simples ventanas decorativas, es que saben muy poco de éstas e ignoran que grandes artistas como Chagall las han utilizado como soporte para crear algunas de las más hermosas y comprometidas obras de arte. Para entender la profundidad de esta expresión plástica, nos tenemos que remontar a sus orígenes en la Edad Media, cuando el arte del vitral fue sustituyendo poco a poco la importancia ornamental y didáctica del mural románico, al utilizar los grandes huecos de luz que permite la arquitectura gótica para poder contar historias muy fácilmente comprensibles a una población que era mayoritariamente analfabeta.

 

Gobernante Pecador Devorado Por Demonio”​, t​ítulo del vitral que acaba de llegar al Museo para celebrar nuestro aniversario, sigue esa misma tradición narrativa medieval​,​ cuando nos plantea un mensaje visual de gran impacto con intención de hacernos reflexionar.

 

La obra es de estilo expresionista alemán y fue realizada en 1949 por la casa Franz Melchior de Colonia, uno de los talleres más antiguos y prestigiosos del estado de Renania del Norte-Westfalia. Para comenzar a estudiar esta vidriera la debemos colocar dentro de su propio contexto histórico: Alemania acaba de perder la guerra. Su antigua arrogancia racista ha sido humillada, derrotada y fuertemente castigada por los bombardeos que han arrasado sus ciudades. Y ahora, en ese paisaje desolador, ocupados todavía por las fuerzas ​a​liadas, los alemanes tienen que sobrevivir entre escombros y ruinas, mientras van descubriendo y asimilando toda la terrible realidad de su pasado reciente, cuando algunos de ellos fueron engañados, otros no quisieron ver y muchos aceptaron con absoluta complacencia​,​ o formaron parte activa del monstruoso régimen nazi.

 

El ser humano tiende a disculpar sus errores achacando a alguien toda la responsabilidad del crimen. En la imagen de la vidriera el demonio arranca el alma del verdadero culpable, el gobernante pecador, olvidando que ha sido la propia aptitud de la sociedad, por activa o por pasiva, quien ​​ha permitido al corrupto tomar las riendas del poder. A los pies del vitral dos figuras aparentemente inocentes están en posición de oración. Uno de ellos tiene el rostro deformado por un grito de terror, mientras la mujer nos dedica una misteriosa sonrisa casi de liberación.

 

Por razones que no son difíciles de imaginar, la temática no fue del gusto de las autoridades religiosas y políticas de la época, que iban encarga​n​do a la casa Franz Melchior de Colonia muchas de las vidrieras ​de​ las iglesias construidas o restauradas en los años de la postguerra, por eso nuestro vitral acabó en el mercado del arte, de donde ha sido rescatado por nuestro director para traerlo a Málaga.

 

En breve estará colocado y esperamos que os guste y, sobre todo, que os haga ​reflexionar un poco…