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Galerías de Arte que están en Málaga.

TATIANA ABELLÁN – A PERPETUIDADTATIANA ABELLÁN –

30 viernes Dic 2022

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TATIANA ABELLÁN

A PERPETUIDAD

Comisariada por Juan Francisco Rueda


22.12.2022 – 27.1.2023

A perpetuidad se constituye como una suerte de retrospectiva del trabajo que viene desarrollando Tatiana Abellán desde 2012, caracterizado, en gran medida, por la alteración material de fotografías antiguas que, devenida manipulación semántica, le permite operar en distintos registros interdependientes: la certeza de la fragilidad tanto de la vida como de la memoria, construida ésta, en ocasiones, mediante indicios del pasado como la imagen fotográfica; el ensayo de la alteridad y la fabulación –los relatos ficcionales que proyectamos- a partir del cotejo de esas imágenes; así como la puesta en práctica de un ejercicio metafotográfico, una sutil y rigurosa, para con la historia de este medio, revisión y visitación de elementos y nociones constituyentes de esta disciplina que adquieren en nuestra contemporaneidad una absoluta pertinencia. No deja de ser curioso cómo sus dos últimos proyectos, A perpetuidad y Recibo la tuya, que se mostrarán por primera vez en esta exposición, en los que se aleja de la imagen fotográfica para adentrarse en una enunciación otra de la memoria, concretamente a través de la palabra, ya sea de los epitafios de lápidas mortuorias o en la literatura epistolar desarrollada a través de cientos de cartas manuscritas que Doña Elvira Sánchez de la Orden Castrillo de Cavia le escribió a su prometido, Juan Peris Masip, entre 1896 y 1902, detonan este viaje por una década de creación y reflexión en torno a la fotografía. La disolución de la imagen en estos últimos proyectos ha permitido –diríamos que como lógico efecto- recuperar numerosos proyectos anteriores en los que precisamente operaba sobre la precariedad, lo efímero y la disolución material de las imágenes fotográficas. En todos ellos, de los cuales comparecen aquí cinco (La imagen que resta, Memoria líquida, La niebla de la memoria, Cinerarias y Encarnados), la imagen fotográfica nunca desaparece por completo, sólo se transforma. Tal vez sea una metáfora de los recuerdos, que no desaparecen sino que se transforman, actuando la memoria no sólo como repositorio, sino como agente reconstructor. Asumámoslo, fotografía y recuerdos, aunque frágiles, son inextinguibles, nos acompañan a perpetuidad.

Juan Francisco Rueda

SAVE THE DATE / MALAGA GALLERY WEEKEND 2022

16 miércoles Nov 2022

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PROGRAMA GALERÍA

Los modos de la luz, exposición dúo de Cybèle Varela y Pepa Caballero, comisariada por Isabel Garnelo y Carmen Cortés

 

                                          JUEVES 17

– 19:00 Visita guiada por las comisarias de la exposición, Isabel Garnelo y Carmen Cortés.
 

                                         VIERNES 18

– 17:30 a 19:00 visitas guiadas por alumnos del programa Apuntes de Arte (reservar en la galería)

– 19:30 Mesa redonda Mujeres artistas de los 60 y 70 en las dos orillas. Cybele Varela y Pepa Caballero, dirigida por las comisarias de la exposición, Isabel Garnelo y Carmen Cortés. Participan Cybele Varela, artista; Rocío de la Villa, crítica, docente y comisaria, y Lourdes Moreno, directora del Museo Carmen Thyssen.
 

                                         SÁBADO 19

– 11.30 Presentación de Queens, una baraja de mujeres reales, de la artista Blanca Montalvo, por María Jesús Martínez Silvente.




Aquellas personas que realicen el circuito completo de visitas de exposiciones en las galerías de la Asociación recibirán un documento con espacios habilitados para ser sellados por cada una de ellas, con el que podrán solicitar  entradas gratuitas para el  Centre Pompidou Málaga, Museo Ruso, el Museo Casa Natal Picasso, y este año también para el Museo Carmen Thyssen de Málaga. Estas entradas tendrán validez durante un mes a partir de la finalización del evento.

Inauguración – Los modos de la luz. Cybèle Varela y Pepa Caballero.

10 jueves Nov 2022

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Los modos de la luz

Cybèle Varela / Pepa Caballero


Comisariada por Isabel Garnelo y Carmen Cortés


Viernes 11 de noviembre 2022, 19:00 h  /


11.11.2022 – 16.12.2022

Podría parecer extraño reunir en una misma exposición posiciones pictóricas que han estado enfrentadas históricamente como el Pop y la Abstracción. Con la intención de tomar esta circunstancia como un reto, la galería Isabel Hurley convoca a dos creadoras, Cybèle Varela (Petrópolis -Río de Janeiro, Brasil- 1943), reconocida artista del Pop brasileño, y Pepa Caballero (Granada, 1943 – Málaga, 2012), artista española que ha trabajado en el campo expandido de la abstracción hasta su fallecimiento. Varela ha estado vinculada al Pop latinoamericano y al tropicalismo. El deseo de estas prácticas de distanciarse del Neo-concretismo brasileño supuso un gesto de ruptura, similar al que se otorga al Pop Art americano en relación con la abstracción de la Escuela de Nueva York. Estos movimientos fueron hegemónicos entre 1959 y 1961. 

Las condiciones históricas, como es lógico, establecen una distancia entre las artistas, aunque las hermana tristemente por el hecho determinante de vivir bajo una dictadura que, tanto en Brasil como en España, marcaba el clima político de aquellos años. Este punto nos parece crítico en el encuentro entre Varela y Caballero, pues nos interesa dilucidar qué ha representado la práctica de cada una de ellas en el contexto artístico en el que la han desarrollado. 

Varela, desde muy joven, despliega una trayectoria internacional. Se formó en Río de Janeiro y en París, donde fue becada y participó en importantes exposiciones colectivas. Conectó con los movimientos internacionales como el Pop británico y americano o el Nuevo Realismo francés. Pese a ello, no ha sido debidamente estudiada ni inscrita en la historiografía de estos procesos, en los cuales trabajó en el momento de su eclosión, en ciudades que vieron un enorme desarrollo pictórico y teórico entre los años 1959 y 1964.

Por su parte, la artista española Pepa Caballero siguió diferentes caminos en su búsqueda artística, pero podríamos destacar su constancia como buena representante de la Abstracción Geométrica en Málaga y, por ende, en España. A pesar de ello, tampoco ha sido considerada en el contexto de los movimientos abstractivos nacionales. 

Ambas pintoras comparten, desde el inicio de sus carreras, una imparable actividad expositiva y, por lo tanto, productiva, aunque los planteamientos y el modo de afrontar cada una de ellas el hecho creativo es, sin duda, muy diferente. 

Para Varela lo importante es la idea y las imágenes a las que la elaboración plástica de la idea pueda dar lugar. Esta no es la única vinculación que podemos encontrar en su trabajo con los preceptos del arte conceptual. Durante varios años creó en torno al mismo tema, dejando que las imágenes impusieran sus propios relatos. Las soluciones así obtenidas han dejado constancia de la importancia conceptual de la tecnología aplicada. El uso de la fotografía y el vídeo, por ejemplo, ha sido una experiencia necesaria para favorecer nuevas especulaciones; entre otras, le ha permitido introducir el cuadro en la fotografía, como hace en sus pinturas con el cuadro dentro del cuadro, o para profundizar en su interés por la imprecisión de las imágenes. 

Pepa Caballero sigue un proceso creativo de progresión no lineal hacia la Abstracción Geométrica. En su caso, el interés por la superficie es absolutamente claro. La delimitación de los preceptos representacionales para incidir en la luz y el color, desde perspectivas tanto constructivas como analíticas, es el eje principal de su trabajo. El signo plástico y el resultado de la superficie son parte inseparable del contenido de la obra. Observamos la homogeneidad del pigmento aplicado con precisión sobre la tela, las divisiones impecables de los campos de color, el trazado exacto de las líneas que cruzan las zonas en que se divide el cuadro, la pincelada y el uso de la retícula. Todo se articula para plasmar una idea por el placer que proporciona el buen hacer.

En esta exposición podemos contemplar obras de Pepa Caballero que van desde finales de 1999 a 2002, una de ellas de la serie Trilogía, titulada Planos cortados por el oro de Fra Angélico (2002), las otras obras, sin título, realizadas en 1999 y 2000, pertenecen a la serie Mediterráneo. Las obras de Cybèle Varela fueron realizadas en épocas diversas. De la serie Solares, presentamos dos piezas, con el mismo título, Image, de 1975. De la serie Images, tres obras, con título Cascatinha e Image, del año 1985, y del año 1986, de nuevo titulada Image. Del final de la década siguiente, exponemos el díptico The Artist 1 (1999). El vídeo que exponemos se titula Transfer, realizado entre 2010 y 2013.

Pepa Caballero estudió en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Granada y en la Escuela de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría en Sevilla. Por su parte, Cybèle Varela se formó en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y más tarde en l’École du Louvre y en l’École Pratique des Hautes Études de la Sorbona.

Isabel Garnelo y Carmen Cortés

LA TRAMA DEL SÍ MISMO Y EL OTRO – FEDERICO MIRÓ

03 jueves Nov 2022

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LA TRAMA DEL SÍ MISMO Y EL OTRO

FEDERICO MIRÓ

Inauguración: viernes 28 de octubre de 2022, 20:00 h.

Federico Miró viaja con los nazarenos de Málaga al encuentro de los samurais de Kioto, desde su propia tierra e identidad a la comprensión del otro como sí mismo. Una misma trama nos envuelve a todos, a nosotros que transitamos con diferentes ropajes y en diferentes paisajes, que no son más que ropajes y paisajes al fin y al cabo. Pero es en esta síntesis estética del artista donde cobran una importancia antropológica, porque desplazan la mirada a lo esencial, a la norma, a las convenciones que regulan nuestras prácticas en ausencia de rostros individuales. Se pone a un lado como telón de fondo nuestra religación con la Naturaleza y al otro lado las telas étnicas.

Ya en su anterior proyecto, se había aproximado a la cultura japonesa, inspirándose en el artista del siglo XVIII Utagawa Hiroshige y sus series de ukiyo-e. Ahora ha sido “touché” por un cuadro entre las cientos de obras que vio en la exposición “Japón. Una historia de amor y guerra”. Se trata de una escena que relata la salida de Okaru de la casa de Kanpei y pertenece al escritor y pintor Keisai Eisen (1790-1848). Coincidencia curiosa: Keisai era tan samurai como Federico Miró nazareno. Y si vamos a la pintura “pintura” encontramos otra afinidad en el cruce de caminos.

Keisai fue colaborador del gran paisajista Utagawa Hiroshige. Volvemos así mágicamente al primer proyecto de Federico Miró inspirado en Japón. No sólo eso, de la escena representada por Keisai, Miró ha abstraído los personajes, transformando el pequeño cuadro en un gran políptico con una síntesis del paisaje original. El cambio de dimensiones nos sugiere un ejercicio de adentrarse imaginariamente en el lugar del otro a la vez que una indagación obsesiva en el color y la composición venidas de una mirada distinta. Sin embargo, el proceso de abstracción de Federico Miró y la descomposición entre misticismo-paisaje y rito-ropajes, mantienen elegantemente la distancia necesaria para comprender la trama del asunto.

Teresa Calbo

J M g a l e r í a

30ª Feria de Arte Contemporáneo – galeria isabel hurley

12 miércoles Oct 2022

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SAVE THE DATE

ESTAMPA 

30ª Feria de Arte Contemporáneo 


Aideen Barry

Antonio R. Montesinos

Cybele Varela 

Ginger

Walter Martin & Paloma Muñoz



Stand / Booth 5B21
13 – 16 de octubre / October 13th -16th 
IFEMA, Feria de Madrid
Pabellón 5
Horario / Opening hours
13 de octubre de 11 a 20 h / October 13th from 11am to 8 pm
14 -16 de octubre de 12 a 20 h / October 14th – 16th from 12 pm to 8 pm

Galería Isabel Hurley
Paseo de Reding, 39, bajo izquierda 29016
Málaga
www.isabelhurley.com
+34 952 223 895
info@isabelhurley.com

Conversaciones con Goethe – LAURA BRINKMANN

09 jueves Jun 2022

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Conversaciones con Goethe

LAURA BRINKMANN

Inauguración: Viernes 10 de junio de 2022, de 20:00 a 22:00 h.

Premio a la Producción Artística 2021

Sombras coloreadas

Que la fotografía tiene mucho que ver con la química es algo ya extendidamente estudiado. Que, de alguna manera, se relaciona también con la mística, en cuanto a lo que tiene de unión con lo sobrenatural ese afán de recreación imaginal del mundo de sombras que nos rodea, también. El afán creador de cualquier artesano que es demiurgo enamorado de su obra nos remite a la caverna platónica, desde la que observamos, emulamos y fabricamos realidades.

Anna Atkins fue una botánica e investigadora que consiguió captar plásticamente la sombra que marcaban las algas y especies vegetales que estudiaba, mediante la técnica, aún científica, de la cianotipia, uno de los primeros descubrimientos protofotográficos. Vanguardistas como Man Ray o Moholy Nagy experimentaron con esa huella que los objetos dejan en los papeles sensibilizados, buscando así una manera de arte experimental, surrealista, marcado por el azar y el inconsciente, sin pretensión formal ninguna.

En este momento histórico de proliferación y perfeccionamiento tecnológico de la imagen fotográfica, en el que el uso tan común y tan repetitivo nos ha llevado a perder, por sobreexposición a dichos estímulos visuales, esa sensación de misterio que da la sorpresa de la novedad en la primera experimentación, Laura Brinkmann vuelve su mirada a la esencia, reseteando siglos de historia, capas de superficialidad y prisa, para saborear con calma el origen y la magia de la fotografía.

Sus imágenes coloreadas registran la huella de la luz, descomponiendo su color mediante la observación y la experimentación.

Conversaciones con Goethe

Las sombras coloreadas son objeto de estudio de Johann Wolfgang von Goethe en su libro Zur Farbenlehre (Teoría de los colores) de 1810. Goethe observó que la intensa luz solar del mediodía produce sobre blanco una sombra negra o gris -o un valor más oscuro que la superficie-, pero que bajo otras condiciones, las sombras serán del color complementario del color de la luz.

Goethe estudió la fisiología del ojo en su adaptación a la luz, insistiendo en fenómenos como la percepción del color. La observación de la relación del tiempo en el que la luz incide sobre la superficie fotosensible que es la retina y los efectos visuales percibidos en contraste, le llevó a determinar su teoría del color a partir de colores complementarios. Su influencia, que fascinó a filósofos y físicos, se extendió a las prácticas pictóricas de impresionistas y románticos. Además, Teoría de los colores no sólo rompe radicalmente con las teorías ópticas newtonianas de su tiempo, sino también con toda la metodología de la Ilustración concerniente al reduccionismo científico.

Las impresiones Lumen del proceso explorado por Laura Brinkmann conversan con estos experimentos del alemán en torno a sombras coloreadas, aplicando distintos tipos de luces proyectadas sobre el papel fotosensible. Los halos coloreados que definen la teoría del color y el círculo cromático de Goethe son punto de partida para crear esos discos o círculos que la obra de Laura recrea gracias a una variedad de herramientas que utiliza durante el proceso fotográfico.

“A veces -explica- utilizo objetos confeccionados específicamente y que deposito en el papel exponiéndolos a diversas fuentes de luz durante minutos, horas y días en los que las sombras se van imprimiendo en el papel. En otras ocasiones, utilizo otros elementos para reflejar y desviar la luz sobre sus superficies”

Durante un año de exploración del proceso Lumen con papeles tradicionales de fotografía en blanco y negro para obtener círculos coloreados, utilizando luz solar o artificial, al igual que en aquellos halos subjetivos que describió Goethe, Laura Brinkmann observa la peculiaridad de cada obra única en la que el azar y la naturaleza dejan su huella creando estímulos visuales, concluyendo con una reflexión acerca de la búsqueda de la luz como modo de crear ilusiones ópticas.

Goethe, frente a Newton, explicó que la particularidad que permite estos efectos está en el ojo, y no en la luz: “el ojo es el que forma el color en las sombras para contrarrestar la intensidad de la luz coloreada”. Evidencia, así, la naturaleza creadora y a la vez distorsionadora de la realidad de un fenómeno físico, basado en las leyes de la óptica y de la naturaleza energética de la luz, que, sin embargo, nos sirve para comprobar científicamente que toda imagen es subjetiva y depende del lugar y las condiciones de percepción. Cuánto deberíamos aprender de esta protohistoria de la imagen fotográfica para volver a definir la condición de veracidad de la misma sobre la que se sustenta nuestra civilización y el imaginario colectivo.

De esta manera, -explica Brinkmann-, “las obras actúan como alusiones. Busco generar nuevas formas de ver explorando la relación entre el mundo físico, el tiempo y la percepción.”

Cromatografías

Podemos identificar también un hilo conductor entre la última serie de Brinkmann, “Capilaridad”, y este proyecto que conecta con el anterior y que crea un estilo y temática homogénea en estos últimos trabajos de la autora. La huella de lo que ha sido, que al final es la fotografía. La marca que deja la esencia. Lo que está en la base fundamental de la materia, del arte, de la pintura, de la imagen.

La cromatografía es “un método físico de separación para la caracterización de mezclas complejas cuyo objetivo es separar los distintos componentes”, la cual tiene aplicación en todas las ramas de la ciencia. Laura utiliza las placas de vidrio que usan los científicos para descomponer los colores de los vegetales con disolvente que hace subir por la ley de capilaridad. Una vez manipulada para que salga todo el jugo y color del vegetal, es una gota destilada de la planta lo que deja su huella colorida, como deja la luz su huella colorida en la serie “Sombras Coloreadas”.


Esta descomposición de color, también aleatoria, es un proceso natural y alquímico que culmina en una obra única no esperada. Esas pequeñas piezas de coleccionista que Laura despliega cual entomólogo, con curiosidad científica y al mismo tiempo con la sensibilidad de quien pretende salvaguardar un perfume, nos hablan también de la huella de lo que es presente en el tiempo circular o kairos de la obra de arte.

La presencia del color, al igual que los motivos fotográficos que podemos ver en parte de su trabajo, desaparece con el tiempo. La muerte del ave, la grieta en el huevo, la pluma, la rama que construye el nido, los sedimentos del agua, la huella de la luz, tienen en común esa impermanencia de cualquier huella de la materia y que es cualidad física y esencial de la vida misma.

Elena Pedrosa

Agradecimientos a Antonio Heredia, científico y catedrático de bioquímica de la universidad de Málaga, y Eva Domínguez, Científica del CSIC.

Laura Brinkmann Reimman (Málaga, 1977) es licenciada en Psicología por la Universidad de Granada y en Comunicación Visual, en la especialidad de Fotografía, por la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo. Ha obtenido el premio Málaga Crea, y los premios a la producción de Iniciarte, Ayuntamiento de Málaga y La Caixa. Ha participado en proyectos expositivos en los Museos malagueños MUPAM, CACmálaga y Centro Cultural María Victoria Atencia; Centro Andaluz de Fotofrafía, Almería; MOCA, Taipei; Piana Dei Colli, Palermo, así como en la Bienal de Jóvenes Creadores de Europa y el Mediterráneo, Skopje, Macedonia. Ha colaborado con el Festival de cine de Málaga y ha realizado numerosas exposiciones en galerías y Centros culturales nacionales. Ha participado en Ferias como Estampa, ArteSantander o ArteLisboa. Actualmente participa en la exposición “Galería de Espejos. 21 miradas andaluzas”, comisariada por Juan Manuel Bonet en el Centro Andaluz de Fotografía con itinerancias en el Museo de Málaga y el Teatro Cómico, en Córdoba.

CATARSIS – Caroline Krabbe

09 jueves Jun 2022

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Localización:
Museo de Nerja
Plaza de España, 4
29780 Nerja, Málaga

Contacto:
952 527 224
museodenerja@cuevadenerja.es

Walter Martin & Paloma Muñoz

07 sábado May 2022

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Blind House 3. Culvert Lake, NJ.

Walter Martin & Paloma Muñoz
Las Casas Ciegas

Jueves 12 de mayo 2022, 18:30 h

12.05.2022 – 14.07.2022

Nueva exposición del equipo colaborativo de arte multimedia que un grupo de 14 fotografías de la serie en curso Blind House así como dos nuevas esculturas, una de pequeño formato titulada Splitting, 2022 en referencia a la obra del mismo título que creó Gordon Matta-Clark en 1974, y una espectacular escultura de realidad aumentada titulada The Bird House, 2022. Las obras de la exposición retoman el tema del aislamiento de la cuarentena: la soledad que viene con la “fiebre de cabina” y las nuevas relaciones inesperadas hechas en ausencia de contacto humano.

El centro de esta última exposición es la serie Blind House que se expuso por primera vez en el Instituto de Humanidades de la Universidad de Michigan. «Cada una de estas 17 fotografías de casas a poca distancia de la ciudad de Nueva York ha sido alterada digitalmente para enmascarar las ventanas. Estas casas sin ventanas parecen carecer de almas, no son solo ciegas, como sugiere el título, sino que no tienen ojos». (Sharp, S. R. (2019, abril). Fotografias extrañamente inquietantes de casas sin ventanas. Hyperallergic.com. https://Hyperallergic.com)

La serie Blind House comenzó en 2013 y fue concebida como una metáfora de la opacidad radical necesaria para sobrevivir en la era del spyware, el robo de identidad, el jaqueo mental de las posverdades y noticias falseadas y vigilancia digital corporativa o estatal. Ahora, sin embargo, con más de dos años de pandemia en nuestro haber, esta serie de fotografías se lee menos como una metáfora y más como una serie de opciones reales en un catálogo de búnkeres pandémicos. Recomendamos que los visitantes descarguen la aplicación de móvil Adobe Aero en sus teléfonos antes de visitar la exposición para experimentar la escultura de realidad aumentada The Bird House, 2022.

CENTRO PÁRRAGA

23 miércoles Mar 2022

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CENTRO PÁRRAGA

Del 24.03.22 hasta 21.04.22

EXPOSICIÓN /
UNDER CONSTRUCTION /
JUAN CARLOS ROBLES


Comisariada por Amparo Lozano

ARTE CONTEMPORÁNEO
Sala de Máquinas
Visitas: De lunes a viernes de 9 a 21h.
INAUGURACIÓN: jueves 24 de marzo a las 20:30

El artista plantea simultáneamente la idea de ruina y la de proyecto en construcción para hablar del momento actual de la cultura en el contexto expandido de la  globalización y de la necesidad de dotarnos de lugares de encuentro multiculturales. Para ello se desplaza a nuestro país vecino, Marruecos. Toma como motivo alegórico un edificio en obras que halla en su deambular por las calles de Tánger, el proyecto del Palacio de las Artes y de la Cultura de Tánger. Al registrar ese momento transitorio de la construcción pretende abrir una reflexión sobre los límites, tanto metafóricos como reales, para articular un espacio cultural de encuentro en el que podamos reconocernos a ambas orillas del Mediterráneo. Indaga sobre esa posibilidad de ser al tiempo que constata la fragilidad del cumplimiento de dicho deseo, en un momento violento, convulso y plagado de incertidumbres que afectan a los procesos de identificación individuales y colectivos.

Parte del trabajo de Juan Carlos Robles desde los años noventa se ocupa principalmente de hacer visibles los condicionantes de la formación del deseo, las crisis identitarias en sentido subjetivo y la visualización del paisaje psicológico como una forma de elaboración de estrategias de aproximación al Otro, en el momento actual de globalización massmediática de la cultura. A través de la fotografía, el vídeo, la escultura y la intervención en el espacio público abre una reflexión de carácter sociológico, psicológico, filosófico y político sobre la tensión antagónica que percibe entre el deseo de pertenencia y la fugacidad que impone el habitar en multitud contemporáneo en el actual periodo poscolonial.

TETE ALVAREZ en Galería JM

23 miércoles Mar 2022

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Patchworks

TETE ALVAREZ

Inauguración: sábado 19 de marzo de 2022, de 12:00 a 14:00 h.

JMgalería presenta desde el 19 de marzo Patchworks, una selección de trabajos recientes del artista Tete Álvarez (Cádiz, 1964) en los que ahonda en su interés por desentrañar el papel que desempeñan las imágenes en la construcción de la esfera pública, política y social. Tete Álvarez abunda en la línea de trabajo que ya trazara recientemente en el C3A con Escenografías (2021) para concentrar su mirada en la iconografía que decora la escena de la diplomacia internacional y de la representación política.

Ya desde sus primeros trabajos, a principios de los noventa, Tete Álvarez ha elaborado un corpus de obra que asume el protagonismo de los media y las nuevas tecnologías de la información en la configuración de una realidad que de manera progresiva ha ido suplantando a la de la experiencia cotidiana. Y su obra justamente lo que hace es “señalar esa deriva, desvelar el artificio de la impostura, camuflarse en el código discursivo e inocular una pausa”. Para Ángel Luis Pérez Villén, autor del texto crítico que acompaña a la exposición y uno de los mejores conocedores de la obra del artista gaditano, Tete Álvarez es “uno de los artistas españoles que con mayor acierto y hondura trabajan en torno a la problemática de la imagen mediática y su repercusión en el campo social y político”.

Una imagen que desde los inicios se ha reclamado siempre mestiza, “a mitad de camino entre la fotografía y el vídeo cuando se constituía físicamente como aquella y con las cualidades conceptuales de la fotografía cuando se materializaba como vídeo. Y de un desplazamiento al contiguo, de la escultura a la instalación y de vuelta a esta sin descartar la atracción por la desmaterialización, por las tecnologías de la imagen, por el net.art. Desde hace años su trabajo se significa por su celo improductivo, por su negativa a generar más imágenes, a engrosar el acervo iconográfico mediante la creación de nuevas representaciones que supongan un añadido a las ya existentes. Prefiere servirse de las existentes, de las que colmatan a diario los canales de distribución de los media, de las que se alojan en las esquinas de la red. Y con ellas hilvanar una proposición –una promesa de relectura- que se añade a la adherida en origen y que termina poniéndola en cuestión, desvelando su narrativa y los intereses que viene a servir”.

Dos son las temáticas fundamentales de la obra de Tete Álvarez en opinión de Peio Aguirre, por un lado, “la artificiosidad estereotipada de las imágenes no ya de la política, sino de la representación de lo político; por otro, la afectividad que toda imagen mediática tiene hoy en día introducida en los dispositivos más inmediatos a la gente (teléfono móvil, televisión, redes sociales)”. Y tanto una como otra se manifiestan con nitidez en las obras que despliega en los espacios de JMgalería. En esta ocasión Tete Álvarez focaliza la atención en aquellos detalles organizados protocolariamente que envisten de oficialidad y representatividad los actos diplomáticos. “El protocolo como forma y horizonte último de lo político”.

Patchworks, (2022), la obra que también da título a la exposición, es una instalación de impresiones sobre textil que reúne fragmentos de imágenes que componen una estampa mayor en la que cada uno de los insertos repite el motivo para crear un efecto no tanto acumulativo como monocorde. Sensación que se transmite y potencia con la presencia e insistencia de un motivo: zapatos, generalmente masculinos, sobre alfombras. Aquellos negros, si no oscuros y sin veleidad alguna en el diseño y estas reproduciendo una tipología básicamente floral y ornamental que conduce por densidad y reiteración al aturdimiento o cuando menos a la dispensa por el privilegio de la exclusividad. Estas alfombras y este calzado constituyen los elementos visibles de las escenas -extraídas de entre las imágenes que proporcionan los propios gobiernos y cancillerías a través de la plataforma Flickr- con las que se representa la iconografía asociada al poder político.

Angie, (2019) despliega como si de una carta de colores Pantone se tratase innumerables fragmentos de imágenes de la chaqueta de la excanciller alemana Ángela Merkel. Un motivo, para Pérez Villén, “en apariencia anodino pero que suscita un interés significativo en las redes sociales. Su atuendo; mejor dicho, la reiterada costumbre de repetir modelos en sus comparecencias públicas provocó su conversión en meme. Lo que hace el artista mediante un display que se ha hecho habitual en algunas de sus series –marcar el perfil del motivo principal de la representación o trazar con la obra una cota en el espacio expositivo- es señalar la paradoja de dicho fenómeno, evidenciando el fracaso promisorio de las nuevas tecnologías de la comunicación: los media como arma de disfunción comunicativa , o como afirma Peio Aguirre, “las redes sociales como arma de distracción masiva… No sorprende que los anteriores apologetas de la revolución tecnológica sean ahora sus mayores críticos” .

En Red Carpet, (2022) y Grey Carpet, (2022) la mirada se agudiza y se concentra en la parte inferior de las imágenes protocolarias: zapatos y moquetas que se presentan sobre un mosáico de azulejos cerámicos. Esta presencia ha dejado de punzar en la composición, como sucedía en Atrezzo, y pasa a detentar el protagonismo sobre un fondo de moquetas rojas y grises. Ambas series apuntan, según Pérez Vilén, “a la uniformidad en la representación de lo político, en cuya configuración se disuelve la identidad del individuo, se unifican los intereses estéticos -zapatos cerrados, oscuros- y se evidencia la faz masculina del poder. Frente a la ductilidad cromática de las chaquetas de Ángela Merkel nos encontramos con el talante bruno con que se calzan los mandatarios mundiales”.

En Official Portrait, (2017) la intervención sobre la imagen matriz va más allá de su selección analítica y encuadre. Las figuras que aparecen centradas en la escena –retratos oficiales de altos mandatarios de la política internacional- han sido veladas totalmente por una mancha negra que reproduce su forma. No es la sombra, para Pérez Villén, “propiciatoria y redentora de Tanizaki , cargada de posibilidades, algunas adversas, cierto, pero también positivas en potencia y seminales en el florecimiento de la belleza; más bien se trata de una oscuridad nociva para el progreso, la transparencia y la luz. No es la sombra que aniquila la identidad del individuo, la que le priva de su libertad y derechos como persona, no es la sombra de los inmigantes que retrata Eric Aupol, es la sombra que solapa y niega cualquier atisbo de singularidad o empatía y que como contrapartida ofrece la masa negra de quien figura como acreedor de unos símbolos –banderas- que terminan diluyéndose en el opaco concierto coral de la globalidad. La primera versión de Atrezzo, (2014), consistente en una serie de cibatrans (fotografías en cajas de luz) que representan escenarios de diferentes encuentros entre mandatarios, se mostró en Desplazamientos, la anterior y primera muestra individual de Tete Álvarez en la JMGalería, donde ahora concurre con una versión en video monocanal: Atrezzo, (2019). El planteamiento es el mismo, pasando de la imagen fija de la fotografía al movimiento y solapamiento de los sucesivos insertos de vídeos y audios de dichos encuentros. Imágenes y sonidos que provienen de los repositorios que los gabinetes de comunicación y que configuran un collage compuesto por fragmentos que se centran en los exornos florales que decoran las reuniones bilaterales, audiencias y entrevistas de altos dignatarios políticos extraídos de los canales de YouTube de instituciones como el Consejo de la Unión Europea, 10 Downing Street, White House, Bundestag, Quirinale, Palazzo Chigi, Moncloa, etc.

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