Juan del Junco. Turdus merula. O un recorrido por la primera casa donde vivi.

 

Juan del Junco

Turdus merula
O un recorrido por la primera casa donde viví 

Conceptual Andalusia. Vol. VII

 

Viernes 24 enero 2020, 20:00h

 

I

Podría partir de la base que “Turdus merula o un recorrido por la primera casa donde viví” es un proyecto fallido, pero comenzar un texto con esta frase tan doliente me produce un enorme rechazo: no es el momento de aflicciones, este proyecto -como deben ser todos- es un motivo de celebración.

Pero sí, aceptémoslo, ciertamente en este sistema metodológico en el que se ha convertido mi práctica artística, el cálculo inicial de lo que debía ser y realmente no ha sido constituye un fallo manifiesto: no apareció la forma deseada; todo ha resultado a medias (o, probablemente, no).

II

Desde hace un tiempo mantengo la costumbre de titular los proyectos antes de comenzar a realizarlos. Con esa acción primera, el título se desliza poderosamente a la doble condición de título y de emblema; entonces, como el que va a una batalla y canta la letra de una alentadora canción, el eco musical del título resuena en mi mente durante todo el tiempo que dura la realización del proyecto. Esa frase, que surge un día cualquiera y que recuerda a todos los libros que uno ha leído, a todos los discos que ha escuchado, a todas las películas vistas o a todas las pinturas observadas, encabeza la marcha continua hacia ese territorio desconocido que hemos decidido denominar proyecto; pero que -a poco que nos movamos dentro del mismo- bien se podría denominar “casa”.

Este proyecto –o esta casa-, en un principio, no se titulaba tal y como se puede leer en el comienzo de esta hoja de sala; siempre se tituló: “Turdus merula o todas las casas donde he vivido más de tres meses”. Únicamente en el cambio de nombre radica la sensación de fracaso que me alberga; por lo demás, todo es una enorme celebración. Aún así, la parte sistemática de mí mismo se empecina en resaltarlo: “es fallido”.

III 

El listado de “todas las casas donde he vivido más de tres meses” es:

1. Chalet La Pardilla. Calle Tilo, 7. Jerez de la Frontera (Cádiz).
2. Urbanización Parque de Capuchinos. Plaza de el Caballo, 3. Jerez de la Frontera (Cádiz).
3. Plaza Peones, 9, 1º F. Jerez de la Frontera (Cádiz).
4. Calle Virgen de Luján, 11, 3º A. Sevilla.
5. Avenida de la Borbolla, 65, 3º A. Sevilla.
6. Erasmus Park, Easton Lane, Winnall. Winchester.
7. Una calle la cual no recuerdo el nombre en Utrecht.
8. Calle Macasta, 2. Sevilla.
9. Calle Divina pastora, 10, 2º Derecha. Sevilla.
10. Calle Divina pastora, 10, 2º Izquierda. Sevilla.
11. Calle Mariblanca, 21, 2º Derecha. Málaga.
12. Calle Santa María del Pino, 20, Local. Guadalcacín, Jerez de la Frontera (Cádiz).
13. Paseo de las Delicias, 15, 4º B. Madrid.
14. Avenida Cayetano del Toro, 15, 2º B. Cádiz.
15. Calle Atarazanas 15, 4º B, Málaga.
16. Calle Presidente Rivadavia, 2, 2ª planta. Cádiz.
17. Calle Herrera 11, 2ª planta. Málaga.
18. Calle Lagunillas 18, 2ª planta. Málaga.

 

IV  

Ahora bien, debemos considerar que si el título del proyecto, esa frase ondeante enarbolada en lo alto del asta que blandí mientras realizaba el proyecto, cambió cuantitativamente desde “Todas las casas…” hacia “la primera casa donde viví”, un condicionante transcendental debió ejercer una presión enorme para darme por vencido, para abandonar cual rendición el tarareo del himno de la nación del proyecto.

Esta hoja de sala es una hoja de sala mea culpa: un intento de dilucidar dicha fuerza mayor.

V

En un principio este proyecto tenía forma de libro: el libro que describe las 18 casas donde he vivido durante más de tres meses a lo largo de mis casi 48 años. En mi tendencia ilusa a otorgarme la condición de la objetividad ideé escribir una relación detallada, objetiva y precisa de todas y cada una de esas casas. La norma primera exigía un relato descriptivo sin el menor atisbo de subjetividad sobre lo vivido; un mero catálogo, un listado de espacios y objetos. La propuesta inicial debía resultar próxima a los paradigmas de trabajo de James Agee y Walker Evans en Elogiemos ahora a hombres famosos¹, repleta de descripciones frontales tanto en el texto como en las fotografías prístinas de Evans; por otro lado, debía situarse totalmente alejada del formato “memorias”, siempre dado a la unión entre las vivencias y las casas habitadas ².

También concebí –desde la atalaya profética del yo sistemático que prescribe las normas que rigen los proyectos- que la documentación de dichas casas a través de la imagen fotográfica se me antojaba en los márgenes de la imposibilidad, debido a que dicha tipología fotográfica -la relativa a la arquitectura- se aleja de la estrategia creativa que he ido realizando en los últimos años: la adopción de los modos propios de la comunicación visual de la ornitología (desde donde deseo mirar); pero, principalmente, desde la convicción de que los lugares a fotografiar cambian inexorablemente con el paso del tiempo; sin embargo, los recuerdos se pueden desvanecer entre las brumas matutinas del pasar de los años… neblinas que desaparecen en el mediodía de la recapitulación escrita consciente, esa que permite aflorar el detalle preciso.

Así, originariamente, la forma final preconcebida de esta exposición se estipulaba en la disposición de una mesa, una silla y un flexo en el centro de la sala. Sobre la mesa se presentaría un único ejemplar del libro a disposición de cualquier persona interesada y, en las paredes de la galería, de manera adjunta (casi residual), las fotografías realizadas a una población de mirlo común (Turdus Merula) residentes en una zona concreta de la ciudad donde vivo actualmente: Málaga. Por lo tanto, todo el protagonismo del proyecto recaería en el acto de transmisión escrita-leída a través de un único libro de descripciones objetivas.

Espoleado por el beneficioso acto de la recapitulación en cuanto que terapia, me senté delante del ordenador y con parsimonia creé un nuevo documento. Al igual que en los cánticos estimulantes que entonaba durante el trabajo de campo, titulé con enjundia -exactamente igual que en este texto- la primera página con tres primeras líneas, a justificación centrada y en negrita:

                                                       Turdus merula 

                            O todas las casas donde he vivido más de tres meses

                                                       Juan del Junco 

Tras esas tres líneas comencé a escribir todo lo que recordaba. Sin tener conciencia de seguir correlativamente la línea de tiempo –al igual que en esos comienzos tan repetidos y normalizados del “yo nací el…”- empecé a describir concienzudamente la primera de las casas donde he vivido más de tres meses. En esa casa viví hasta los 14 años. El texto original comenzaba así:

1.                     Calle Tilo, nº 7 Chalet La Pardilla, Jerez de la Frontera (Cádiz)

«Es más que probable que la primera casa donde recalé tras venir al mundo fuera el chalet “La Pardilla”. Desconozco en qué  clínica u hospital mi madre dio a luz el día de mi nacimiento,  pero es casi seguro que mis padres y mis hermanos mayores ya estaban instalados en esa enorme casa en el momento que llegué a la vida. Las ideas referentes a esos años son vagas y difuminadas,  en parte las debo a algunas fotos antiguas vistas en los álbumes y a algunos comentarios oídos hace  años en las conversaciones familiares: esas conversaciones, donde uno o varios miembros de la familia se reúnen en torno a la memoria, en la  pregunta continua, en el acto responsable de la tradición oral entre generaciones.

La casa era un gran chalet en una de las zonas acomodadas del pueblo: un nuevo barrio llamado Montealto, donde a partir de los años sesenta se había expandido la población en una sucesión de enormes chalets unifamiliares con parcelas ajardinadas.»

VI

La fuerza mayor por la que anteriormente nos preguntábamos se presentó impertérrita unos días después frenando en seco la escritura: la simple descripción de la cancela de entrada a la casa empleó más de dos páginas; no había entrado siquiera dentro de la vivienda y llevaba cinco páginas más; la sala de estar -aparentemente una pequeña habitación de la casa- ocupó casi otras siete. Aún quedaba por describir las habitaciones, la cocina, el salón, el cuarto de los bichos, todos los jardines repletos de árboles y plantas, sus flores, las perreras… cientos de libros, objetos, cuadros… Paulatinamente albergué, perplejo, un temor factible: jamás terminaría de relatar cómo eran las 18 casas donde he vivido más de tres meses. Peor aún, cabía la posibilidad de que fuese incapaz de finalizar la descripción de aquella casa primera.

Para terminar de rematar el deseo apareció otro freno. La primera intención, la de la objetividad y la descripción precisa, saltó por los aires en el momento en que fui consciente de que realizando ese recorrido por la primera casa donde viví había incluido una profusión interminable de sucesos, sentimientos, emociones y anhelos. Como en todo mi trabajo, la condición inicial (o, probablemente, no) de lo objetivo, lo sistemático, lo claro o lo serial, había resultado fallida. La vuelta de tuerca que giraba el proyecto 180 grados -una herramienta constante en mi trabajo- tenía esta vez un veto implícito.

VII

Varios días después de abandonar la escritura del libro hojeando una libreta utilizada dos años antes, aparecieron -a modo de señal- unos apuntes con una listado de proyectos por hacer:

“El libro imposible de todas las aves que vuelan sobre mí”

“El libro imposible de todas las piedras que me gustan”

“El libro imposible de todos los árboles que hacen grupos”

“El libro imposible de todas las olas que rompen en la orilla”

“El libro imposible de todas las rocas que emergen con las mareas”

Podría haber incluido en aquel listado “El libro imposible de todas las casa donde he vivido más de tres meses”.

VIII

El mirlo común (Turdus merula) (Linneo: 1758) es un ave perteneciente a la familia Turdidae y al género Turdus que habita ampliamente a lo largo de todo el Paleártico. De tamaño mediano (puede llegar a medir 30 centímetros), habita tanto en entornos naturales como en núcleos humanos. Su figura es fácilmente reconocible: un pájaro negro con el pico y el anillo ocular amarillo (aunque las hembras son de color pardo y sus picos son negros). En las ciudades y pueblos se suele avistar en los parques y jardines picoteando en el suelo en busca de alimentos, principalmente insectos y lombrices, aunque también se alimenta de frutos y bayas. El periodo de reproducción comienza en el mes de marzo y finaliza en julio. La hembra puede sacar hasta tres puestas.

A fin de recabar datos sobre la población de mirlos comunes de la zona este de la ciudad de Málaga, en este proyecto se estableció una metodología de trabajo a través de varios recorridos por Pedregalejo, Cerrado de Calderón y El Limonar durante el la época de cría de la especie. El método consistió en avistar individuos, realizar fotografías de los mismos, y anotar fecha, hora y lugar de avistamiento. Posteriormente se traspasaron dichas localizaciones a una cartografía del área en cuestión, estableciéndose varias triangulaciones entre dichos puntos. Para terminar, se calculó la distancia entre los lugares de observación.

En la península ibérica, la mayor parte de la población -a excepción de algunos movimientos de dispersión local y de la visita invernante de ejemplares migrantes procedentes de centroeuropa- son sedentarios.

IX

Hace aproximadamente 8 años abandoné la condición de sedentario y comencé un recorrido nómada que me ha llevado a vivir en siete casas diferentes. Ese recorrido nunca es deseado. Debido a circunstancias profesionales he ido de ciudad en ciudad, y he acabado por sentir un cansancio enorme y una amarga sensación de precariedad al no saber donde acabaré al año siguiente.

Las zonas elegidas para este falso censo lo fueron por ser el recorrido existente entre la casa donde vivía cuando comencé el proyecto –de nuevo he vuelto a cambiar de casa- con la galería Isabel Hurley, lugar donde se presenta este trabajo. Son, sin duda, algunas de las mejores zonas -acomodadas- de la ciudad de Málaga.

Al recorrer sus calles desde la condición del nómada, uno se da de bruces con la sensación de estar en territorio vedado. Únicamente desde la posición del ornitólogo amateur (amateur y amar tienen la misma raíz –el que ama-), del diletante (el que se deleita), he sido capaz de recorrer sus calles sin sentir ese veto, probablemente porque desde esa posición siento que estoy en mi primera “casa” (la de los proyectos).

La primera casa física donde viví está localizada en una zona muy similar a las que se han recorrido para este trabajo. Es por ello que la posibilidad de descripción objetiva de la misma en el ya Libro imposible de todas las casa donde he vivido más de tres meses estaba vetada per se. Tal vez, si hubiera comenzado el libro describiendo la casa donde vivo actualmente –que no será la última- podría haber aceptado la condición de ser objetivo, taxonómico, certero, sintético…

Al comenzar la escritura por lo más lejano a mi realidad presente acarreé el peso de lo que jamás volverá y de lo que ya no soy pero sí deseo ser (ver nota al pie*). Caminando por esas calles formadas por “una sucesión de enormes chalets unifamiliares con parcelas ajardinadas” en busca de los mirlos estaba haciendo un recorrido por la primera casa donde viví, por lo que hemos de concluir que el proyecto no es fallido: con hacer el recorrido bastaba, no era necesario escribirlo.

 

1 AGEE, J y EVANS, W, Elogiemos ahora a hombres famosos, Barcelona: Planeta, 2008.
2 Ver AUSTER, P, Diario de Invierno, Barcelona: Anagrama, 2012

* Nota: acatando la imposibilidad de ser objetivo y sistemático, se ha determinado incluir -a modo de sortilegio- varias fotografías de los mirlos comunes que habitan en el campus de El Ejido de la Universidad de Málaga, lugar donde desempeño actualmente mi empleo y donde deseo volver a ser sedentario.

Breve CV (Jerez de la Frontera, Cádiz, 1972)

Juan del Junco ha expuesto en instituciones públicas como Es Baluard; CAAC, Sevilla; MUSAC; CAC, Málaga; Matadero, Madrid; Casa Encendida, Madrid; Centro de Arte de Alcobendas; Museo Nacional de Ciencias Naturales, Madrid; Pratt Manhattan Gallery, Nueva York; Fundación BBVA, Madrid; O  CICUS, Sevilla,  entre otras. Su obra está en colecciones institucionales privadas como INELCOM, Madrid, Coll-leció Per Amor a l´Art, Valencia; o DKV; privadas  como Circa XXI, e institucionales públicas, como MUSAC, Artium; CAAC, Sevilla; Es Baluard; CAC, Málaga; Fundación Caja Madrid; Circa XXI (Pilar Citoler); Madrid; Colección INELCOM, Madrid; CICUS, Sevilla; o Fundación Unicaja, entre otras.

 

Walter Martin & Paloma Muñoz: A Mind of Winter. MDM Salzburg. Rupertinum. 29 de noviembre

 

 

 

 

 

 

 

Hoy inauguración de Katarzyna Pcholik. Al otro lado. Viernes 22 de noviembre.

Katarzyna Pacholik

Al otro lado
De la penumbra que nos permite ver 

Viernes 22 noviembre 2019, 20:00h

La impresión que Katarzyna experimentó en el pasado durante su paseo por la selva de Bialowieza es reconstruida por medio del dibujo, que no quiere ser una plasmación de un recuerdo, sino una regeneración de lo vivido; a la manera de acceso. …

En la obra, este acceso es vinculado con una mirada hacia lo primitivo. La autora reivindica un reencuentro en que el ser humano renuncie a seguir perpetuando la disociación establecida entre él y el medio natural ……

La obra de Pacholik trae a presencia el proceso a través del cual lo natural tiene lugar; ofrece un espacio de contemplación lejos de la celeridad actual.

En el encuentro que nos ofrece Katarzyna con la selva, se produce una invitación a estos caminos ocultos. Se genera una fisura en la mirada hacia la realidad. Se nos da un acceso hacia lo invisible, hacia lo oculto de nuestra sensibilidad. ….El espacio expositivo quiere hacernos conscientes tanto de estas limitaciones como de la posibilidad de ser confrontadas. Lo infinito de la naturaleza se deja encajar en lo limitado de lo arquitectónico para retarnos a presenciar las dos partes de la realidad —visible e invisible—. Sólo debemos estar atentos, o en palabras de María Zambrano “en un momento de plena presencia, de la visión adecuada” frente a ese complejo de sensaciones.

Nos encontramos en un lugar de contemplación, lejos de factores tecnológicos, en que el propio espectador gestiona a través de sus sentidos el encuentro primigenio con el orden….. ¿De qué forma podría la parte estudiar la totalidad en términos absolutos? En palabras de Poincaré, “querer encerrar la naturaleza en la ciencia sería como querer meter el todo en la parte” ….

¿Se puede decir que en la naturaleza existe el tiempo? La noción de tiempo implica medir bajo ciertos parámetros el desarrollo de cualquier existencia…..

La selva procesa sus ritmos de forma independiente a estos parámetros. Pacholik, mediante el dibujo —entiéndase, el sentido procesual del mismo— se opone a la celeridad del mundo contemporáneo. La experiencia física del dibujo, a diferencia de la fotográfica, percibe y registra la continuidad del presente. La acción del dibujo construye el ahora. Asimismo, genera una experiencia temporal a través de la acción física que construye el proceso, por lo que afecta al modo en que se está en la actualidad. La plenitud de la operación no interrumpe la realidad. Tampoco almacena un momento sin continuidad; por el contrario, acumula fracciones temporales fluidas que legitiman la experiencia como no fragmentada. En palabras de Pistoletto, uno de los referentes de Katarzyna: “Vivir es dar prueba de la propia existencia. Eso es lo que es el dibujo”15. Bialowieza aquí no sólo es resto de carbón sobre papel. Lejos de ser el registro de un presente muerto, se carga de indicios físicos que testifican la estancia de la autora en el presente mediante el dibujo. La selva huye del color originario, todos los matices orgánicos reflejados en las tonalidades físicas de la selva se acumulan en las escalas de grises empleadas. De ese modo, se conforma una huella somática, que prueba el tiempo invertido en la acción dibujística.

El tiempo del dibujo es comparable al tiempo de la selva…Se trata de un presente que no considera ni el pasado ni el futuro, sino que los unifica en un único proceso con fin explícito de desarrollo …

Katarzyna nos presenta la selva virgen como espacio autónomo. Además, sugiere que es curativo debido a que el tiempo que en ella se genera permite al sujeto dirigirse hacia un estado de contemplación y alcanzar la paz que le es negada en la cultura posmoderna….

La obra de Pacholik pone en evidencia la infinitud de interacciones que el ser humano puede desarrollar para con la selva…..

Ahora, sólo nos queda hundirnos en un estado de contemplación por medio de este acceso hacia lo infinito de la naturaleza. Hacia aquello que se ha dejado encajar por Katarzyna en lo limitado del espacio arquitectónico. Sólo debemos permanecer atentos y recibir el encuentro con los caminos ocultos de la selva. Dispuestos a conquistar con nuestra mirada esa fisura que, en medio de la realidad, nos permite acceder a lo invisible.

Extracto del texto de Paula Ramírez Vega.

Estampa 2019

 

 

 

MARIO ESPLIEGO
Stand 1A15

estampa / 17-20 de octubre
Pabellón 1 IFEMA – Feria de Madrid

 

 

 

 

Celia Macías – “Evasión o Victoria” en Galería JM

 

 

La fotografía, en general, ha perdido en los últimos 5 años cualquier magnitud asible. Son tantas las imágenes que se hacen, circulan, mueren y vuelven a nacer en apenas un segundo que parece haber perdido cualquier sentido pararse ante ellas. Diríamos, siendo nihilistas, que el artista ya no tiene nada que hacer, la persona fotógrafa ya no tiene sentido. Pero al igual que la pintura nunca murió la fotografía no va a dejar de ser refugio de artistas. Que todo el mundo produzca y consuma imágenes a cada instante no es un obstáculo, solo estaremos cada vez un poco más ciegos, pero nada más. Es precisamente ahora, cuando ya todo está tan lleno de imágenes que vivimos dentro de ellas, cuando trabajos como el de Celia Macías se convierten en necesarios.

“Evasión o victoria” es un trabajo de instantáneas con vocación de perdurar. La búsqueda de Macías puede parecer desordenada pero está llena de intuiciones y sobre todo de pequeñas historias por contar. Con esta exposición hemos querido poner en juego algunos elementos narrativos evidentes como son la composición en viñetas, la repetición de elementos o la fragmentación de momentos y lugares. Estos juegos de asociación no se han dejado al azar y no son nuevos porque ya estuvieron presentes en la mesa de instantáneas de la planta baja de la exposición en esta galería “Sin Maquillaje” (2014 comisariada por Fer Francés)

Las instantáneas supone ya un formato en sí mismo; además de la complejidad química, y en cierto modo mágica, que conllevan se relacionan con la naturaleza de una manera particular. En palabras del cineasta Wim Wenders, fascinado por la instantánea escribía en su diario con motivo de la exposición “Instant Stories: Wim Wenders‘ Polaroids“ (2017, The Photographer’s Gallery, Londres) que este formato se trata de un “original, un objeto singular propio, no una copia, no una impresión, no multiplicable, no repetible. No podías evitar sentir que habías robado ese objeto-imagen al mundo y transferido un pedazo del pasado al presente”

La instantánea, como la naturaleza, necesita de unas condiciones de luz y temperatura muy concretas para que puedan producirse. En los pliegues de estas condiciones es donde Celia Macías se mueve como pez en el agua. Ese “no saber muy bien qué es” que propone Wenders es el quid del trabajo de la sevillana: la necesidad del misterio.

El misterio entendido como lo entiende Luis Camnitzer en el primer capítulo del libro colectivo del Grupo de Educación de Matadero Madrid “Ni arte, ni educación” (2017): “Lo que superficialmente llamamos “misterio” no es el milagro congelado que nos entrega el dogma religioso. Tampoco es la representación de la oscuridad impenetrable de lo desconocido. El misterio es lo que nos marca el límite de lo que conocemos. Nos desafía para que desmitifiquemos a ese límite y que así podamos llegar al misterio siguiente.“ Para el artista y docente uruguayo este debe ser la función del arte.

Entender el misterio como necesidad también conecta la fotografía de Macías con su personalidad: astuta, observadora y vividora. Astuta porque no se ha dejado engañar, todos estos años, por las corrientes más fáciles y comerciales de la fotografía artística o comercial (su trabajo es más conocido en el ámbito de la música y en las fotografías promocionales de Rocío Márquez, Niño de Elche, Pony Bravo o Los Voluble siembre ha habido otra mirada, otra forma de desafiar la mirada); Observadora tranquila, que sabe que terminará encontrando las cosas sin la ansiedad a la que nos lleva este día a día, su trabajo, sin ser prolífico es constante y minucioso; Vividora, en la tercera acepción del diccionario “persona que disfruta de los placeres sencillos”, que es capaz de disfrutar ante la adversidad y las complicaciones del trabajo de fotógrafa andaluza. Todas estas cualidades se despliegan en las ferias, en los patios, en las procesiones y en las romerías donde Macías encuentra ciertos patrones que no estaban tan a la vista. Celia Macías nos descubre siempre cosas.

La ausencia de retrato, el asombro por su propia figura (su autorretrato), el archivo infinito, el uso de los espacios entre medias, la fotografía como camino, la revelación de las grietas, las conexiones hacia arriba y hacia abajo, hacia el cielo y hacia la tierra, hacia al azulejo y hacia la yerba son los leit motivs de las obras que construyen esta constelación narrativa que forma “Evasión o Victoria”. Es con tiempo y con cercanía como se ha construido esta colección que hoy se muestra, quizás es así, con cierto grado de contemplación profunda como deben ser consumidas. El juego no defrauda, las instantáneas de Celia Macías se crecen en el tiempo lento. Ahí es donde está la liturgia de sus imágenes.

 

Exposición de Joaquín Ivars

Joaquín Ivars
En este marco incomparable.

31 septiembre – 26 octubre 2019 /
September 13th – October 26th 2019

 

[…] Dentro de la exposición titulada EN ESTE MARCO INCOMPARABLE… propongo algunas piezas que a pesar de su diversidad formal y temática tienen que ver con el marco, o su idea, de forma explícita o implícita. Aunque se traten aspectos variados de nuestras vidas, y de manera desigual, el elemento de articulación de esas diferencias, paradójicamente, es la separación, algo que resulta tan chocante como común. (Una articulación ósea es la ausencia de hueso, y es gracias a ese vacío que los huesos resultan útiles; igual ocurre en un texto con el vacío entre palabras o letras, que es lo que permite una lectura eficiente). Las piezas, en este caso, están reunidas aquí por la atención prestada a aquello que en ellas se aparta o sirva para apartar -sea marco, sea del resto del mundo, sea distinción por planos materiales, virtuales, texturas, ambientes, conceptos, autoría, etc. Es una exposición como cualquier otra en la que se expone lo que el autor ha elaborado, seleccionado o dirigido y considera digno de diferenciar con cierto énfasis y de exponer a sus congéneres. Pero quizás lo que se considera estimable es aquello que tiene que ver con los elementos de separación o distinción; aspecto este que nos conduce a una explícita meta-artisticidad y a una violencia implícita, emboscada, en la selección “amable” que se corresponde con el hecho de exponer cosas que aparentemente solo tienen que ver con el “arte” o con su mundo.

[…] Como resumen final, podríamos decir que siempre que distinguimos lugares de manera “dura”, estamos expresando que los accesos son limitados, restringidos, y están regidos por una violencia territorial a menudo balizada con la “naturalidad” de lo simbólico. Si queremos acceder a algo fuera de nuestro alcance existen unos exigentes y arbitrarios umbrales que atravesar, unas condiciones de posibilidad para que nuestras opciones se realicen y nos transformen en agentes dignos de transitar ese nuevo y “maravilloso” espacio de la “distinción”. Y entonces las preguntas que vienen al caso podrían ser: ¿Qué he de dejar atrás para acceder a todo eso? ¿Qué clase de violencia sufro o me he de auto-infligir para tener que someterme a un espacio tóxico que requiere de mí semejante dependencia? o ¿qué tipo de naturalización mental, quién sabe si más humillante aún, he de sufrir para destrozar mi dignidad con el fin de sentir el aplauso de los elegidos de este mundo perverso y absurdo de la fama, la corrupción, el éxito y la codicia? ¿Es todo eso más importante que mi sentimiento de independencia, autonomía y emancipación?

En el teatralizado aparte de la galería podemos reflexionar sobre eso antes de volver a salir al mundo; en este, todo vuelve a centellear o a decepcionar del mismo modo en el que lo hacía dentro. En el exterior percibimos que el aparte de la exposición (en la que por cierto ningún marco tiene cualidades físicas convencionales, solo trabajo con su idea o su imagen) no era más que un reflejo del afuera; el buñueliano y paralizante ángel exterminador o no existe o somos todos los que aceptamos los cánones impuestos y abonamos sus tasas. Quizás, como mucho, al salir quepa preguntarse qué nos dejamos en el interior o qué nos llevamos al afuera. ¿Es posible producir algún tipo de emancipación desde la cordial violencia que ejerce este marco incomparable… ?

Joaquín Ivars

 

Santa Águeda en el burdel. Una performance de DELIA BOYANO en JMgalería

 

 

Santa Águeda en el burdel

Una performance de Delia Boyano

 

Sábado 25 de mayo a las 20:00 h

J M g a l e r í a

 

Delia Boyano: primera artista en participar en JMenvivo

 

El próximo sábado 25 de mayo, a las 20h., Delia Boyano realizará la performance Santa Águeda en el burdel, en JMgalería dentro de la programación de JMenvivo.

La artista malagueña será la encargada de inaugurar el proyecto JMenvivo, un programa de performances y live art en paralelo a la programación expositiva de JMGalería, que está dirigido por Marc Montijano y coordinado por Susana Hermoso-Espinosa.

La obra Santa Águeda en el burdel forma parte de After Zurbarán, un proyecto en el que Delia Boyano reinterpreta en clave de performance la serie de lienzos de Francisco de Zurbarán  (1558-1664) conocidos como Las Santas, en los que el pintor barroco representa a dieciocho mártires cristianas en su transición al Paraíso. Las performances del ciclo centran su interés en la relación que se establece entre el cuerpo de las mujeres y los objetos de tortura que portan en las manos, pues estos son símbolos duales, al mismo tiempo puentes a su santidad pero también a su muerte. En Santa Águeda en el burdel, Boyano actualiza el retrato de Santa Águeda, a la que Zurbarán pinta con una bandeja en la que reposan sus senos cortados.

Durante esta temporada expositiva, se realizarán dos performances vinculadas al actual proyecto expositivo Los sueños de Dante, que dialogarán con el espacio y las obras expuestas en la galería.  A partir de septiembre, a lo largo de la próxima temporada, este proyecto continuará con varios artistas invitados. Consolidándose como parte de la programación habitual de la galería y con la intención de convertirse en un referente y puntal dentro de la performance actual.

Dentro de JMenvivo,  se programarán diferentes manifestaciones de arte vivo o live art, desde las más experimentales a las más clásicas. En el arte en vivo los géneros se confunden y se hibridan. Es un arte que está mutando continuamente, el live art puede ser danza, teatro, música, perfomance, activismo, poesía, diversas prácticas multimedia, etc, pero sin categorías cerradas, un universo trasfronterizo, que se abre a mil influencias y corrientes actuales.

Delia Boyano López de Villalta (Málaga, 1994) es Graduada en Bellas Artes (2016) por la Universidad de Málaga, y en 2018 terminó el Máster en Performance Design and Practice en Central Saint Martins College of Arts and Design, UAL (University of the Arts of London). Actualmente cursa el grado en Historia del arte por la UNED. Destacan sus dos exposiciones individuales, La corona de la Reina (Sala de exposiciones de la facultad de Bellas Artes de Málaga, Málaga, 2017) y The Cucumber Sandwich Club (ColumnaJM, Málaga, 2017), ambas coordinadas simultáneamente por la Institución Académica y la JMgalería como parte de un mismo proyecto comisariado por la profesora de la UMA, Blanca Montalvo. Además, ha sido seleccionada para participar en diferentes exposiciones grupales, como es el caso de la exposición de arte digital y nuevos medios en el I Congreso Internacional Atenea (Salas de la UPV, Valencia, 2018), Cómo se Cuentan las cosas (Sala de exposiciones de la Facultad de Bellas Artes de Málaga, 2017), A minute Ago (Zabludowictz Collection, Londres, 2018), 10 fugas (Salas Rectorado UMA, Málaga 2017), MA Work in Progress exhibition (Central Saint Martins, Londres, 2016), o La Chistera (MAD, Antequera, 2016).  También ha podido disfrutar de residencias europeas, como la residencia creativa de Central Saint Martins College of Art and Design en Inteatro Villa Nappi (Polverigi, Italia) en 2017 y 2018, y la residencia para artes escénicas en el Rabbithole Theatre (Atenas, 2017).

 

Aideen Barry. Everything Changes, Nothing Perishes.

 

 

Time Bends (detalle / detail) Instalación de dibujo y vídeo / drawing and video installation

 

Aideen Barry
Everything Changes, Nothing Perishes

Viernes 31 mayo 2019, 20:00h

Omnia mutantur, nihil interit, verso de La Metamorfosis de Ovidio, es una imagen metafórica de la inmortalidad, pero no referida al disfrute de la juventud o la vida eternas sino a la pervivencia del espíritu, de una u otra manera. Con un enfoque histórico, podría aplicarse a nuestra inevitable predisposición a repetir constantemente los errores y las locuras del pasado; Asímismo, extrapolarse al auge de la ideología conservadora en el cuerpo político y en la esfera de lo cotidiano, y a nuestras propias fallas e incapacidad para prevenir el desastre, lo que deviene en una especie de círculo vicioso, condenados a la repetición ad infinitum, como Sísifo.

Esta es una noción por la que Aideen Barry se siente atraída reiteradamente en su práctica creativa. La idea de la banalidad de la tarea y el absurdo de la repetición, premisas que artísticamente materializa en un complejo proceso de acciones controladas y captadas en un momento dado, que se plasman en una especie de ilusión óptica de movimiento; en una ficción visual de curvar el tiempo y el espacio en sus vídeos performativos. La propuesta presenta audiovisuales con escenas de movimiento perpetuo y espejismos, formadas por miles de fotogramas tomados durante un largo período para transformar a la artista / protagonista en un autómata, imagen metafórica esta vez de la mujer trabajadora y receptáculo de reproducción, involucrado en la sobrecarga de trabajos que nunca terminan. propios de este género en tanto que seres funcionales. Obras como Time bends, visualizan ese retorno al mismo lugar pese a las constantes transformaciones. Para Barry este es un tropo feminista que emerge en su práctica, utilizando el humor como un acicate para generar debate sobre los roles de género y cuestionar el mundo heteronormativo.

Junto a ellos varios trabajos de dibujo y animación interactivos que refuerzan la idea de cambio, evolución, revolución y retorno. Hay un obvio guiño a la antigüedad en este exposición, cuyas obras glosan temas como lo monstruoso y lo fantástico, fusionados con la tecnología de vanguardia y los enfoques experimentales para el video y el sonido entrelazados.

 

 

 

Siete Performances o Nueve.

 

 

Sesión de performance
Comisariada por Joaquín Ivars

 

Viernes 24 mayo 2019, 19:00h

SIETE PERFORMANCES, O NUEVE

Por segunda vez presentamos en la Galería Isabel Hurley un conjunto de obras de artes de acción. En este caso, y dado que los números nos bailan, tendremos entre siete y nueve performances; llamémosles así. Unas tendrán un interfaz mediático y otras serán absolutamente presenciales. Los orígenes de sus autores son diversos, España, Brasil, Italia, Chile y tanto eso como el género, como la edad, también nos bailan; no estamos obnubilados por los detalles pero las biopolíticas y sus consecuencias nos quedan cerca, las circunstancias inscritas en el cuerpo nos hablan por más que queramos abstraernos de lo que la materia nos cuenta.

Cada autor/a de origen diverso y con un background absolutamente personal nos trae un destilado de su incipiente producción performativa. Aquí no hay marco que nos “salve”, aquí el arte se propone, ni se expone ni se impone, porque todo eso también nos baila. Compartiremos un rato, “bailaremos” juntos y luego autores y espectadores marcharemos a casa, o a otro lado. Algo habrá ocurrido, algo quedará en nuestras retinas y quién sabe si en nuestras conciencias. Dicen que la retina pertenece al Sistema Nervioso Central… ¿por qué no? Pero claro, no es un arte retiniano, la performance es un instrumento, una herramienta, un útil que toca nuestro cuerpo en todos lados, que toca nuestras mentes y nuestras emociones a través de otros mecanismos…

No voy a destripar sus acciones, los autores nos dan escuetas pistas en sus breves textos que a continuación podemos leer con la gracia de las diferencias lingüísticas en unos casos y en todos ellos con la intención puesta en que no podamos, no sepamos, descifrar su trabajo. Sus acciones son indescifrables porque no son una cifra, no se corresponden con un cifrado que haya que explicar o desplegar. Hay que compartir lo que allí ocurre, entrar hasta el fondo con ellos. La performance es un modo genuino de vivir la experiencia, desde dentro y desde fuera; desde todos lados nos llega y en todos nuestros puntos roza. Pero no nos confundamos, es una experiencia que ya no se quiere fruto del absurdo, del capricho, como en otros tiempos ocurrió. Aquí las acciones se sienten y se piensan; se articulan los movimientos del cuerpo con los flujos del pensar. Nadie domina porque todos somos dominados, lo queramos o no. La fragilidad de las acciones y de sus autores es lo que nos acerca. Acérquense, bailen con ellos, compartan sus temblores, acudan a acompañarnos en este viaje que nos llevará lejos en un trayecto que apenas dura unos minutos y en el que no existe ningún destino.

Joaquín Ivars

 

PROGRAMA

Monica Coster
.Una noche en Málaga

Performance: vía streaming

Una noche en Málaga es una performance “en vivo”, transmitida en streaming  desde Río de Janeiro, Brasil. Durante la sesión, mientras miramos la pantalla, los performers: la artista y su compañero, nos transmiten su estancia en el Hotel Málaga, ubicado en el mismo barrio de esa ciudad brasileña donde residen, utilizado para encuentros amorosos de parejas. Desde su entrada en el establecimiento,  justo al principio del evento, los participantes disfrutan de sus servicios y dependencias, compartiendo con nosotros lo que pueda ocurrir en las horas siguientes de sesión. La sugerencia sexual que envuelve el nombre Málaga, la duplicidad de los hechos, la ciudad rediscutida en habitación de un motel: ¿qué hacer en Málaga? ¿Cómo habitar simultáneamente las dos Málagas, interconectadas discursivamente por la imprevisibilidad de la permanencia y del streaming?

 

Luiza Schaefer
.Gran Artista

Performance: vídeo

La obra, grabada y presentada en formato de video mp4, fue concebida como una performance presencial, pero a causa de la distancia entre el actual lugar donde actualmente vive la artista y la consiguiente imposibilidad de desplazamiento, se adaptó a vídeo para que pudiera formar parte de ese evento.

Como el resto de sus trabajos, la performance es una línea que se adentra por su cuerpo, sus sentimientos, sus frustraciones, su intimidad, en consecuencia. Gran Artista es una performance que habla de la dificultad que comporta ser artista, ya que nadie, excepto los propios artistas, sabe cuán difícil es no solo llegar a serlo sino sentirse, mirarse como tal.

 

Azahar G. Castillo
.Film

Performance: presencial

La unión entre mujeres es cada vez más fuerte, más potente, más real… Somos una, y somos únicas. Nuestros cuerpos son los perfectos instrumentos de la vida, son belleza, son amor, son fuerza, son alma, son pasión, son el principio y el final… Son vida.

Nuestros cuerpos son más de lo que creemos, no son solo simples figuras, van más allá. Son la capacidad de transmitir, de comunicar, de ver, de sentir… no necesitamos nada más, las palabras quedan fuera de esta expresión. La simple relación de ambos en esta performance es capaz de decir mucho más que esto que estamos leyendo.

 

Celia Mesa
.Silencio

Performance: presencial

Silencio es y no es silencio… Tu mutismo quedará menguado por mi silencio, quiero que lo conozcas porque mi silencio no es cualquier silencio, es muy especial… Y cuando lo hagas, te darás cuenta de que vivir con él es lo que nunca conseguirás, porque el silencio es mío y solo mío.

En esta performance me acompañará Marta Jurado, ella conoce mi silencio, lo entiende, lo sabe, lo acepta, pero no lo siente, porque el silencio es mío y no puedo compartirlo. Solo yo y yo, porque es mi silencio.

Silencio  no es y es silencio.

 

Alicia Pérez Cobaleda
.Tara

Performance: presencial

Desde hace mucho, llevamos impuestas cargas que van creciendo poco a poco a nuestra costa. Ni recuerdo cuando fui consciente de las mías, solo sé que estoy cansada de llevarlas y de tener que cumplir estúpidos requisitos para tener el gran honor de llevar tan gran lastre. Quizás por egoísmo, por amor propio o solo por pereza, pero no quiero arrastrarme mas con ellas, pese a quien pese, aunque tenga que pasárselas a alguien que ni sepa lo que se le viene encima, pero ¿acaso me preguntaron a mí?

 

Stefano Regosini
.Fiesta

Performance: presencial

La performance se relaciona con una celebración extática, una liberación de sentidos y mente, una exaltada flagelación que busca conseguir el auto-descubrimiento del artista.
.Enigma

Performance: presencial

La segunda performance de este artista busca explorar la importancia del lenguaje no verbal y la complejidad que puede obtener este al atarlo a una trama simbólica.

 

Olivier BuDí

Tensión (en concierto)

Performance: presencial

Se trata quizás de componer… en este caso dos ideas en una. Se propone la tensión del sometimiento corporal y la tensión artística ¿Tendremos un concierto? No vamos a adelantar aquí el trabajo. Alguien nos recordará que otros artistas llegaron antes, sí, claro, pero nunca es al mismo sitio. Cada uno es único y la tensión queda entre los muchos que cada uno somos. Atentos.

 

Arte vivo en JMGalería

 

JMGalería presenta JMenvivo, un programa de performances y live art en paralelo a la programación expositiva que estará dirigido por Marc Montijano y coordinado por Susana Hermoso-Espinosa.

 

Durante esta temporada expositiva, se realizarán dos performances vinculadas al actual proyecto expositivo Los sueños de Dante, que dialogarán con el espacio y las obras expuestas en la galería.  A partir de septiembre, a lo largo de la próxima temporada, este proyecto continuará con varios artistas invitados. Consolidándose como parte de la programación habitual de la galería y con la intención de convertirse en un referente y puntal dentro de la performance actual.

No sólo se trata de performances en un sentido clásico del término, se programarán diferentes manifestaciones de arte vivo o live art, desde las más experimentales a las más clásicas. En el arte en vivo los géneros se confunden y se hibridan. El live art es un concepto más moderno, conectado con los objetivos y la forma de llevar a cabo el trabajo en la actualidad. Es un arte experimental que esta mutando continuamente. Un arte en tensión, en movimiento, que no se queda quieto en ningún sitio, sin géneros tipificados. El live art puede ser danza, teatro, música, perfomance, activismo, poesía, diversas prácticas multimedia, etc, pero sin categorías cerradas, un universo trasfronterizo, que se abre a mil influencias y corrientes actuales.

Como ha indicado Marc Montijano: “Como artista de acción e investigador de la performance, es un proyecto que me hace especial ilusión. Llevaba mucho tiempo con ganas de poder comisariar y dirigir una programación centrada en el arte de acción. Creo que podemos dar visibilidad al trabajo de creadores muy interesantes. La idea es trabajar con artistas de la performance o arte de acción fundamentalmente, pero también daremos cabida a todo tipo de obras de arte en vivo, desde las manifestaciones más ortodoxas a las más crudas y experimentales. Quiero que sea el proyecto que me hubiera gustado que existiera cuando comencé en el mundo del arte. Que sirva de estímulo y trampolín para artistas con propuestas valientes”.

JMenvivo es un proyecto de arte en vivo en paralelo a la programación expositiva de JM galería.  La primera performance que lleva por título Santa Águeda en el burdel, será el próximo 25 de mayo y correrá a cargo de la artista Delia Boyano.

Delia Boyano López de Villalta (Málaga, 1994) es Graduada en Bellas Artes (2016) por la Universidad de Málaga, y en 2018 terminó el Máster en Performance Design and Practice enCentral Saint Martins College of Arts and Design, UAL (University of the Arts of London). Actualmente cursa el grado en Historia del arte por la UNED. Destacan sus dos exposiciones individuales, La corona de la Reina (Sala de exposiciones de la facultad de Bellas Artes de Málaga, Málaga, 2017) y The Cucumber Sandwich Club (ColumnaJM, Málaga, 2017), ambas coordinadas simultáneamente por la Institución Académica y la JMgalería como parte de un mismo proyecto comisariado por La profesora de la UMA, Blanca Montalvo. También ha podido disfrutar de residencias europeas, como la residencia creativa de Central Saint Martins College of Art and Design en Inteatro Villa Nappi (Polverigi, Italia) en 2017 y 2018, y la residencia para artes escénicas en el Rabbithole Theatre (Atenas, 2017).