José Luís Valverde. El beso de buenas noches. 2021 Óleo sobre lienzo. 46 x 38 cm
JOSÉ LUÍS VALVERDE
Le salon dans le Paysage
24 – 28 Julio 2021
Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander (Cantabria)
La obra de José Luis Valverde se construye a través de la recuperación de géneros pictóricos. El concepto de cita –intrínseco en su trabajo- se encuentra con el término que Mieke Bal llama revisión activa, con esto atiende a la necesidad de rescatar del pasado fragmentos formales, estilísticos o conceptuales, además de cuadros concretos pertenecientes a la tradición pictórica. Este recurso, le permite establecer relaciones temporales y discursivas entre la fuente histórica a la que acude, y el marco temporal donde lo recontextualiza, permitiendo así, establecer un análisis de carácter cronológico y discursivos a través del relato histórico. Es por ello que este proyecto se basa en la pintura de Edouard Vuillard Cartón de estudios I, Pont -L´evêque. Valverde construye un recorrido a través de las fragmentaciones del cuadro del artista francés, estableciendo diálogos entre pinturas de vegetaciones, vanitas y esculturas de pequeño formato.
José Luis Valverde (Málaga,1987) es Graduado en Bellas Artes y Máster en Producción Artística Interdisciplinar por la Universidad de Málaga, donde actualmente realiza su investigación doctoral. Ha realizado exposiciones individuales en Centro Cultural CajaGranada – Memoria de Andalucía (Granada, 2020), FACBA – Facultad de Bellas Artes de Granada (2020), Sala de Exposiciones del Convento de Santa Inés (Beca Iniciarte, Sevilla, 2019), Open Estudio – Griffin Gallery (Londres, 2016), Facultad de Bellas Artes de Málaga (2016) y en JMGaleria-ColumnaJM (Málaga, 2016), entre otras. Además, ha participado en numerosas colectivas en ámbitos como CCP María Victoria Atencia (Málaga 2019 y 2016), en Espacio El Butrón (Sevilla, 2018), CACMálaga (2018), Fundación Bancaja (Zaragoza, 2018), Centre del Carme Cultura Contemporània (Valencia, 2017) o Espacio Iniciarte – El Palmeral de las Sorpresas (Málaga, 2014), ARCO Madrid, en dos proyectos conjunto para ABC Cultural (2018) e INICIARTE, comisariado por Javier Bermúdez este mismo año, y en Getxoarte (2017), entre otras muchas. Su obra ha sido reconocida, entre otros, con el primer premio MálagaCrea Artes Visuales 2018, la Beca Colart – The Fine Art Collective (Londres, 2017), A Secas. Artistas Andaluces de ahora (CAAC, Sevilla, 2015), la Beca Residencia ‘Creadores’ de La Térmica (Málaga, 2015), FACBA 2020 (UGR, Granada) o la Ayudas a la Producción Ayuntamiento de Málaga / Fundación La Caixa (2020) junto con la JMgalería. Su trabajo forma parte de las colecciones Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura, CACMálaga (Málaga), Fundación Benetton, Universidad de Málaga o Ayuntamiento de Málaga, entre otras, así como de numerosas colecciones privadas.
En 1533, Hans Holbein el Joven pintó una obra conocida como Los embajadores, que hoy se conserva en la National Gallery de Londres. En 1958, durante el transcurso de uno de sus seminarios, el psicoanalista Jacques Lacan se refirió a esta pintura para hablar de ese objeto extraño, oblicuo, que aparece en primer plano, delante de los retratados. Como se sabe, dicho objeto es la anamorfosis de una calavera, que solo recupera su posición “correcta” al ser observada desde un extremo de la tabla: “Veremos entonces –dirá Lacan– dibujarse a partir de ella [la mirada], no el símbolo fálico, el espectro anamórfico, sino la mirada como tal, en su función pulsátil, esplendente y desplegada”.
Recordé esta cuestión acerca de la mirada mientras reflexionaba, para llevar a cabo este escrito, acerca de Javier Garcerá. Él también ofrece al espectador un despliegue de los sentidos, aunque, a diferencia de Holbein, no busca restituir la forma. En sus obras, la luz provoca que la excitación óptica se expanda hacia numerosos frentes, pero también que la representación se diluya en lo inasible. Para acceder con solvencia a estos trabajos, hay que deponer la mirada alienada y digitalizada, aquella que devora con avidez todo lo que se le ofrece. Es necesaria una percepción distinta, capaz de conquistar un sentido propio de la experiencia y traer al presente la toma de conciencia de aquello que estamos viendo.
En sala, contemplamos la sensorialidad de la seda y la contundencia de lo monocromo, con tonos rojos, negros y verdes. Si nos aproximamos, vemos emerger una imagen entreverada, llevada a cabo con pinceladas que se camuflan en la seda, o bien con pequeñas erosiones en el tejido. Cuidadosos procedimientos que invocan tanto las posibilidades de lo visible como de lo invisible. Se trata de una exquisita labor de “dibujo”, si entendemos esta disciplina como lo hizo María Zambrano, para quien el dibujo era de esas cosas que, “si son sonido, lindan con el silencio; si son palabra, con el mutismo; presencia que, de tan pura, linda con la ausencia; género de ser al borde del no-ser”. Así, entre el detalle que se revela y la representación que se pierde, existe un estado liminal que pone en juego la subjetividad del espectador.
Ese estado liminal es una constante en las sedas de Garcerá, con formas que nos eluden con la misma facilidad que las vislumbramos. Son habituales las letras, las palabras y las frases, pero estas no se limitan a expresar ideas, sino que procuran un ensanchamiento perceptivo, donde surge el anhelo de ver, y no solo de leer. También son recurrentes las imágenes pictóricas de flores y plantas, y mientras elaboramos mentalmente el mapa del jardín, una parte del terreno va desapareciendo de nuestra visión.
En algunas composiciones, el desorden de la naturaleza se contrapone con el ornamento geométrico, un elemento consolidado en las distintas culturas través de lo que Ernst Gombrich denominó «la fuerza del hábito», cuyo origen estaría en la necesidad de orden espacial en nuestro entorno. Este orden, inestable bajo efectos de la luz, se repite en las celosías dispuesta en los ventanales de la galería, y que evocan las del estudio de Garcerá en Madrid. Un espacio, este último, donde la razón poética funciona como mediadora entre el proceso técnico y la reflexión: así lo reflejan las piezas que hacen referencia a su biblioteca personal, con títulos que miran con atención hacia el pensamiento de Oriente.
Si invertimos energías en el cultivo de la tierra, obtendremos algo a cambio. Lo mismo ocurre con la mirada cuando se enfrenta, sin prejuicios, con la obra de arte. En su interés por ensanchar el alcance de nuestros sentidos, el artista incorpora también lo sonoro: un bolero interpretado por Ibrahim Ferrer emerge de una peana, donde reposan dos representaciones de sendos libros del poeta François Cheng, dedicados a meditaciones sobre la belleza y sobre la muerte.
La exposición se despliega ante nuestros ojos como una coreografía abierta, donde cada cuerpo configura su manera de ejecutarla. El ritmo lo activa la aprehensión del instante, el reconocimiento de la forma y el recuerdo inexacto. Luego, fuera de la galería, ya habrá tiempo para rellenar los vacíos y de pensar con racionalidad. Dentro, nos situamos en el lugar de la incertidumbre, en el punto de conflicto, en el corazón de la duda. No es necesario resolver ningún enigma, sino demorarse en los desvíos, en el movimiento, en las zonas de luz y de sombra. Es ahí donde surge la verdadera “experiencia estética”, aquella que hace de la vida, a través del arte, algo más interesante que el propio arte.
Carlos Delgado Mayordomo Crítico y comisario de exposiciones
INAUGURACIÓN: VIERNES 11 DE JUNIO DE 2021, DE 18:00 A 21:00 H
La reflexión sobre el ser humano, sus preocupaciones y sufrimientos, el papel de la mujer en nuestra sociedad, nuestro yo interior, el silencio, la soledad y la epidermis social, son los aspectos que le preocupan, como artista y como mujer, a Adriana Torres, que presenta por vez primera en la ciudad de Málaga una exposición individual bajo el título INSIDE-OUT, y que recoge dos series de trabajos totalmente inéditos integradas por 30 obras entre esculturas, pinturas y dibujos en diferentes soportes como espejos, lienzos y papel, y cuya composición y distribución expositiva enfrenta ambas series en una suerte de dualidad discursiva entorno a nuestro yo superficial, nuestra imagen y lo que queremos proyectar de nosotros al exterior, frente a nuestro mundo interior, ese yo introspectivo incapaz de jugar a la especulación de la imagen que responden a la filosofía de su autora incardinada en el Arte Confesional. En palabras de la artista sobre su serie Mirrors: “Los espejos tratan nuestra imagen externa, los selfies hablan de lo que queremos enseñar a los demás, imágenes forzadas y retocadas, una posverdad sobre nosotros mismos, al tiempo que componen una imagen que nos devuelve nuestro reflejo, quiénes realmente somos, el selfie que en ocasiones solicitamos hacernos con alguien a quien supuestamente admiramos…” El selfie, en efecto, se ha convertido en un elemento nítidamente definidor de la sociedad actual, en lo que podría llamarse su dimensión epidérmica o exterior. Es elemento constante de nuestra vida social y por ello mismo componente estructural que nos define. En palabras del prestigioso filósofo y crítico de arte, Fernando Castro Flórez, autor del texto del Catálogo de la Exposición, “Vivimos atrapados en la compulsión de repetición de nuestra imagen, en un narcisismo que no conduce a la postre a otra cosa que a la insatisfacción. Con enorme lucidez, Adriana Torres se “apropia” de selfies puestos en circulación en Internet para pintarlos sobre espejos que, por supuesto, “incorporarán” al espectador en esa pose superficial. Los marcos antiguos que utiliza esta artista (inspirada según confiesa en los de los espejos de los palacios napolitanos) establecen una fricción temporal (la memoria frente al vértigo de lo actual, el pasado confrontado con una instantaneidad amnésica) pero también introducen una delimitación “lujosa” para invocar un deseo contemplativo. Esta mise en abyme de la “pulsión sélfica” que nos recuerda aquellas obras especulares de Pistoletto, da cuenta de la ansiedad de una belleza cosificada o, en otros términos, de una “modelización” de la subjetividad que puede no ser otra cosa que un “sometimiento” ridículo. No es irrelevante que la única mujer que no se está haciendo un selfie en estos “retratos de cámara” sea la propia Adriana Torres que hace un paródico gesto de victoria con el pincel en la mano, en un guiño velazqueño que nos hace cobrar conciencia de la cualidad heterotópica del arte.”
En palabras de la autora en alusión a la serie ROOTS OF DREAMS, “se habla de nuestro verdadero yo, de cuando estamos solos, en silencio, de cuando nuestro corazón se expande al darle sitio de reflexión, de calma y de sincera verdad”. En el fondo, las dos dimensiones nos representan. Es lo que somos, ambas constituyen un “espejo” en que se refleja nuestra realidad, superficial y profunda, verdad y posverdad. En sintesis y en palabras de la autora: “la identidad y la verdad”
Adriana Torres (Sevilla,1968) es Graduada en Bellas Artes y doctorada por la Universidad de Sevilla. Realiza cursos de Post Grado, en la prestigiosa Central Saint Martins, University of the Arts London. Ha realizado exposiciones individuales, colectivas y participaciones en ferias en numerosas ciudades españolas, así como en los países Reino Unido, Austria, Holanda, Portugal, Armenia, Corea del Norte, Taiwán, Austria, Paraguay y EEUU, destacando sus exposiciones en el Instituto Cervantes en Londres, y la participación en la Bienal de Maastrich.
Viernes 30 abril 2021, 17:30 – 20:30 30 abril – 19 junio 2021
Forma contenida reúne una serie de trabajos de seis artistas nacidos entre los ochenta y los noventa que, desde una aproximación crítica a la disciplina de la escultura, abordan cuestiones relacionadas con la arquitectura y la historia. David Bestué presenta tres obras que ponen en tensión elementos del art nouveau con elementos industriales con el fin de interrogar la imagen de una ciudad, la Barcelona modernista y burguesa, una marca construida sin ningún otro fundamento que una fantasía de clase. En Miles de kilómetros de cemento blanco, un proyecto que investiga el llamado estilo del relax de la arquitectura de la Costa del Sol, Antonio R. Montesinos se pregunta también por la suplantación falaz de la identidad de un territorio a través de una ficción. Leonor Serrano Rivas investiga de manera performativa las relaciones de poder que subyacen bajo las ideas estéticas de belleza, proporción o armonía y que, en su desplazamiento desde la tratadística a la cotidianeidad, acaban por expresarse en el dominio que la arquitectura ejerce sobre nosotros. Por su parte, Mercedes Pimiento estudia la dificultad de ciertos edificios para dejarse afectar por los cuerpos y responde con una serie de resonadores y membranas sensibles a la voz que dan lugar a otras formas de habitar. Christian García Bello se vuelve hacia ciertas arquitecturas vernáculas de Galicia en pos de comprender cómo una forma de vida arraigada es inseparable de las formas y los materiales que la rodean y constituyen. Finalmente, Álvaro Albaladejo explora en sus trabajos la capacidad de lo ornamental, mediante la impregnación rítmica del espacio, para poner en cuestión y desestabilizar el propio acto de percepción.
Inauguración: Sábado27 de febrero de 2021 (11:00 h a 18:00 h)
Selva del tiempo
La primera vez que estuve en Estambul, mientras paseaba por no recuerdo qué barrio, encontré una antigua casa señorial con un hermoso jardín, descuidado y majestuoso en su espesura. Como tenía abierta la verja, continué mi vagabundeo entre aquella vegetación casi salvaje, hasta llegar a lo que, en principio, me costó reconocer como una tumba en el suelo. La razón de mi despiste era un enorme árbol que había reventado la losa, y se erguía brioso hacia el cielo desde la fosa… Y eso es lo que hallamos en Selva del tiempo, muertos que viven en la vegetación que José Luis Valverde ha pintado para ellos. En ellos. Con ellos.
Ellos somos nosotros cualquier día que pasa, pues del tiempo va esta exposición, y de modos de ser en el transcurso de la desaparición. De hacerla ver y de hacerla nuestra. Si el abuelo de Pepe Valverde era pintor amateur además de hacer tumbas, parece que su nieto ha profesionalizado lo primero y recuperado su querencia por las lápidas… Mas, sobre todo, por lo que puede haber ahí debajo, todo un mundo de posibilidades que, en las manos de nuestro artista, se hace de óleo y regusto irónico por la tierra removida, por el olvidado aliento de los habitantes de un lodo oscuro y fértil que nos incita a sumergirnos en él, adelantando el momento del festín de los bichos del subsuelo, o quizás invitándonos a la fiesta. En su Memorias póstumas de Brás Cubas, Machado de Assis hacía que su protagonista nos recibiese en la primera página con un estupendo brindis: “Al gusano que primero royó las frías carnes de mi cadáver dedico como sentido recuerdo estas memorias póstumas”. Irónica y sagaz entrada a un texto tan divertido como relevante, que comparte tono lúdico y abismal con las pinturas y esculturas que aquí nos trae Valverde. Pues sí, de entrada, el tema fúnebre podría hacernos esperar una semántica del pesar y la melancolía, el filtro del placentero hacer pintura de nuestro autor ha dejado en estas obras un encanto de lo tenebroso que destella fogonazos cromáticos como nocturnas flores venenosas, luces de una verbena ultraterrena que condimenta paisaje con vanitas, a modo de jugosas naturalezas muertas más vivas que nunca. Montadas en un primoroso relato espacial, las piezas de Selva del tiempo respiran hondo como la mala hierba, en una fronda pictórica que nos deja sólo atisbar el resto de los difuntos, donde ya no sabemos cómo acaba el hueso y empieza lo verde. Emboscándolos en su follaje, Valverde nos ralentiza su aparición, administrando una economía de la visibilidad de la que ya ha hecho discurso propio, demorando la imagen en su aceite primigenio de pasta y gesto, de estrategia barroca y lucidez decadentista. Por eso, el fluir de los acontecimientos de óleo sobre las telas, o de dientes en el yeso, late con el vigor de la savia amarga y febril del que sabe que el qué y el cómo son ya lo mismo, como lo son estos cadáveres y sus refugios. También por eso Valverde puede pintar la vida de estos muertos en un tiempo más allá, y más abajo, del que habitamos nosotros, una posteridad hermosa y oscura sin llantos ni quejas, con gatos que nos miran y pájaros que vuelan antes, o después, de ser sus caninas devoradas… O también más acá y más arriba, junto a nosotros en el armario o en el plato, ante el mar o en el espejo, compañas de otros tiempos que están en éste… Así nos ofrece Valverde unas santas sillas en las que sentarnos a este banquete servido en el sustrato del paraíso, exquisita revisión de los tabúes que nos ocultan el único futuro cierto. Un convite sensualista de pintura y tierra leve, húmeda y cálida, campo fecundo para el quehacer de un artista que no deja de crecer como las pujantes plantas de esta su jungla crónica, silenciosa y anhelante de lo desconocido, hambrienta de más tiempo que hacer pintura, para nosotros y, bien lo sabe Valverde, para ellos. Pues si todos seremos polvo, ahora somos pintura en la Selva del tiempo.
Polaroid Star
José Luis Valverde (Málaga,1987) es Graduado en Bellas Artes y Máster en Producción Artística Interdisciplinar por la Universidad de Málaga, donde actualmente realiza su investigación doctoral. Ha realizado exposiciones individuales en Centro Cultural CajaGranada – Memoria de Andalucía (Granada, 2020), FACBA – Facultad de Bellas Artes de Granada (2020), Sala de Exposiciones del Convento de Santa Inés (Beca Iniciarte, Sevilla, 2019), Open Estudio – Griffin Gallery (Londres, 2016), Facultad de Bellas Artes de Málaga (2016) y en JMGaleria-ColumnaJM (Málaga, 2016), entre otras. Además, ha participado en numerosas colectivas en ámbitos como CCP María Victoria Atencia (Málaga 2019 y 2016), en Espacio El Butrón (Sevilla, 2018), CACMálaga (2018), Fundación Bancaja (Zaragoza, 2018), Centre del Carme Cultura Contemporània (Valencia, 2017) o Espacio Iniciarte – El Palmeral de las Sorpresas (Málaga, 2014), ARCO Madrid, en un proyecto conjunto para ABC Cultural (2018) o en Getxoarte (2017), entre otras muchas. Su obra ha sido reconocida, entre otros, con el primer premio MálagaCrea Artes Visuales 2018, la Beca Colart – The Fine Art Collective (Londres, 2017), A Secas. Artistas Andaluces de ahora (CAAC, Sevilla, 2015), la Beca Residencia ‘Creadores’ de La Térmica (Málaga, 2015), FACBA 2020 (UGR, Granada) o la Ayudas a la Producción Ayuntamiento de Málaga / Fundación La Caixa (2020) junto con la JMgalería. Su trabajo forma parte de las colecciones Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura, CACMálaga (Málaga), Fundación Benetton, Universidad de Málaga o Ayuntamiento de Málaga, entre otras.
CHICO LÓPEZ: Geometría compartida y logaritmo humano.
“El tiempo puntillista está roto, o más bien pulverizado, en una multitud de instantes eternos –eventos, incidentes, accidentes, aventuras, episodios-,
mónadas cerradas sobre sí mismas, bocados diferentes,
y cada bocado reducido a un punto que se acerca cada vez más
a su ideal geométrico de no bidimensionalidad”.
Zigmunt Bauman,Vida de consumo
Vivimos en tiempos de realidad compleja, parafraseando a Nick Srnicek diríamos que son de “profunda transformación”[1]. Los mantras de la modernidad reducidos a la geometría de las formas básicas, a la pureza del medio, o a la eficiencia y racionalidad productiva han sucumbido ante una nueva era digital acelerada que condensa el deseo humano y el tiempo presente dentro de un paradigma tecnológico controlado por logaritmos y big data. Si para Bauman lo líquido era la forma óptima de definir la temporalidad en la postmodernidad como disfrute hedonista de un presenteísmo perpetuo, será un nuevo concepto, el time complex[2], el que denomine este nuevo tiempo, “cada vez más gobernado por las tecnopolíticas y predeterminado por los algoritmos del capital”, siendo la digitalización del mundo síntoma de nuestro tiempo. En sintonía con estos flujos de información el individuo, subsumido en este mundo-red, construye su identidad de pantalla en pantalla satisfaciendo su deseo a golpe de clic, dentro de una nueva realidad que no es posible abordar desde una teoría simplista de los hechos.
Ante esta configuración de tiempo presente el anhelo melancólico de retorno del pasado no es posible desde el arte, circunstancia que Chico López indaga en este proyecto en JM Galería. Para el artista, el reduccionismo basado en el cuadrado, el triángulo y el círculo como modelo estético inspirado en la geometría está superado. En lugar de ello, propone una nueva manera de abordar la complejidad del presente mostrando una especie de paisaje topográfico donde todavía queda lugar para lo humano. O más bien poshumano, pues estos “restos”, conclusión del proceso de trabajo al que somete sus dibujos y pinturas, se asemejan más a una conciencia maquínica que a la destreza artesana.
Cercano, a primera vista, al trabajo de autores de la Escuela de Cálculo como Elena Asins, Manuel Barbadillo o Eusebio Sempere, Chico López busca alejarse de esta concepción tan matemática del espacio apostando por dotar a su “algoritmo” de personalidad propia. En este sentido más que partir de una imagen dada de antemano, su proceso de trabajo se nutre de elementos como el azar, o lo aleatorio, tratando de devolver calidez humana a la geometría. El artista plantea un modus operandi del cual no conoce su final, comenzando sus piezas con unas pautas programáticas las cuales deja llevar por el proceso. De un modo cuasi esquizofrénico vemos como la repetición de elementos, líneas y contrapuntos se despliegan por el plano de lo visible, como un intento de desbordar la percepción y esquivar la realidad, recordando por momentos las partituras experimentales de John Cage. Una especie de ritmo inserto en las diferentes piezas acompaña a modo de estructura sinfónica una suerte de paisajes diagramáticos que recuerdan alzados urbanísticos en algunas piezas o apuntes arquitectónicos en otras. En ocasiones se produce cierta sensación de vértigo, la desmesura del contrapunto en forma de dibujo provoca una fuga que desborda la mirada consecuencia de la acumulación de notas de información. Un modo de incidir en la realidad desde dentro planteando una nueva musicalidad imaginaria que se enfrenta a las imágenes silentes de la red, dotando de calidez lo que nos rodea. Es este escenario des-digitalizado donde se posibilita la escapada del flujo cotidiano de información binaria que nos devora y se puede ejercer algún tipo de resistencia al algoritmo-red en un contexto neoliberal de ganancia capitalista.
El proyecto “De gente en gente” se sirve de la tecnología no para conseguir plusvalía sino para ponerla al servicio de lo humano con un ejercicio de intervención desde los cimientos del sistema: “un nuevo proyecto que esté a la altura de la revolución digital” se sirva de “la infraestructura tecnológica de lo contemporáneo, es decir, de los algoritmos que lo determinan” y trate de paliar las consecuencia malignas del capitalismo al tiempo que se vislumbra un horizonte de futuro.
[1] Srnicek, N: Capitalismo de plataformas. Caja Negra. Buenos Aires. 2018.
2 En adelante citas de: Avanessian, A: Miamificación. Materia Oscura Editorial. 2019.
Javier Bermúdez
José Miguel Chico López (Linares, 1967) es licenciado por la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano de la Universidad de Granada en 1991 y Doctorado en Historia y Artes por la Universidad de Granada en 2018. Su trabajo artístico está vinculado a su obsesión por la separación Arte-Sociedad. Ha realizado más de veinte exposiciones individuales en sus veinte años de trayectoria profesional en diversas galerías y salas institucionales y también ha expuesto sus trabajos en ferias de arte internacionales como ARCO Madrid, SCOPELondon BALELATINA, Basilea, ARTEFIRA Bolonia. Su trabajo está representado en numerosas colecciones públicas y privadas como las del CAC Málaga, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Fundación Luciano Benetton. Fundación Coca-Cola España, Museo Zabaleta y las Universidades de Granada y Juan Carlos I, Madrid, entre otras
Desde 2013, Chico López ha utilizado su álter-ego USTED para desarrollar aspectos sonoros y videográficos dentro de su obra artística. En 2016 grabó su primer LP “Dios” con la productora granadina Grupo de Fe. Basándose en un desarrollo geométrico aleatorio que produce su obra gráfica y sonora, edita vídeos-animados que presenta junto a sus performance sonoras. Las ha presentado dentro del programa Openstudio 2014 en Madrid o en la celebración del centenario del nacimiento de José Guerrero “Apertura en Negro” para el centro que lleva su nombre en la ciudad de Granada.
[1] Srnicek, N: Capitalismo de plataformas. Caja Negra. Buenos Aires. 2018.
[2] En adelante citas de: Avanessian, A: Miamificación. Materia Oscura Editorial. 2019.
MAGA, Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo de Málaga, celebra este evento con motivo del comienzo de la temporada. Organizado conjuntamente con el Área de Cultura del Ayuntamiento de Málaga, tendrá lugar los días 23 y 24 de octubre. Para esta primera edición se han diseñado itinerarios guiados por los siete espacios asociados, con los que la asociación pretende acercar el arte contemporáneo a todos los ciudadanos. www.galeriasmalaga-maga.com
Eduardo Hurtado Arrullos y Escondites
Viernes 23 y sábado 24 de octubre, en horario especial, mas amplio De 10:00 a 14:30 y de 17:00 a 21:30
Escondimos cantos rodados y zarandeamos el bambú esa extraña primavera. Nos ganamos la confianza de los gorriones. Fue pestaña sobre hiedra trepadora.
Eduardo Hurtado
Arrullos y Escondites es la primera individual de Eduardo Hurtado en la Galería Isabel Hurley y en Málaga. Esta muestra reúne algunos de sus últimos trabajos y una selección de piezas revisadas, fundamentalmente escultura y dibujo. En esta exposición, el artista plantea un recorrido por la intimidad del gesto y la idea de un cuerpo sostenido, conceptos siempre presentes en su trayectoria, pero que indudablemente toman otras perspectivas en el contexto actual. Los dibujos son testigos de un viaje, y las piezas de suelo resultado de un encuentro. El amor. Un retomar lo íntimo, la respiración y lo pequeño. Un regreso a lo formal y a la ausencia de relato y, sin embargo, un tono, un ritmo y una temperatura concretas.., como si esta exposición quisiera ser una canción, la partitura de una nana o el canto de unos pájaros en el jardín.
Breve CV Eduardo Hurtado (Valladolid, 1986) vive y trabaja en Bilbao. Es artista visual y trabaja en el ámbito de la escultura, la voz y la escritura con una aproximación al ámbito de las artes escénicas, desde la producción y la curaduría. Ha sido director de programas de Getxoarte y desarrolla su trabajo en la gerencia del espacio EL GABINETE. Licenciado en Bellas Artes y postgraduado en Historia Contemporánea por la EHU, está integrado como PhD Investigador dentro del Departamento de Arte y Tecnología formando parte del grupo de Investigación en Historia Contemporánea Experiencia Moderna y de AHOA – Archivo de la Memoria. Su trabajo de investigación se centra en el análisis de los procesos de conformación del gesto. Ha recibido diferentes premios y becas dentro del ámbito del análisis cultural y el comisariado, entre los que destacan Bilbaoarte en 2020, Labore (DSS2016), Generaciones, Inéditos o la beca de investigación del Centro Cultural Montehermoso.
Ha expuesto su trabajo como artista en diferentes espacios, ferias y centros de arte, como el Instituto Cervantes de Berlín, el Centro Párraga, Windsor Kulturgintza, Museo Guggenheim de Bilbao o recientemente en el Centro del Carmen de Valencia.
EDUARDO HURTADO. ARRULLOS Y ESCONDITES
Las flores tienen su lengua para los enamorados
Federico García Lorca, Doña Rosita la soltera o El lenguaje de las flores
Lo que soporta. Lo que agarra. Lo que abraza. Lo que pellizca. Lo que toca. Allí donde hubo nudos y amarres hoy hay piezas metálicas que atraviesan y penetran. Lo que fueron cuerpos tendidos en mitad de un bosque en éxtasis, ahora son formas que se pliegan y se repliegan. Donde hubo cuento, relato, narrativa, ahora hay una voz que susurra, un trino, un canto. Dentro, cerca, pequeño. ¿Conoces esa historia de quien cayó de sus propias manos en un sueño porque alguien invirtió los cristales del mundo, y de esa manera extravió su nombre?(1).
Tras una estancia en el bosque algunas de las esculturas que se encontraron con el monstruo (2) y bailaron al son de danzas fantásticas han vuelto al entorno de lo doméstico, a la casa, el hogar. Desde la noción de lo entrañable y lo hogareño, escribe Freud, se desarrolla el concepto de lo sustraído a los ojos, lo oculto, lo secreto (3). Arrullos y escondites.
La formación escultórica de Eduardo Hurtado siempre había buscado en esa disciplina la capacidad de sostener. Coleccionando objetos de uso cotidiano encontrados en mercadillos y tiendas de viejo, los objetos se recomponían con los cuerpos de otros mediante ataduras y nudos. Ahora sólo se sostienen unas sobre otras como la maroma sujeta al funambulista genetiano, tocándose. El ejercicio reflexivo que desplaza al sujeto hacia un lugar entremedias. Tocarse los unos a los otros en un intento de dejar de ser y dar paso a lo otro (4).
En este viaje desde el bosque al lugar de la morada, las esculturas se han desnudado de especias y adornos para encontrarse con otros elementos que pertenecen a la ornamentación de lo doméstico, el jardín y las alfombras.
Replegando y plegando, las alfombras se comportan como pequeñas formas en las que habita el tiempo-ahora. Decía Deleuze que “plegar-desplegar ya no significa simplemente tensar-destensar, contraer-dilatar, sino envolver-desarrollar, involucionar-evolucionar. El organismo se define por su capacidad de plegar sus propias partes hasta el infinito, y de desplegarlas, no hasta el infinito, sino hasta el grado de desarrollo asignado a la especie” (5) Si las esculturas son fruto de un encuentro, los dibujos, fotografías y pinturas que aparecen en esta muestra son un viaje hacia lo íntimo y lo pequeño. Flores que polinizan y germinan, se esconden entre los setos y brotan sobre el lienzo. Mientras, un canto de pájaros se oye en el jardín. Y “el jardinero cava en otro tiempo, sin pasado ni futuro, principio ni fin. Está en un tiempo en que el día no se divide en horas apresuradas, pausas para el almuerzo ni en el horario del último autobús para volver a casa. Al caminar por el jardín uno está en ese tiempo, nunca es posible recordar en que momento exacto se ha ingresado en él. El paisaje a nuestro alrededor se transfigura” (6) Como ocurre aquí, entre arrullos y escondites. Una partitura de una nana que conjura el miedo y alerta del peligro con ternura. Duérmete, niño, duerme.
Jesús Alcaide. 2020
(1) Espaliú, Pepe. La imposible verdad. Textos 1987-1993. 2018. (2) Hurtado, Eduardo. Oh, monstruo. Centre del Carme. 2019. (3) Freud, Sigmund. Lo ominoso. Obras completas. 1976. (4) Conde-Salazar, Jaime. El fulgor (notas para una dramaturgia). Lo tocante. 2018 (5) Deleuze, Gilles. El pliegue. 1989 (6) Jarman, Derek. Naturaleza moderna. 2019
Inauguración: Viernes 9 de octubre de 2020 a las 20:00 h
INTERLUDIO EN UNA JAM SESSION
Continuamente estamos tomando decisiones que conllevan unas determinadas consecuencias, todas ellas forman un conjunto de ideas que definen parte de nuestras realidades objetiva y figurada, muchas de estas providencias son planeadas, intuitivas o también impuestas por nuestro modo de vida o el entorno en el que cohabitamos. Con la suma de cada individualidad se forma la colectividad, vivimos en grupos que forman multitud, a medida que se amplían nuestras relaciones podemos poseer un alto grado de identidad sin una composición moral y social estructurada o sin orden. A medida que surgen las comunidades, vamos dibujando un entorno complejo donde la adición de las decisiones de cada individuo de la masa, afecta a nuestra interacción con el medio y construye nuestro contexto, en la representación de esto último, se confirma y nos publicita el inconsciente colectivo, los arquetipos arquitectónicos, urbanísticos o el mobiliario público, nos condicionan como establecer las relaciones entre los demás. La observación y el análisis de las conductas sociales y la correspondencia entre sus señales, determinan el arbitraje en mi proyecto artístico. Mis trabajos están formados por un conjunto de decisiones persistentes, concretas e intuitivas, que persiguen la dilucidación de las relaciones espaciales en el curso de la línea. La aleatoriedad de las diferencias emergentes entre la línea y el plano, configuran el inconsciente subyacente de una red compleja llena de individualidades. Normalmente percibimos la geometría por la similitud de sus formas con el triángulo, el cuadro o el círculo, en mis trabajos éstas son elementos arcaicos, consecuencia del empeño en traducir el espacio de forma simplista. Es el seguimiento del curso de una línea de predeterminadas condiciones, la que nos hace encontrar su orden comunitario y su singularidad, aunque todas estén determinadas por las mismas pautas.
José Miguel Chico López
José Miguel Chico López (Linares, 1967) es licenciado por la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano de la Universidad de Granada en 1991 y Doctorado en Historia y Artes por la Universidad de Granada en 2018. Su trabajo artístico está vinculado a su obsesión por la separación Arte-Sociedad. Ha realizado más de veinte exposiciones individuales en sus veinte años de trayectoria profesional en diversas galerías y salas institucionales y también ha expuesto sus trabajos en algunas ferias de arte internacionales como ARCO Madrid, SCOPELondon BALELATINA, Basilea, ARTEFIRA Bolonia. Su trabajo está representado en numerosas colecciones públicas y privadas como las del CAC Málaga, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Fundación Luciano Benetton. Fundación Coca-Cola España, Museo Zabaleta y las Universidades de Granada y Juan Carlos I, Madrid, entre otras
Desde 2013, Chico López ha utilizado su álter-ego USTED para desarrollar aspectos sonoros y videográficos dentro de su obra artística. En 2016 grabó su primer LP “Dios” con la productora granadina Grupo de Fe. Basándose en un desarrollo geométrico aleatorio que produce su obra gráfica y sonora, edita vídeos-animados que presenta junto a sus performance sonoras. Las ha presentado dentro del programa Openstudio 2014 en Madrid o en la celebración del centenario del nacimiento de José Guerrero “Apertura en Negro” para el centro que lleva su nombre en la ciudad de Granada.
