Exposición en UKaMa

 

“Solo sola soy libre” 

Una pintada reveladora, “sólo sola soy libre”, un grito de guerra, una afirmación qu la inspiración de esta exposición.

Para grupos reducidos y clientes de UKaMa.

Para ver la exposición llamar a UKaMa 652 691 644

 

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José Luís Valverde en Galería JM

 

J M g a l e r í a

Inauguración / Opening

Viernes 27 de abril, a las 20:30 h

 

 

José Luís Valverde

 

J M s h o w

JMgalería presenta, el próximo viernes día 27 de abril, a las 20:30 horas, un nuevo grupo de trabajos del artista José Luís Valverde, que se incorporan al proyecto expositivo curatorial JMshow.

 

 Tras poco más de dos años, vuelve a JM galería el artista José Luis Valverde, esta vez al espacio general de la programación expositiva,  después del descubrimiento de su obra a través de Huile de Poison, su debut expositivo gestado en un doble proyecto: Huile de poison. Adornos”, en las salas de la facultad de Bellas Artes de Málaga; y Huile de poison. En el salón, en Columna JM, -espacio dedicado al arte emergente andaluz dentro de la galería-, articulados ambos bajo el comisariado de Carlos Miranda; y tras su reciente paso por Londres y ARCOmadrid, gracias a la beca Fulbright y el proyecto ABC ARCO respectivamente. En esta ocasión, presentamos un nuevo grupo de trabajos, esta vez, integrados en el proyecto curatorial JMshow.

José Luis Valverde (Málaga, 1987) es un artista que difumina hasta borrar por completo la línea divisoria entre la figuración, en tanto que se reconocen elementos de la realidad en sus cuadros, y la abstracción, fomentada por el uso monocromo del negro, que imposibilita una fácil apreciación de lo representado, y que sólo se ve momentáneamente alterado por la presencia de algunas pinceladas, más que expresivas, en tonos azules. Una difícil apreciación que no es gratuita, sino que atiende, como bien escribía Carlos Miranda, a una intención de negar la imagen y hacer reflexionar sobre el lienzo cómo difícil espacio de exposición de la pintura para, en última instancia, obligar al espectador o espectadora a acercarse a la obra y desentrañar qué es aquello que aparece oculto entre tanta oscuridad. Retomando la pincelada y el empleo del óleo, estos adquieren una presencia protagonista en su trabajo, llegando a denominar al material como “veneno”. Dicha relevancia al material empleado en la obra, que llega a convertirse en contenido y adquiere la misma importancia que los propios elementos representados, ya la encontrábamos en movimientos artísticos de gran relevancia del siglo pasado tales como el Expresionismo Abstracto norteamericano o el Informalismo Europeo -recordemos a Manuel Millares-, que, con sus diferencias y semejanzas, compartían un rasgo común: llevar la pintura a una dimensión más matérica e híbrida donde los límites entre pintura y escultura, e incluso objeto, quedaran completamente destruidos. Algo que puede apreciarse en la obra titulada Skull and Candle (After Gerhard Richter) donde el artista emplea empastes de pintura que sobresalen del soporte llegando a convertirse en relieve. Además, el título, lejos de ser inocente, se inscribe en la tendencia apropiacionista, muy frecuente en el panorama artístico desde hace unas décadas, al aludir a una obra del conocidísimo artista Gerhard Richter, del mismo nombre, para resignificarla. Pero los guiños a la Historia del Arte son frecuentes en Valverde, presentes en sus anteriores trabajos en el empleo de floreros, similares a bodegones y naturalezas muertas, así como el paisaje con un carácter simbólico, y en este caso a la vanitas tan prolífica durante el barroco europeo y, en concreto en el español, en la obra comentada anteriormente, donde observamos la calavera y la vela, signos de la fugacidad de la vida y el transcurrir del tiempo que a todos y todas nos iguala. Un perfecto ejemplo donde la tradición y contemporaneidad unen fuerzas en pos de nuevas y frescas creaciones artísticas.

 

Javier Hurtado

 JMshow es un nuevo formato expositivo de carácter curatorial que sustituye el modelo de programa expositivo tradicional de la galería mediante un show room en constante transformación a lo largo de la temporada, a través de continuas renovaciones en sus contenidos, con la idea de dinamizar las presentaciones de las obras de los artistas de la galería, otorgándoles una mayor visibilidad periódica a sus nuevos trabajos, así como la presentación de otros muchos artistas que se van incorporando en un proceso constante para establecer diálogos y nuevos relatos. Este nuevo formato expositivo, cuyo programa se complementa alternativamente con sesiones de música, performances y diferentes eventos culturales, pretende en definitiva lograr una mayor dinámica en la producción, difusión y comercialización de las obras, con objeto de fomentar la audiencia, el coleccionismo, así como el interés general en el arte contemporáneo a través de la práctica de una política de gestión cultural más activa y dinámica.

 

El relato continúa

 JMshow lo integran en la actualidad seis artistas que dialogan e investigan, a través de una amplia selección de sus trabajos, en torno a la interpretación de la naturaleza -entendida ésta en su más amplio espectro del universo material-, así como sobre la forma simbólica de los fenómenos del mundo físico asociados a la humanidad,  a través de diferentes disciplinas artísticas.

El paisaje como género que trasciende, a través de la pintura, los mundos fascinantes, soñados, de Patricio Cabrera (Ginés, 1958) nos adentran en nuevas y sugerentes formas geométricas del espacio. Paisajes codificados en los que el gran maestro de talento e imaginación desbordantes, dominador absoluto del espacio y el color a través del medio pictórico, recorre la exuberancia de los paisajes brasileños aprehendidos en sus largas estancias en los trópicos de Sao Paulo y en los múltiples viajes biográficos de su memoria. Pero también la biología y la naturaleza en los pasajes bibliográficos que transita a través de sus interminables exploraciones por la sabiduría de los álbumes botánicos. El panteón, la bananera o la rana conforman en algunos de sus trabajos recientes una iconografía ornamental que configura un nuevo atlas de significados.

Negar la imagen y enfrentar al espectador o espectadora al lienzo, espacio que se erige problemático en la actualidad como soporte y exhibidor de la pintura, son las tónicas principales del trabajo de José Luis Valverde (Málaga, 1987) acentuadas todavía más por el uso del óleo y las expresivas, pastosas y sutiles pinceladas negras que oscurecen la superficie llegando a desnaturalizar lo representado y ocultándolo en la más suma oscuridad, lo que obliga a acercase a la obra para poder desentrañar el contenido del cuadro que bascula entre la figuración y la abstracción.

El vínculo con lo sagrado, a través de la experiencia espiritual y estética trascienden las  recientes pinturas de Ramón David Morales (Sevilla, 1977). Gran observador de la naturaleza e interesado en las ciencias de la astrología o la física, así como en el estudio del universo y sus valores esenciales, actúa como un alquimista de la pintura para crear un trabajo silencioso, colorista, diferente y original, lleno de frescura y vitalidad, de contundentes formas geométricas y perspectivas espaciales, logrando unos paisajes simbólicos, místicos, hipnóticos ante es espectador, cuyos límites y conceptos homenajean los elementos primarios de la naturaleza y sus recursos básicos.

El hombre desde su habitabilidad en el mundo y la condición humana es abordada por Chema Lumbreras (Málaga, 1957) desde una óptica literaria y filosófica en sus originales dibujos y conjuntos escultóricos, a través de los que crea un nuevo mundo de ficción mediante un potente discurso metafórico sumergido en el territorio de la fantasía. La escala reducida de las figuras que componen sus esculturas sirve al artista para elaborar escenarios inmensos, y crear fragmentos de micro relatos a través de sus personajes, insectos, animales y seres extraños que nos transportan a límites insospechables de la imaginación para abordar la grandeza del ser humano, pero también su insignificancia y fragilidad en las sociedades contemporáneas.

Por su parte, la pareja artística Alegría y Piñero (Córdoba, 1985; Chiclana de la Frontera, 1975) vienen desarrollando un proceso de trabajo interdisciplinar, que ellos han denominado bajo el concepto global de Encicloscopio: un ejercicio de mirada cíclica en torno a la imagen, la forma y el sonido, para mostrar múltiples puntos de vista que revelan presencias desdobladas. La nueva serie de trabajos, definida con el término de enciclolalia, es el resultado de una profunda investigación en torno a los antecedentes del habla, a través de un proceso de investigación y descubrimiento de la forma, en el que confluye el ingenio, la artesanía y la acción performativa, para materializarlo en una serie de esculturas, instalaciones y artefactos a modo de máquinas de interpretar. Estas arquitecturas parlantes, desvelan, mediante el movimiento o su accionamiento, mensajes ocultos a través de la simulación del gesto labial y su expresión, traducida en sonido, como camino de aproximación a los orígenes de habla, apelando a la capacidad primigenia de la comunicación humana a través de la voz.

 

Próxima inauguración: Natalia Castañeda, Caricias y pellizcos

 

NATALIA CASTAÑEDA
Caricias y pellizcos

Inauguración viernes 20 de abril de 2018, 20:00 h.

20 de abril al 9 de junio de 2018

 

Exposición de cerámica que pone este material en diálogo con la escultura, la instalación y el vídeo, explorando el lenguaje de las manos en una serie de acciones que involucran el hacer, el gesto y la huella. Las cerámicas cuestionan dinámicas de política interior, como el diálogo entre lo duro y lo maleable; la izquierda y la derecha; lo orgánico y lo artificial; la simetría y el defecto. Son un conjunto de enunciaciones de gestos mezclados con residuos cotidianos. Como comentarios irónicos al paisaje hecho con las manos.

CUANDO EL PAISAJE ES LA PIEL
Sergio Alvarez

Los mecanismos que mantienen la vida odian exhibirse; acostumbran esconderse bajo una capa de belleza o una acumulación de accidentes que, según corresponda, llamamos paisaje o piel. Es a este encubrimiento estético que ha dedicado Natalia Castañeda Arbeláez su indagación artística.

Desde las primeras exposiciones, la reflexión sobre el paisaje, sus métodos y sus formas, atraviesa la obra. Hay pinturas que convierten el color en una mirada inquisidora de la naturaleza, hay instalaciones que invitan a interactuar con su fragilidad, hay esculturas que nos llevan a preguntarnos sobre lo que vemos y sobre la necesidad de representarlo. Hay ríos que fluyen como una forma de optimismo vital y hay videos que convierten la observación de la montaña en  una meditación en la que la belleza y las dudas nos pegan como viento en la cara.

El trabajo de Natalia observa con atención la pasión estética del planeta y nos obliga a preguntarnos el porqué de su existencia. En Caricias y Pellizcos, Natalia se toma un respiro de las caminatas y los viajes y se encierra en el taller a trabajar la arcilla; un material que también se esconde bajo la superficie del mundo que vivimos pero que, una vez descubierto, ha dado al hombre casa, herramientas cotidianas y posibilidades de auto representación.

La arcilla es tal vez el material artístico más primitivo y es por eso mismo un material al que hay que entregarse sin prejuicios ni prevenciones. En manos de Natalia, la cerámica se convierte al mismo tiempo en piedra, cuerpo o paisaje industrial y su flexibilidad o dureza se esculpen como fetiche, desecho o piel. En las esculturas de tamaño mediano opone lo industrial a lo sensual, lo que ha construido la máquina y lo que ha sido fruto del deseo de lo biológico por reproducirse. Son piezas que contraponen lo residual con lo efímero;  figuras en las cuales la mano no intenta dar forma sino seguir el rastro de un mundo que se levanta gracias a la necesidad de amor, el capricho o la desesperación.

Junto a ellas se exponen piezas más pequeñas y, por eso mismo, más íntimas. Pequeñas esculturas que acarician el barro, lo presionan, le dan masajes, lo pellizcan, lo soban e, igual que en las relaciones humanas, son producto de un cariño y una complicidad que dejan huellas imposibles de borrar. Este conjunto de cerámicas vuelve piedra lo que alguna vez fue entrega y, con ello, nos lleva a preguntarnos por qué la vida es un eterno querer y, al tiempo, un eterno riesgo.

El tercer componente de la exposición es un video en el cual la reflexión sobre lo vivo y sobre su representación es un dialogo entre un brazo y una mano inquietos y sus dobles en barro. Lo que inicialmente es un homenaje pasa a ser conversación, juego de opuestos y complementarios, de izquierda y derecha, de fuerzas que sueltan o agarran. Una charla que tiene un momento de esplendor y, poco a poco, va perdiendo el jugueteo y la alegría y se convierte en reclamo y violencia.

¿Son el amor y el deseo una forma de plenitud o sólo el inicio de la decadencia? ¿Acariciarse, besarse o pellizcarse son caras de la felicidad o señales de una futura tristeza? ¿Por qué lo maleable pasa por el fuego y se hace piedra? ¿Por qué el deseo es también una manera de autodestrucción?

En últimas, Natalia convierte el barro en materialización del tiempo, muestra cómo el paso de los días destruye incluso el más hermoso paisaje o la más hermosa piel. Piel y paisaje son al mismo tiempo la máxima expresión de la belleza y fachadas de un mecanismo vivo que se agota, que muere, un mecanismo que, queramos o no, se descompone.
Natalia Castañeda Arbeláez CV 
(Manizales, Colombia 1982)
Vive y trabaja entre Bogotá y Barcelona

Artista plástica y docente. Actualmente es doctorado del programa de Realidad Asediada, concepto, proceso y experimentación de la Universidad de Barcelona, ​​donde se realizó el Master en Creación Artística Contemporánea (2017). Realizó estudios de Artes Plásticas en la Universidad de los Andes en Bogotá (2004), Especialización en Creación Multimedia en la misma universidad (2006). Y obtuvo el DNSBA, en École National Supérieur de Beaux-Arts en Paris, Francia (2009). Es profesora asociada en la Universidad de los Andes y en la Universidad Javeriana. Fue becaria de la residencia BATISCAFO en la Habana Cuba (2006), Residencia CRAC Valparaíso Chile (2011), y ganadora para la realización del Laboratorio PINTURA ABIERTA, en el Banco de la República, Bogotá (2013).

Su trabajo re exiona sobre el dibujo y la pintura, estos medios hacia los límites con la escultura, para crear las fotografías que se revelan por el recorrido. Las tramas atmosféricas y las pulsaciones gestuales guardan una aproximación poética al ocio, para sumergirse en el paisaje a través de los encuentros inesperados. Ella trabaja en el contexto desde la cartografía para realizar libremente los recorridos desde el efecto, la memoria, el viaje y lo místico, hacia la admiración respetuosa del entorno que busca restablecer la relación esencial y espiritual con la naturaleza.

Ha expuesto dentro y fuera de Colombia. Algunas de sus Exposiciones individuales son: “Siguiendo el Río” en el Museo de Arte de Pereira, 2016. “La ola, la rueda y la masa”, Flora Ars-Natura. Bogotá, 2015. “Piedras de otros lados” Galería Isabel Hurley, Malaga, España. 2015 “Espera me amarro el zapato”, Galería Nueveochenta, Bogotá 2015. Pedras Errantes, Galeria Marilia Razuk, Sao Pablo, Brasil, 2014. Ficciones para una postura presente, Nueveochenta, Bogotá. 2011. Contando piedras en el jardín de mi casa, Museo de Arte de Caldas, Manizales, 2010. Exposiciones colectivas: “Campo a través” Colección del Banco de la Republica. Sala Alcalá, Madrid, España, 2018. “Colombia, une histoire Colombien” Les Abattoirs, Toulouse, Francia, 2017. Acorazado Patacón. ARCO Colombia. Tabacalera. Madrid. España. Territorios en juego. Espacio Odeon. Bogotá. “Impulse, Reason, Sense, Con ict. Abstract Art from the Ella Fontanals-Cisneros Collection”. CIFO art space Miami. USA. Nuevas Aperturas: color, tiempo, espacio y materia. Museo de Arte y Cultura Colsubsidio. Bogotá 2014. Lugares Extraños, Solo Projects. PARC. 2013. I TRIENAL INTERANCIONAL DEL CARIBE, Santo Domingo. R Dominicana, 2010. Entre líneas, MOCA. Buenos Aires. Argentina, 2009. Asimetrías y convergencias, Galería Vermelho, Sao Pablo, Brasil, 2009. Prix de Dessin, Academie des Beaux-Arts, Paris, 2008. IX BIENAL INTERNACIONAL DE CUENCA, Ecuador, 2007. Al aire libre, Museo de Nacional de Colombia, Bogotá, 2007.

 

Alegría y Piñero en Galería JM

JMgalería presenta, el próximo sábado día 17, a las 20:00 horas, un nuevo grupo de trabajos de los artistas Alegría y Piñero, que se incorporan al proyecto expositivo JMshow.  

 

 

 Enciclolalia

Todo nuestro proyecto artístico se define bajo el concepto de Encicloscopio: Un ejercicio de mirada cíclica alrededor de la imagen, la palabra, la forma, para mostrar puntos de vista múltiples que revelen presencias desdobladas, escurridizas, balbuceadas. Para Enciclolalia situamos como centro la creación de un habla artificial, concebida al margen de una escritura. Nuestras investigaciones comienzan con la serie de obras de carácter performativo “Neumas”, proyecto que comenzamos en 2014 y que ha continuado desarrollándose en distintas fases de experimentación. Neumas (espíritu, soplo, respiración) hace referencia a una protoescri­tura musical empleada entre los siglos IX y XIII: una representación no tanto de la altura de los sonidos, sino de la gestualidad del canto traducida a figura. Estos neumas, como recursos nemotécnicos, permitían una entona­ción colectiva que daba lugar a un canto coral. Esta relación entre la forma del gesto impreciso y su expresión sonora, ha sido el punto de partida para la creación de un habla artificial que extrapola el uso del signo a una fenomenología del habla, como manifestación independiente, física, corporal y que se da en un terreno común con la plástica.

Cada una de estas esculturas/artefactos, entendidas como máquinas de interpretar, nos sitúa en el punto de vista exacto donde se manifiesta un habla encontrada, descubierta en la materia en su estado más arcaico. Su limitada y simple artificiosidad señala al objeto escultórico como dispositivo retórico.

 

 

Máquina Neumática

“Máquina neumática”  continúa el proceso iniciado en “Neumas 0”                                (http://encicloscopio.com/obra/enciclolalia/neumas/) , en busca de una concepción de carácter más definitiva a través de  una optimización de su manejo, a la vez que una simplificación de su mecánica.

Partiendo  del sonido orgánico, casi animal, que producen las membranas en vibración de unos pitos de caña, generamos  esculturas huecas que conducen y modulan este primer soplo hasta emitir sonidos humanoides que se aproximan a fonemas determinados. Partiendo de algunos esquemas de máquinas parlantes sobretodo del siglo XVIII  y XIX (Kratzenstein, Kempelen y Wheatstone ) fuimos modelando hasta encontrar el sonido de las cinco vocales. Por otro lado, las consonantes fueron apareciendo mediante la manipulación y deformación de estas formas primeras.

“Máquina neumática”  consigue deshacerse del ventilador y se alimenta de forma autónoma mediante un sistema de fuelles que accionamos durante la performance. Por otro lado, continuamos investigando  y añadiendo fonemas de manera que la obra reúne, además de las cinco vocales, las sílabas ma-pa-ne-pe-ce-le-rra, ampliando las posibilidades de ideación de frases interpretables.

En diálogo  con las propias limitaciones de pronunciación de la máquina, vamos encontrando palabras y frases que se conforman como partitura para accionar la obra. De este proceso condicionado surge un texto de carácter oracular en el que se describen lugares que no conocemos o se manifiestan lemas de moralidad propia:

Hice neuma y oí lema:

“O hay ley o hay pelea”

Oí: “amarra rama y apalea”

Y huí a cerrar pelea.

Cené rape y anhelé mar

Amanece, leí mapa

Y huí a Ipanema.

¡oooooohh!

Ipanema huele a oleo

Neuma huele a enea.

 

 

Surco

 

El hallazgo de la palabra como perfil parlante en el ornamento arquitectónico, que dio lugar a obras como “Friso”(http://encicloscopio.com/obra/enciclolalia/friso/) y “Lipogramas” (http://encicloscopio.com/obra/enciclolalia/lipogramas/), es reinterpretado para esta exposición mediante la creación de una moldura circular, a modo de medallón. Modelamos sobre el barro un perfil radial cuyos labios vamos interviniendo hasta que conseguimos que en este gesto germine una pronunciación muda. De su positivado en yeso surgen “Surco I” “Surco II: Ley” y “Surco III: Fuerza”. Cada medallón se corresponde con un ejercicio. A veces la búsqueda deriva en un balbuceo continuo, pero en otras aparecen palabras concretas (como ley o fuerza). Al girar los medallones puede verse en la sombra, proyectada por una cuerda colocada ante estos, un perfil pronunciando. El cuarto medallón es sometido a un nuevo proceso de revelado al colocarlo sobre un artilugio sonoro inspirado en el sistema del fonógrafo: una punta, conectada a una membrana que recoge su vibración, recorre el surco generado por el espacio entre ambos labios, leyendo cada cambio en el relieve y generando un sonido modulado por sus propias características físicas. Una traslación de esas palabras mudas a un nuevo código que se aleja del habla pero que se construye sobre ésta.

 

 

Alegría y Piñero

 

JMshow es un nuevo formato expositivo de carácter curatorial que sustituye el modelo de programa expositivo tradicional de la galería mediante un show room en constante transformación a lo largo de la temporada, a través de continuas renovaciones en sus contenidos, con la idea de dinamizar las presentaciones de las obras de los artistas de la galería, otorgándoles una mayor visibilidad periódica a sus nuevos trabajos, así como la presentación de otros muchos artistas que se van incorporando en un proceso constante para establecer diálogos y nuevos relatos. Este nuevo formato expositivo, cuyo programa se complementa alternativamente con sesiones de música, performances y diferentes eventos culturales, pretende en definitiva lograr una mayor dinámica en la producción, difusión y comercialización de las obras, con objeto de fomentar la audiencia, el coleccionismo, así como el interés general en el arte contemporáneo a través de la práctica de una política de gestión cultural más activa y dinámica.

 

El relato continúa

 

JMshow lo integran en la actualidad seis artistas que dialogan e investigan, a través de una amplia selección de sus trabajos, en torno a la interpretación de la naturaleza -entendida ésta en su más amplio espectro del universo material-, así como sobre la forma simbólica de los fenómenos del mundo físico asociados a la humanidad,  a través de diferentes disciplinas artísticas.

 

El paisaje como género que trasciende, a través de la pintura, los mundos fascinantes, soñados, de Patricio Cabrera (Ginés, 1958), nos adentran en nuevas y sugerentes formas geométricas del espacio. Paisajes codificados en los que el gran maestro de talento e imaginación desbordantes, dominador absoluto del espacio y el color a través del medio pictórico, recorre la exuberancia de los paisajes brasileños aprehendidos en sus largas estancias en los trópicos de Sao Paulo y en los múltiples viajes biográficos de su memoria. Pero también la biología y la naturaleza en los pasajes bibliográficos que transita a través de sus interminables exploraciones por la sabiduría de los álbumes botánicos. El panteón, la bananera o la rana conforman en algunos de sus trabajos recientes una iconografía ornamental que configura un nuevo atlas de significados.

 

También el vínculo con lo sagrado, a través de la experiencia espiritual y estética trascienden las  recientes pinturas de Ramón David Morales (Sevilla, 1977). Gran observador de la naturaleza e interesado en las ciencias de la astrología o la física, así como en el estudio del universo y sus valores esenciales, actúa como un alquimista de la pintura para crear un trabajo silencioso, colorista, diferente y original, lleno de frescura y vitalidad, de contundentes formas geométricas y perspectivas espaciales, logrando unos paisajes simbólicos, místicos, hipnóticos ante es espectador, cuyos límites y conceptos homenajean los elementos primarios de la naturaleza y sus recursos básicos.

 

El hombre desde su habitabilidad en el mundo y la condición humana es abordada por Chema Lumbreras (Málaga,1957) desde una óptica literaria y filosófica en sus originales dibujos y conjuntos escultóricos, a través de los que crea un nuevo mundo de ficción mediante un potente discurso metafórico sumergido en el territorio de la fantasía. La escala reducida de las figuras que componen sus esculturas sirve al artista para elaborar escenarios inmensos, y crear fragmentos de micro relatos a través de sus personajes, insectos, animales y seres extraños que nos transportan a límites insospechables de la imaginación para abordar la grandeza del ser humano, pero también su insignificancia y fragilidad en las sociedades contemporáneas.

 

La fascinación por lo desconocido centra el universo pictórico de Almudena Fernández Ortega (Sevilla, 1984), que a través de la distorsión perceptiva de la imagen,  investiga y explora los límites de la pintura, entendida esta en el ámbito del fenómeno de la ‘post-imagen’ y desarrollada en un plano conceptual. Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Conservación-Restauración, Fernández Ortega se interesa por la astronomía, el cosmos y las posibles civilizaciones de un mundo existencial antepasado.

 

Por su parte, la pareja artística Alegría y Piñero (Córdoba, 1985; Chiclana de la Frontera, 1975) vienen desarrollando un proceso de trabajo interdisciplinar, que ellos han denominado bajo el concepto global de Encicloscopio: un ejercicio de mirada cíclica en torno a la imagen, la forma y el sonido, para mostrar múltiples puntos de vista que revelan presencias desdobladas. La nueva serie de trabajos, definida con el término de enciclolalia, es el resultado de una profunda investigación en torno a los antecedentes del habla, a través de un proceso de investigación y descubrimiento de la forma, en el que confluye el ingenio, la artesanía y la acción performativa, para materializarlo en una serie de esculturas, instalaciones y artefactos a modo de máquinas de interpretar. Estas arquitecturas parlantes, desvelan, mediante el movimiento o su accionamiento, mensajes ocultos a través de la simulación del gesto labial y su expresión, traducida en sonido, como camino de aproximación a los orígenes del habla, apelando a la capacidad primigenia de la comunicación humana a través de la voz.

curso de caligrafía japonesa

 

 

Arne Haugen Sørensen – Galería Krabbe

 

 

Bienvenidos a la inauguración, el viernes, 16 de marzo, a las 18-20h
Venid a disfrutar una copa de vino y del arte!
El artista estará presente.

Inscripción: galeriakrabbe@gmail.com

Próxima inauguración: Lois Patiño, Fajr. Viernes 2 de febrero 2018, 20h

 

LOIS PATIÑO
Fajr

Inauguración viernes 2 de febrero de 2018, 20:00 h.

2 de febrero – 24 de marzo de 2018.

 

La exposición Fajr explora la relación entre el hombre y el paisaje desde su experiencia temporal. Varios tiempos conviven en estas imágenes: un tiempo horizontal en el movimiento del paisaje y un tiempo mas mítico despertado desde la contemplación. Henri Bergson ya diferenciaba sus distintos ritmos, donde el tiempo interior de la consciencia se aceleraba o expandía en función de la intensidad de la experiencia vivida.

En esta exposición observamos figuras inmóviles en diferentes paisajes de Marruecos, Islandia o Portugal. Son figuras estáticas y extáticas: cuerpos paralizados absortos en la meditación a la que invita el paisaje. Cuerpos en donde el tiempo se condensa para abrirse mas profundo. La inmovilidad irradia, decía Gaston Bachelard.

Aquí es Fajr, la pieza central de la exposición, la que irradia su tempo meditativo en la sala. Grabada en las dunas del Sahara al amanecer, su arena se tiñe de un tono mas trascendente al sonar el cántico de llamada a la oración. Esta mirada, que busca ir mas allá del espacio y el tiempo físico del paisaje, se siente también en las otras piezas que conforman la exposición: Estratos de la imagen, Montaña en sombra o Noite sem distancia. Proponemos, así, un viaje inmóvil a un espacio interior.

Con Montaña en sombra, el artista ganó premios en el Festival de Oberhausen (Alemania), en Clermont- Ferrand (Francia), en Bucharest Experimental IFF (Rumanía) o en FIDOCS (Chile), entre otros. Y en el 2013, en el Festival de Locarno, recibió el premio al mejor director emergente con su primer largometraje, Costa da Morte. Este trabajo también ha conseguido otros 15 premios en festivales como Jeonju IFF (Corea del Sur), FICUNAM (Mexico D.F.), Festival dei Popoli (Italia), Valdivia IFF (Chile) o en el Festival Europeo de Sevilla. Su cortometraje Noite sem distancia estuvo en el Festival de Toronto y, entre otros premios, gano en el Festival de San Francisco. Su último trabajo, Fajr, realizado con una beca de la Fundacion BBVA, se estrenó en el Rotterdam IFF.

Sus vídeos y videoinstalaciones se han podido ver en centros de arte nacionales como MACBA y CCCB (Barcelona), Casa Encendida (Madrid), MARCO (Vigo) o en la feria ARCO. Y espacios internacionales como el Centro Cultural San Martín (Buenos Aires), Konstnarshuset (Estocolmo), JIFF Art Gallery (Corea del Sur) o en la feria Paris Photo (Francia).

Sus películas se han mostrado en festivales de cine como Locarno, Toronto, Rotterdam, San Francisco, Ann Arbour, Viennale, Roma, Cinema du reel… o en Les Rencontres Internationales, que se desarrolla en el Centre Pompidou (París), Haus der Kulturen der Welt (Berlín) y el Museo Reina Sofía (Madrid).

Han realizado focos específicos sobre su trabajo en lugares como el New York Film Festival (Views from the Avant Garde), Flaherty Seminar (Colgate University), BAFICI (Argentina) o en el Festival de Cali (Colombia). Y ha sido invitado a mostrar sus trabajos en universidades como Harvard (Sensory Ethnography Lab), CalArts (L.A.), California College of the Arts (San Francisco) o en la Universidad del Cine de Buenos Aires (FUC). Precisamente la Universidad de Harvard le otorgo en el 2016 la beca Robert Fulton III, destinada a cineastas emergentes de espíritu independiente, que exploran culturas diversas con una profunda sensibilidad estética.

 

Luise Haugen – Galería Krabbe

Tenemos 5 obras disponibles, de la artista danesa, Luise Haugen.
70 x 50 cm. Técnica mixta sobre lienzo.

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Taller de baile en UKaMA con LA SHICA y YOGA con Belen

Empezamos el año 2018 con una nueva actividad en UKaMa, Las Velas 31, Cañada de los cardos, Torremolinos: el taller de baile con LA SHICA.

 

 

Proyectos Curatoriales JMshow

Narda Alvarado, Patricio Cabrera, Almudena Fernández Ortega,

Chema Lumbreras, Ramón David Morales

Los profundos cambios acontecidos en el escenario del mercado del arte a lo largo de las últimas décadas en un mundo globalizado, tales como la expansión de las ferias de arte y casas de subastas, la proliferación de instituciones museísticas, el avance de internet y la gran transformación que ha supuesto la evolución tecnológica, que tanto ha influido en las formas de comunicación y difusión del arte, son factores todos ellos que comenzaron a transformar desde hace varias décadas los modelos tradicionales del mercado del arte, y el contexto en el cual las galerías venimos desarrollando nuestra actividad profesional. Estos cambios han provocado la necesidad de un replanteamiento estructural y organizativo mediante la implementación de diferentes y nuevas estrategias de gestión cultural y comercial.

 

En este nuevo contexto, JMgalería pretende actualizar y diseñar nuevas estrategias y formas de organización para generar un nuevo formato que permita funcionar de manera exitosa con un nuevo modelo de programa expositivo, pero persistiendo en el rol que ejerce como dinamizador del mercado del arte y como agente de difusión cultural.

 

JMshow: La configuración de un nuevo formato expositivo

 

JMgalería presenta JMshow, un nuevo proyecto expositivo curatorial que sustituye el programa expositivo tradicional de las galerías mediante un show room en constante transformación a lo largo de la temporada, a través de continuas renovaciones en sus contenidos, con la idea de dinamizar las presentaciones de las obras de los artistas de la galería, otorgándoles una mayor visibilidad periódica a sus nuevos trabajos, así como la presentación de otros muchos artistas que se irán incorporando en un proceso constante para establecer diálogos y nuevos relatos. Este nuevo formato expositivo, cuyo programa se complementará alternativamente con sesiones de música, performances y diferentes eventos culturales, pretende en definitiva lograr una mayor dinámica en la producción, difusión y comercialización de las obras, con objeto de fomentar la audiencia, el coleccionismo, así como el interés general en el arte contemporáneo a través de la práctica de una política de gestión cultural más activa y dinámica.

 

Hacia el primer relato

 

JMshow  se inaugurará el próximo día 1 de diciembre y nace con un bloque expositivo que lo integran cinco artistas que dialogan, a través de una amplia selección de sus trabajos, en torno a la geometría del espacio, la fabulación y el mundo de las ideas para la construcción del arte, a través de la pintura, la escultura y el dibujo.

 

El paisaje como género que trasciende a través de la pintura los mundos fascinantes, soñados, de Patricio Cabrera (Gines, 1958), nos adentran en nuevas y sugerentes formas geométricas del espacio. Paisajes codificados en los que el gran maestro de talento e imaginación desbordantes, dominador absoluto del espacio y el color a través del medio pictórico, recorre la exuberancia de los paisajes brasileños aprehendidos en sus largas estancias en los trópicos de Sao Paulo y en los múltiples viajes biográficos de su memoria. Pero también la biología y la naturaleza en los pasajes bibliográficos que transita a través de sus interminables exploraciones por la sabiduría de los álbunes botánicos. El panteón, la bananera o la rana conforman en algunos de sus trabajos recientes una iconografía ornamental que configura un nuevo atlas de significados.

 

También el vínculo con lo sagrado, a través de la experiencia espiritual y estética trascienden las  recientes pinturas de Ramón David Morales (Sevilla, 1977). Gran observador de la naturaleza e interesado en las ciencias de la astrología o la física, así como en el estudio del universo y sus valores esenciales, actúa como un alquimista de la pintura para crear un trabajo silencioso, colorista, diferente y original, lleno de frescura y vitalidad, de contundentes formas geométricas y perspectivas espaciales, logrando unos paisajes simbólicos, místicos, hipnóticos ante es espectador, cuyos límites y conceptos homenajean los elementos primarios de la naturaleza y sus recursos básicos.

 

El hombre desde su habitabilidad en el mundo y la condición humana es abordada por Chema Lumbreras (Málaga,1957) desde una óptica literaria y filosófica en sus originales dibujos y conjuntos escultóricos, a través de los que crea un nuevo mundo de ficción mediante un potente discurso metafórico sumergido en el territorio de la fantasía. La escala reducida de las figuras que componen sus esculturas sirve al artista para elaborar escenarios inmensos, y crear fragmentos de micro relatos a través de sus personajes, insectos, animales y seres extraños que nos transportan a límites insospechables de la imaginación para abordar la grandeza del ser humano, pero también su insignificancia y fragilidad en las sociedades contemporáneas.

 

Investigadora, artista inconformista, arquitecta y estudiante de filosofía, Narda Alvarado (La Paz, Bolívia, 1975) emplea el arte como una herramienta po-ética-estética-técnica para pensar la realidad, vincularse con el mundo y entender el arte en sí. De esta manera, investiga conflictos artísticos, culturales, existenciales, etc. que surgen de los cuestionamientos que plantea el ser humano en el ámbito artístico. La forma y contenidos de sus investigaciones surgen de la oscilación natural que Narda experimenta entre fascinación o curiosidad (como modos de exploración) y aburrimiento o inconformismo (como mecanismos de cambio y renovación).

 

El mundo de las ideas y la fascinación por lo desconocido también centra el universo pictórico de Almudena Fernández Ortega (Sevilla, 1984), que a través de la distorsión perceptiva de la imagen,  investiga y explora los límites de la pintura, entendida esta en el ámbito del fenómeno de la ‘postimagen’ y desarrollada en un plano conceptual. Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Conservación-Restauración, Fernández Ortega se interesa por la astronomía, el cosmos y las posibles civilizaciones de un mundo existencial antepasado.

 

ColumnaJMshow: Para llegar a ser artista de éxito

 

El espacio de proyectos alternativo y dinamizador de JMgalería, inaugurado y bautizado hace dos temporadas como ColumnaJM, dedicado al arte más emergente del contexto andaluz, y que ha dado visibilidad y proyección a numerosos jóvenes artistas de proximidad, transformará igualmente su dinámica expositiva en un show room en constante metamorfosis para el debate y la reflexión en torno a la nueva creación del escenario andaluz. El proyecto expositivo curatorial de apertura de ColumnaJMshow, que inauguraremos junto al proyecto JMshow, presentará los trabajos de tres excelentes artistas andaluces con los que se plantea una visión crítica y ácida en torno al cuestionamiento de la institución académica durante la formación artística  y las vicisitudes en los inicios de la carrera profesional, para reflexionar sobre el éxito y el fracaso de la profesión artística.

 

Natalia Domínguez (Jerez de la Frontera, 1990), utiliza dispositivos autobiográficos y metafóricos para reflexionar sobre la formación académica,  y se  sirve de referencias visuales para elaborar una serie de acuarelas, fotografía y esculturas que indagan en el imaginario colectivo a través de la reproducción de las portadas de las publicaciones de recopilatorios de los top 100 artistas y manuales de arte reales así como otros ficticios.

 

Un exquisito y metódico trabajo que contrasta con la obra pictórica de “El chico de oro del arte”, como reza el artículo de prensa de un diario local con su referencia en primera página, enmarcado a modo de orla, en el que el periodista que lo suscribe, bautiza de este modo los inicios triunfales de Alejandro Castillo Montoya, (Melilla, 1992) que ya, en su primera exposición individual tomó cedidas más de 24 obras de coleccionistas privados. El trabajo pictórico de Alejandro Castillo, perverso de la disciplina en su absorción desprejuiciada de modos tomados de otros campos y fenómenos de la cultura contemporánea como el vaporwave, la literatura beat, o incluso la repostería, al tiempo que “remezcla” desde un eclecticismo radical y festivo lenguajes propios de la bad painting, el arte pop, el neoexpresionismo o el grupo CoBrA,  se despliega en este show ante el espectador, unas obras emanadas directamente de la tremenda intuición e instinto pictóricos con los que aborda la producción obsesiva de sus embriagadores cuadros.

 

Por otro lado, el aprendizaje mediante el lenguaje, la representación y la narrativa visual centran el trabajo de Alicia Roy (Málaga, 1986), logrando unos “Objetos obsoletos” que plantea mediante la investigación de la expresión y el estudio de formas artificiales que generan diálogos entre objetos, colores y formas en el espacio a través de lienzos; así como una serie de esculturas basadas en los conceptos, las ideas y sus reflexiones visuales, y cuyas formas  pueden recordar a objetos cotidianos carentes de utilidad cuyos diseños parecen predestinados al fracaso, ó al éxito…