Arte vivo en JMGalería

 

JMGalería presenta JMenvivo, un programa de performances y live art en paralelo a la programación expositiva que estará dirigido por Marc Montijano y coordinado por Susana Hermoso-Espinosa.

 

Durante esta temporada expositiva, se realizarán dos performances vinculadas al actual proyecto expositivo Los sueños de Dante, que dialogarán con el espacio y las obras expuestas en la galería.  A partir de septiembre, a lo largo de la próxima temporada, este proyecto continuará con varios artistas invitados. Consolidándose como parte de la programación habitual de la galería y con la intención de convertirse en un referente y puntal dentro de la performance actual.

No sólo se trata de performances en un sentido clásico del término, se programarán diferentes manifestaciones de arte vivo o live art, desde las más experimentales a las más clásicas. En el arte en vivo los géneros se confunden y se hibridan. El live art es un concepto más moderno, conectado con los objetivos y la forma de llevar a cabo el trabajo en la actualidad. Es un arte experimental que esta mutando continuamente. Un arte en tensión, en movimiento, que no se queda quieto en ningún sitio, sin géneros tipificados. El live art puede ser danza, teatro, música, perfomance, activismo, poesía, diversas prácticas multimedia, etc, pero sin categorías cerradas, un universo trasfronterizo, que se abre a mil influencias y corrientes actuales.

Como ha indicado Marc Montijano: “Como artista de acción e investigador de la performance, es un proyecto que me hace especial ilusión. Llevaba mucho tiempo con ganas de poder comisariar y dirigir una programación centrada en el arte de acción. Creo que podemos dar visibilidad al trabajo de creadores muy interesantes. La idea es trabajar con artistas de la performance o arte de acción fundamentalmente, pero también daremos cabida a todo tipo de obras de arte en vivo, desde las manifestaciones más ortodoxas a las más crudas y experimentales. Quiero que sea el proyecto que me hubiera gustado que existiera cuando comencé en el mundo del arte. Que sirva de estímulo y trampolín para artistas con propuestas valientes”.

JMenvivo es un proyecto de arte en vivo en paralelo a la programación expositiva de JM galería.  La primera performance que lleva por título Santa Águeda en el burdel, será el próximo 25 de mayo y correrá a cargo de la artista Delia Boyano.

Delia Boyano López de Villalta (Málaga, 1994) es Graduada en Bellas Artes (2016) por la Universidad de Málaga, y en 2018 terminó el Máster en Performance Design and Practice enCentral Saint Martins College of Arts and Design, UAL (University of the Arts of London). Actualmente cursa el grado en Historia del arte por la UNED. Destacan sus dos exposiciones individuales, La corona de la Reina (Sala de exposiciones de la facultad de Bellas Artes de Málaga, Málaga, 2017) y The Cucumber Sandwich Club (ColumnaJM, Málaga, 2017), ambas coordinadas simultáneamente por la Institución Académica y la JMgalería como parte de un mismo proyecto comisariado por La profesora de la UMA, Blanca Montalvo. También ha podido disfrutar de residencias europeas, como la residencia creativa de Central Saint Martins College of Art and Design en Inteatro Villa Nappi (Polverigi, Italia) en 2017 y 2018, y la residencia para artes escénicas en el Rabbithole Theatre (Atenas, 2017).

 

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Exposición en UKaMa, Torremolinos: ESTÉTICAS TRANSVERSALES, Páginas y libros de artista

 

 

Exposición en UKaMa, Las Velas 31, Cañada de los cardos. Torremolinos, Málaga

ESTETICAS TRANSVERSALES,  Páginas y libros de artista, 3-17 de mayo 2019, comisariato por Martin Kletzel, Argentina

Inauguración viernes día 3 de Mayo a las 20.00 h

La exposición se puede visitar llamando a  652691644 para cita previa.

 

Luise Haugen en Galería Krabbe

 

20.04.2019 – Sábado / Saturday / Lørdag 12-14 h.

Disfruta del ARTE y de una copa de vino
Enjoy the ART and a glass of wine
Nyd KUNSTEN og et glas vin

(20.04-22.06.2019)

 

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Próxima inauguración de Lía Ateca en la Galería Isabel Hurley

 

Lía Ateca
HMBR (HeMBRa, HaMBRe, HoMBRe)

Jueves 11 abril 2019, 20:00h / 11 de abril – 22 mayo de 2019

 

Este proyecto está construido en base a tres palabras clave: entorno, identidad y feminismo. En marzo de 2017, con motivo del mes de la mujer, la artista inició una serie de acciones, ilustrando camisetas, bolsos y otros tejidos. A partir de ese momento confirió a una serie de frutos la cualidad de simbolizar determinadas ideas.

Tratando de salir del símbolo figurativo y evidente, manteniendo el concepto, carga de conciencia el color naranja, que se corresponde con el universo femenino y feminista. Le interesa con esto salir de la recurrencia hacia banderas ya estandarizadas, entendiendo esto también como una visión artística del mismo movimiento reivindicativo.

Con una cámara de fotos Polaroid 600 fotografía los elementos naranjas que se encuentra a su paso, de manera fortuita, ya que por ser analógica e instantánea resulta mas eficaz como instrumento para hilvanar un relato con cada escena, a modo de bodegón improvisado y crítico.

Estas piezas de pintura o dibujo, construyen paisajes y escenas mediante las que interpreta el entorno y reflexiona sobre su identidad como artista, como mujer y como mujer artista.

En palabras de Marisol Salanova: ” La pintura expandida de Ateca trasciende los soportes más o menos tradicionales, siendo sus herramientas conceptuales, perfectamente empleadas para traducir sus preocupaciones y anhelos al plano matérico.”

Lía Ateca (La Laguna, 1991)

Se licencia en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. A lo largo de su carrera se va interesando por la fotografía, la pintura y el dibujo. Es en Florencia, durante su estancia como alumna Erasmus, donde siente que estas tres disciplinas empiezan a converger y a formar su propia personalidad artística. En ese periodo colabora con sus ilustraciones en revistas como Lungarno.

Su trayectoria artística va de la mano de lo social, coincidiendo con la especialización como profesora de artes plásticas y diseño. A través de la pintura y el dibujo manifiesta su implicación en causas sociales como los derechos de la infancia o el cambio climático y la igualdad de género.

A raíz de sus residencias artísticas en Quito y San Potito Sannítico, Nápoles, su obra se ha transformado en una serie de paisajes más introspectivos. Desde hace aproximadamente dos años viene realizando pinturas que le ayudan a comprender su relación con el entorno. Así, después de un estudio sobre el pensamiento de la sociedad, plasmado en un proyecto de ilustración, se involucra en la interpretación del paisaje a través de un trabajo pictórico cuya narración construye dos discursos diferentes sobre la percepción del lugar que habita. Por un lado estarían las piezas mediante las que formula preguntas y, por otro, aquellas cuyo eje discursivo son las palabras entorno, identidad y feminismo, en las que plasma  las conclusiones del análisis crítico de su relación con el entorno en tanto que mujer y artista, en ambas circunstancias con un compromiso ejercido a través de su obra.

Recientemente, ha expuesto de manera individual en el Centro La Regenta, Las Palmas de Gran Canaria, tras un periodo de residencia; en la Sala de Arte Contemporáneo de Santa Cruz de Tenerife; o en la Galería Manuel Ojeda, y, de manera colectiva, en el Centro Atlántico de Arte Moderno, ambos también en Las Palmas de Gran Canaria.

 

 

Presentación de carpeta en el Hospital Real de la Misericordia, Marbella

 

 

 

María Cañas en Galería Isabel Hurley

 

Principios incuestionables en Galería Isabel Hurley

 

 

Miquel Garcia
Principios Incuestionables

Viernes 15 febrero 2019, 20:00h / Friday, February 15th 2019, 20:00h
15 de febrero – 30 marzo de 2019 / February 15th – March 30th 2019

 

Como destaca el filósofo francés Jean Luc Nancy la idea de mundo comporta siempre  una postulación de unidad, exige la unidad, necesita hipostasiar: considerar algo como una realidad absoluta. En el pensamiento occidental el concepto de “lo uno” es el fundamento que determina todos los demás principios incuestionables, aquellos que Miquel García acerca hegelianamente en esta exposición, es decir, dialécticamente, por medio de la negación. Los niega o mejor dicho los vuelca, mostrando su “negativo”, como si de una película fotográfica se tratara. En esto consiste el juego de su “representación artística”, una representación que parece “prohibirse” a sí misma mientras permite lo “prohibido”, jugando irónicamente con lo “incuestionable”.

Los principios incuestionables, como la lógica y la racionalidad humanas, el nomos y las leyes, están en la base de la modernidad y de su política. Vienen a ser principios de una gobernanza que se desempeña a veces visiblemente y a veces de manera oculta, como nos enseñaba Foucault. Las obras expuestas en esta exposición reconducen a dos campos de gobernanza: la cultura, es decir los símbolos, y la memoria, o sea la representación del pasado. Dos campos de gobernanza y entonces de ejercicio del poder, pero también de resistencia y lucha en los que intervenir, si es verdad aquello que nos dictaba Hölderling cuando escribía “allí donde crece el peligro, crece también lo que salva”.

En esta exposición Miquel trabaja “principios incuestionables” a partir de  la alteridad y de la ausencia/presencia. Se posiciona en el umbral entre lo que hay o ha habido, y una posibilidad otra y distinta. Presenta y retira. Trata temas oscuros con un toque de ironía que confiere a sus obras el rasgo del humor negro y de acidez. No le asusta lo macabro, ni volver a los grandes temas de la historia, recuperar “los grandes relatos de la modernidad” como diría Lyotard, aunque sea para “desvirtuarlos”, por medio de un detournement, en objetos de uso cotidiano. Representar lo prohibido y lo  “irrepresentable” y llevar al arte aquello que raramente el arte puede tratar con lucidez: los temas de la macropolítica. Y esto porque, aunque no debemos olvidar que “el arte no es la política y la política no es el arte”, los artistas no olvidan.

Federica Matelli

Miquel García (Barcelona, 1975)

Miquel García, Barcelona 1975. Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha realizado residencias artísticas en: El Ranchito  (Matadero, Madrid), La Casa das Caldeiras (São Paulo), Dare Dare (Montreal),Chang Dong Art Studio en Seúl (becado por la Unesco- Auschberg). En Axeneo7 (Quebec) becado por el Conca, en MCO arte, Oporto (becado por la Fundación Joan Miró de Mallorca) y en Hangar, Barcelona. En el 2006 recibió la beca de intercambio otorgada por Can Xalant (Mataró) para realizar un proyecto y exposición en Medellín, Colombia. Ha expuesto de forma colectiva en la Galeria Vermelho de São Paulo, La Sala de Arte Joven de la Generalitat, el Casino de Luxemburgo, Stampa, y en las Biennales de Mardin (Turquia) Turku (Finlandia), Vic, Zamora y ALBIAC (Almeria). Individualmente ha presentado su trabajo en el Centro Cultural de Noain, en Angels Barcelona, en The Cooper Union (New York) y el Museo de Arte Moderno de Tarragona. En su experiencia de docente ha impartido talleres con jóvenes en Medellín, Manizales, (Colombia), Bolivia, São Paulo, Palestina, Barcelona, Bilbao y Buenos Aires.

 

Mix Exhibition. Big Time!

 

 

Collective Exhibition at Galería Krabbe
FRIGILIANA

Friday, February 1st. 18-20h.

Lots of Art
Wine
Cheese
& Happy people

(1.2. – 13.4. 2019)

 

Isidro López – Aparicio en la Galería Isabel Hurley

 

Isidro López – Aparicio
Between Balance and Reflection

14 de diciembre 2018 – 2 de febrero de 2019 / December 14th 2018 – February 2nd 2019

Between Balance and Reflection es la primera individual de López-Aparicio en Málaga después de su participación en el Pompidou, en la colectiva Hors Pistes. Se enmarca dentro de sus reflexiones en torno a la naturaleza del ser humano en equilibrio consigo mismo y en su relación con la comunidad y el medio ambiente. 

La acción Invertidos, aprendiendo a relacionarse,  internacionalmente aclamada, aporta poderosas imágenes cargadas de simbolismo. Más de doscientas personas colgadas cabeza abajo en racimos han experimentado su intensidad. Acompañan a estas imágenes esculturas e instalaciones que amplían y tejen un discurso sólido, cuestionando las lógicas establecidas.

Desde sus comienzos la obra de López-Aparicio posee un marcado carácter político y social. Intenta condensar en sus proyectos la inestabilidad de la naturaleza y de la propia humanidad, en constante proceso de cambio, obligándonos a parar un instante para reflexionar sobre la futilidad de lo que nos rodea y condiciona. Con gran proyección internacional, este artista y activista  ha sabido escapar de catalogaciones para, desde el arte como elemento de reflexión y compromiso social, desarrollar una sólida presencia y reconocimiento profesional, participando con asiduidad en ferias internacionales y realizando numerosas intervenciones individuales y colectivas en los cinco continentes: desde la Tate Modern al Darat al Funun (Aman, Jordania), pasando por la GAM, Galleria d’Arte Moderna di Palermo, el Centro Pompidou (Málaga y París) o el ARTIUM de Vitoria. Doctor en Bellas Artes, Profesor titular en la Universidad de Granada, Honorary President of the Fine Art European Forum, editor en el Journal for Artistic Research, Presidente de la Unión de Artistas, miembro del Instituto de Investigación de la Paz y los Conflictos y de Artist Pension Trust, ha impartido conferencias y seminarios y comisariado festivales y exposiciones internacionales por todo el mundo.

Between Balance and Reflection
Javier Sánchez Martínez

Una de las explicaciones más antiguas acerca de la esencia y función del arte tiene en su centro la idea de imitación. Para esta teoría estética el arte no es sino una forma de imitar ciertos aspectos del universo. El arte sería entonces una copia o un reflejo de las cosas. Con independencia de qué cosa sea aquello que se imita o de cómo se lleve a cabo esta imitación, en el centro de esta teoría se encuentra una metáfora: el arte es (como) un espejo. A diferencia de lo que cabría pensar, las metáforas no son únicamente elementos ornamentales, ni tampoco tienen una función puramente persuasiva, sino que forman parte consustancial del discurso. En este sentido, ni el lenguaje natural ni el científico pueden prescindir de la metáfora. Más bien al contrario, todo discurso se haya atravesado por multitud de metáforas. Sin embargo, no todas las metáforas ocupan la misma posición dentro del discurso. Dentro de las metáforas cabe distinguir entre las que tienen un papel ilustrativo y aquellas que juegan un rol constitutivo. Mientras las primeras permiten apreciar aspectos inesperados de lo metaforizado mediante la comparación, las segundas actúan como modelos en miniatura que determinan tanto la lógica como la estructura del discurso. En el caso de la teoría estética de la imitación, nos encontramos con un tipo de metáfora constitutiva, pues la metáfora del reflejo es la que organiza todo el campo de sentido. La versión actualizada de la teoría de la imitación como reflejo del mundo se encuentra en la idea del arte como especulación crítica o reflexión. En este último caso, el arte ya no sería un espejo del mundo, sino tan solo de lo social. En ambos casos, ya sea que el espejo esté situado frente a las cosas o frente a la sociedad, la metáfora del reflejo y los campos semánticos que activa ocupan un lugar central. En la última obra de Isidro López-Aparicio, este doble aspecto de la metáfora del arte como espejo aparece entretejido de diversas maneras. Por un lado, López-Aparicio se vale de la estrategia del objeto encontrado. Entre el mundo y el arte hay una continuidad esencial cuya única diferencia radica en cómo se organizan los objetos a un lado y otro del espejo. Sin embargo, para López-Aparicio el objeto encontrado solo tiene valor en tanto que expresa algún tipo de relación social. De ahí la importancia del uso y del contexto. Los objetos encontrados son siempre portadores de una memoria material que se manifiesta tanto en las huellas que ha dejado su uso como en los vínculos con su entorno. Al agrupar los objetos encontrados por medio de diferentes tipos de afinidades, López-Aparicio pone de relieve el trasfondo social y político del cual forman parte. Al mismo tiempo, en la selección de los objetos se pone además de manifiesto la propia biografía del artista, pues se trata siempre de contextos de los que este participa o en los que interviene. De este modo, la obra de López-Aparicio toma como punto de partida los objetos encontrados en diversos entornos para organizar un tipo de archivos que funcionan como espejos que reflejan la realidad social y política, al tiempo que invitan al espectador a reflexionar sobre esa imagen. El espejo o la relación especular es, por lo tanto, una metáfora constitutiva del trabajo de López-Aparicio. En ocasiones el artista se vale no solo de la metáfora del espejo sino también de espejos reales para elaborar un tipo de puesta en escena que, al multiplicar los objetos de forma simétrica, le permite introducir composiciones geométricas simples. Este tipo de estructuras pueden tener como referentes diagramas o elementos arquitectónicos. Por otra parte, el espejo le permite introducir tanto el espacio expositivo como al espectador en la obra. De este modo, los campos semánticos del reflejo y la reflexión se entrelazan y se bifurcan. Por otro lado, la metáfora del espejo también aparece en la serie de los Invertidos, una propuesta en la que el artista invita a grupos de personas a colgarse cabeza abajo. A partir de esta acción, que invita literalmente a los participantes a invertir tanto su punto de vista como su modo de interactuar con los demás, el artista elabora series de fotografías que se centradas en las transformaciones que sufren los cuerpos y en los gestos inesperados que aparecen al cambiar de posición. Al margen de la inversión especular, la serie de los Invertidos introduce la otra metáfora constitutiva de la obra de López-Aparicio: el equilibrio. En este caso también se trata de una metáfora que abre diferentes campos de sentido, desde lo arquitectónico a lo social. Equilibrar es siempre estabilizar, establecer contrapesos y buscar la proporción. En muchas de las obras de López-Aparicio el equilibrio es tan preciso como frágil. Al mismo tiempo, la cuestión del equilibrio también está relacionada con la formación de López-Aparicio como dibujante y con una cierta concepción del dibujo como un modo de producir diferentes tipos de interacciones entre las formas y los vacíos. A partir de una idea del dibujo como campo expandido, la obra de López-Aparicio se sale de la página en blanco para invadir el espacio y producir relaciones entre objetos, personas y contextos que se sitúan a medio camino entre la reflexión y el equilibrio.

Dorthe Steenbuch Krabbe + The French-Clot-nection: Lars Nørgård.

 

Dorthe Steenbuch Krabbe + guest:

The French-Clot-nection: Lars Nørgård

Galería Krabbe 7.12.2018 – 26.01.2019

 

Inauguración: viernes, 7 de diciembre, de 18-20 h. Venid a disfrutar del arte y una copa de vino. Galería Krabbe organiza una cena para después del evento. 20€/cubierto. Plazas limitadas. Registro por correo electrónico a: galeriakrabbe@gmail.com

En ésta ocasión la exposición de Navidad de Galería Krabbe estará compuesta por las obras escultóricas inéditas de Dorthe Steenbuch Krabbe, y litografías realizadas por el artista plástico danés, Lars Nørgård. Lo que destaca especialmente en esta muestra, es que Lars Nørgård muestra la litografía en color más grande del mundo (200x280cm), realizada en colaboración con Christian Bramsen, en el parisino taller litográfico, Atelier Clot, Bramsen & Brunholt. Además, una edición de las 12 piedras individuales en versión recortada, se venderán por separado.