Santa Águeda en el burdel. Una performance de DELIA BOYANO en JMgalería

 

 

Santa Águeda en el burdel

Una performance de Delia Boyano

 

Sábado 25 de mayo a las 20:00 h

J M g a l e r í a

 

Delia Boyano: primera artista en participar en JMenvivo

 

El próximo sábado 25 de mayo, a las 20h., Delia Boyano realizará la performance Santa Águeda en el burdel, en JMgalería dentro de la programación de JMenvivo.

La artista malagueña será la encargada de inaugurar el proyecto JMenvivo, un programa de performances y live art en paralelo a la programación expositiva de JMGalería, que está dirigido por Marc Montijano y coordinado por Susana Hermoso-Espinosa.

La obra Santa Águeda en el burdel forma parte de After Zurbarán, un proyecto en el que Delia Boyano reinterpreta en clave de performance la serie de lienzos de Francisco de Zurbarán  (1558-1664) conocidos como Las Santas, en los que el pintor barroco representa a dieciocho mártires cristianas en su transición al Paraíso. Las performances del ciclo centran su interés en la relación que se establece entre el cuerpo de las mujeres y los objetos de tortura que portan en las manos, pues estos son símbolos duales, al mismo tiempo puentes a su santidad pero también a su muerte. En Santa Águeda en el burdel, Boyano actualiza el retrato de Santa Águeda, a la que Zurbarán pinta con una bandeja en la que reposan sus senos cortados.

Durante esta temporada expositiva, se realizarán dos performances vinculadas al actual proyecto expositivo Los sueños de Dante, que dialogarán con el espacio y las obras expuestas en la galería.  A partir de septiembre, a lo largo de la próxima temporada, este proyecto continuará con varios artistas invitados. Consolidándose como parte de la programación habitual de la galería y con la intención de convertirse en un referente y puntal dentro de la performance actual.

Dentro de JMenvivo,  se programarán diferentes manifestaciones de arte vivo o live art, desde las más experimentales a las más clásicas. En el arte en vivo los géneros se confunden y se hibridan. Es un arte que está mutando continuamente, el live art puede ser danza, teatro, música, perfomance, activismo, poesía, diversas prácticas multimedia, etc, pero sin categorías cerradas, un universo trasfronterizo, que se abre a mil influencias y corrientes actuales.

Delia Boyano López de Villalta (Málaga, 1994) es Graduada en Bellas Artes (2016) por la Universidad de Málaga, y en 2018 terminó el Máster en Performance Design and Practice en Central Saint Martins College of Arts and Design, UAL (University of the Arts of London). Actualmente cursa el grado en Historia del arte por la UNED. Destacan sus dos exposiciones individuales, La corona de la Reina (Sala de exposiciones de la facultad de Bellas Artes de Málaga, Málaga, 2017) y The Cucumber Sandwich Club (ColumnaJM, Málaga, 2017), ambas coordinadas simultáneamente por la Institución Académica y la JMgalería como parte de un mismo proyecto comisariado por la profesora de la UMA, Blanca Montalvo. Además, ha sido seleccionada para participar en diferentes exposiciones grupales, como es el caso de la exposición de arte digital y nuevos medios en el I Congreso Internacional Atenea (Salas de la UPV, Valencia, 2018), Cómo se Cuentan las cosas (Sala de exposiciones de la Facultad de Bellas Artes de Málaga, 2017), A minute Ago (Zabludowictz Collection, Londres, 2018), 10 fugas (Salas Rectorado UMA, Málaga 2017), MA Work in Progress exhibition (Central Saint Martins, Londres, 2016), o La Chistera (MAD, Antequera, 2016).  También ha podido disfrutar de residencias europeas, como la residencia creativa de Central Saint Martins College of Art and Design en Inteatro Villa Nappi (Polverigi, Italia) en 2017 y 2018, y la residencia para artes escénicas en el Rabbithole Theatre (Atenas, 2017).

 

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Aideen Barry. Everything Changes, Nothing Perishes.

 

 

Time Bends (detalle / detail) Instalación de dibujo y vídeo / drawing and video installation

 

Aideen Barry
Everything Changes, Nothing Perishes

Viernes 31 mayo 2019, 20:00h

Omnia mutantur, nihil interit, verso de La Metamorfosis de Ovidio, es una imagen metafórica de la inmortalidad, pero no referida al disfrute de la juventud o la vida eternas sino a la pervivencia del espíritu, de una u otra manera. Con un enfoque histórico, podría aplicarse a nuestra inevitable predisposición a repetir constantemente los errores y las locuras del pasado; Asímismo, extrapolarse al auge de la ideología conservadora en el cuerpo político y en la esfera de lo cotidiano, y a nuestras propias fallas e incapacidad para prevenir el desastre, lo que deviene en una especie de círculo vicioso, condenados a la repetición ad infinitum, como Sísifo.

Esta es una noción por la que Aideen Barry se siente atraída reiteradamente en su práctica creativa. La idea de la banalidad de la tarea y el absurdo de la repetición, premisas que artísticamente materializa en un complejo proceso de acciones controladas y captadas en un momento dado, que se plasman en una especie de ilusión óptica de movimiento; en una ficción visual de curvar el tiempo y el espacio en sus vídeos performativos. La propuesta presenta audiovisuales con escenas de movimiento perpetuo y espejismos, formadas por miles de fotogramas tomados durante un largo período para transformar a la artista / protagonista en un autómata, imagen metafórica esta vez de la mujer trabajadora y receptáculo de reproducción, involucrado en la sobrecarga de trabajos que nunca terminan. propios de este género en tanto que seres funcionales. Obras como Time bends, visualizan ese retorno al mismo lugar pese a las constantes transformaciones. Para Barry este es un tropo feminista que emerge en su práctica, utilizando el humor como un acicate para generar debate sobre los roles de género y cuestionar el mundo heteronormativo.

Junto a ellos varios trabajos de dibujo y animación interactivos que refuerzan la idea de cambio, evolución, revolución y retorno. Hay un obvio guiño a la antigüedad en este exposición, cuyas obras glosan temas como lo monstruoso y lo fantástico, fusionados con la tecnología de vanguardia y los enfoques experimentales para el video y el sonido entrelazados.

 

 

 

Siete Performances o Nueve.

 

 

Sesión de performance
Comisariada por Joaquín Ivars

 

Viernes 24 mayo 2019, 19:00h

SIETE PERFORMANCES, O NUEVE

Por segunda vez presentamos en la Galería Isabel Hurley un conjunto de obras de artes de acción. En este caso, y dado que los números nos bailan, tendremos entre siete y nueve performances; llamémosles así. Unas tendrán un interfaz mediático y otras serán absolutamente presenciales. Los orígenes de sus autores son diversos, España, Brasil, Italia, Chile y tanto eso como el género, como la edad, también nos bailan; no estamos obnubilados por los detalles pero las biopolíticas y sus consecuencias nos quedan cerca, las circunstancias inscritas en el cuerpo nos hablan por más que queramos abstraernos de lo que la materia nos cuenta.

Cada autor/a de origen diverso y con un background absolutamente personal nos trae un destilado de su incipiente producción performativa. Aquí no hay marco que nos “salve”, aquí el arte se propone, ni se expone ni se impone, porque todo eso también nos baila. Compartiremos un rato, “bailaremos” juntos y luego autores y espectadores marcharemos a casa, o a otro lado. Algo habrá ocurrido, algo quedará en nuestras retinas y quién sabe si en nuestras conciencias. Dicen que la retina pertenece al Sistema Nervioso Central… ¿por qué no? Pero claro, no es un arte retiniano, la performance es un instrumento, una herramienta, un útil que toca nuestro cuerpo en todos lados, que toca nuestras mentes y nuestras emociones a través de otros mecanismos…

No voy a destripar sus acciones, los autores nos dan escuetas pistas en sus breves textos que a continuación podemos leer con la gracia de las diferencias lingüísticas en unos casos y en todos ellos con la intención puesta en que no podamos, no sepamos, descifrar su trabajo. Sus acciones son indescifrables porque no son una cifra, no se corresponden con un cifrado que haya que explicar o desplegar. Hay que compartir lo que allí ocurre, entrar hasta el fondo con ellos. La performance es un modo genuino de vivir la experiencia, desde dentro y desde fuera; desde todos lados nos llega y en todos nuestros puntos roza. Pero no nos confundamos, es una experiencia que ya no se quiere fruto del absurdo, del capricho, como en otros tiempos ocurrió. Aquí las acciones se sienten y se piensan; se articulan los movimientos del cuerpo con los flujos del pensar. Nadie domina porque todos somos dominados, lo queramos o no. La fragilidad de las acciones y de sus autores es lo que nos acerca. Acérquense, bailen con ellos, compartan sus temblores, acudan a acompañarnos en este viaje que nos llevará lejos en un trayecto que apenas dura unos minutos y en el que no existe ningún destino.

Joaquín Ivars

 

PROGRAMA

Monica Coster
.Una noche en Málaga

Performance: vía streaming

Una noche en Málaga es una performance “en vivo”, transmitida en streaming  desde Río de Janeiro, Brasil. Durante la sesión, mientras miramos la pantalla, los performers: la artista y su compañero, nos transmiten su estancia en el Hotel Málaga, ubicado en el mismo barrio de esa ciudad brasileña donde residen, utilizado para encuentros amorosos de parejas. Desde su entrada en el establecimiento,  justo al principio del evento, los participantes disfrutan de sus servicios y dependencias, compartiendo con nosotros lo que pueda ocurrir en las horas siguientes de sesión. La sugerencia sexual que envuelve el nombre Málaga, la duplicidad de los hechos, la ciudad rediscutida en habitación de un motel: ¿qué hacer en Málaga? ¿Cómo habitar simultáneamente las dos Málagas, interconectadas discursivamente por la imprevisibilidad de la permanencia y del streaming?

 

Luiza Schaefer
.Gran Artista

Performance: vídeo

La obra, grabada y presentada en formato de video mp4, fue concebida como una performance presencial, pero a causa de la distancia entre el actual lugar donde actualmente vive la artista y la consiguiente imposibilidad de desplazamiento, se adaptó a vídeo para que pudiera formar parte de ese evento.

Como el resto de sus trabajos, la performance es una línea que se adentra por su cuerpo, sus sentimientos, sus frustraciones, su intimidad, en consecuencia. Gran Artista es una performance que habla de la dificultad que comporta ser artista, ya que nadie, excepto los propios artistas, sabe cuán difícil es no solo llegar a serlo sino sentirse, mirarse como tal.

 

Azahar G. Castillo
.Film

Performance: presencial

La unión entre mujeres es cada vez más fuerte, más potente, más real… Somos una, y somos únicas. Nuestros cuerpos son los perfectos instrumentos de la vida, son belleza, son amor, son fuerza, son alma, son pasión, son el principio y el final… Son vida.

Nuestros cuerpos son más de lo que creemos, no son solo simples figuras, van más allá. Son la capacidad de transmitir, de comunicar, de ver, de sentir… no necesitamos nada más, las palabras quedan fuera de esta expresión. La simple relación de ambos en esta performance es capaz de decir mucho más que esto que estamos leyendo.

 

Celia Mesa
.Silencio

Performance: presencial

Silencio es y no es silencio… Tu mutismo quedará menguado por mi silencio, quiero que lo conozcas porque mi silencio no es cualquier silencio, es muy especial… Y cuando lo hagas, te darás cuenta de que vivir con él es lo que nunca conseguirás, porque el silencio es mío y solo mío.

En esta performance me acompañará Marta Jurado, ella conoce mi silencio, lo entiende, lo sabe, lo acepta, pero no lo siente, porque el silencio es mío y no puedo compartirlo. Solo yo y yo, porque es mi silencio.

Silencio  no es y es silencio.

 

Alicia Pérez Cobaleda
.Tara

Performance: presencial

Desde hace mucho, llevamos impuestas cargas que van creciendo poco a poco a nuestra costa. Ni recuerdo cuando fui consciente de las mías, solo sé que estoy cansada de llevarlas y de tener que cumplir estúpidos requisitos para tener el gran honor de llevar tan gran lastre. Quizás por egoísmo, por amor propio o solo por pereza, pero no quiero arrastrarme mas con ellas, pese a quien pese, aunque tenga que pasárselas a alguien que ni sepa lo que se le viene encima, pero ¿acaso me preguntaron a mí?

 

Stefano Regosini
.Fiesta

Performance: presencial

La performance se relaciona con una celebración extática, una liberación de sentidos y mente, una exaltada flagelación que busca conseguir el auto-descubrimiento del artista.
.Enigma

Performance: presencial

La segunda performance de este artista busca explorar la importancia del lenguaje no verbal y la complejidad que puede obtener este al atarlo a una trama simbólica.

 

Olivier BuDí

Tensión (en concierto)

Performance: presencial

Se trata quizás de componer… en este caso dos ideas en una. Se propone la tensión del sometimiento corporal y la tensión artística ¿Tendremos un concierto? No vamos a adelantar aquí el trabajo. Alguien nos recordará que otros artistas llegaron antes, sí, claro, pero nunca es al mismo sitio. Cada uno es único y la tensión queda entre los muchos que cada uno somos. Atentos.

 

Arte vivo en JMGalería

 

JMGalería presenta JMenvivo, un programa de performances y live art en paralelo a la programación expositiva que estará dirigido por Marc Montijano y coordinado por Susana Hermoso-Espinosa.

 

Durante esta temporada expositiva, se realizarán dos performances vinculadas al actual proyecto expositivo Los sueños de Dante, que dialogarán con el espacio y las obras expuestas en la galería.  A partir de septiembre, a lo largo de la próxima temporada, este proyecto continuará con varios artistas invitados. Consolidándose como parte de la programación habitual de la galería y con la intención de convertirse en un referente y puntal dentro de la performance actual.

No sólo se trata de performances en un sentido clásico del término, se programarán diferentes manifestaciones de arte vivo o live art, desde las más experimentales a las más clásicas. En el arte en vivo los géneros se confunden y se hibridan. El live art es un concepto más moderno, conectado con los objetivos y la forma de llevar a cabo el trabajo en la actualidad. Es un arte experimental que esta mutando continuamente. Un arte en tensión, en movimiento, que no se queda quieto en ningún sitio, sin géneros tipificados. El live art puede ser danza, teatro, música, perfomance, activismo, poesía, diversas prácticas multimedia, etc, pero sin categorías cerradas, un universo trasfronterizo, que se abre a mil influencias y corrientes actuales.

Como ha indicado Marc Montijano: “Como artista de acción e investigador de la performance, es un proyecto que me hace especial ilusión. Llevaba mucho tiempo con ganas de poder comisariar y dirigir una programación centrada en el arte de acción. Creo que podemos dar visibilidad al trabajo de creadores muy interesantes. La idea es trabajar con artistas de la performance o arte de acción fundamentalmente, pero también daremos cabida a todo tipo de obras de arte en vivo, desde las manifestaciones más ortodoxas a las más crudas y experimentales. Quiero que sea el proyecto que me hubiera gustado que existiera cuando comencé en el mundo del arte. Que sirva de estímulo y trampolín para artistas con propuestas valientes”.

JMenvivo es un proyecto de arte en vivo en paralelo a la programación expositiva de JM galería.  La primera performance que lleva por título Santa Águeda en el burdel, será el próximo 25 de mayo y correrá a cargo de la artista Delia Boyano.

Delia Boyano López de Villalta (Málaga, 1994) es Graduada en Bellas Artes (2016) por la Universidad de Málaga, y en 2018 terminó el Máster en Performance Design and Practice enCentral Saint Martins College of Arts and Design, UAL (University of the Arts of London). Actualmente cursa el grado en Historia del arte por la UNED. Destacan sus dos exposiciones individuales, La corona de la Reina (Sala de exposiciones de la facultad de Bellas Artes de Málaga, Málaga, 2017) y The Cucumber Sandwich Club (ColumnaJM, Málaga, 2017), ambas coordinadas simultáneamente por la Institución Académica y la JMgalería como parte de un mismo proyecto comisariado por La profesora de la UMA, Blanca Montalvo. También ha podido disfrutar de residencias europeas, como la residencia creativa de Central Saint Martins College of Art and Design en Inteatro Villa Nappi (Polverigi, Italia) en 2017 y 2018, y la residencia para artes escénicas en el Rabbithole Theatre (Atenas, 2017).

 

Exposición en UKaMa, Torremolinos: ESTÉTICAS TRANSVERSALES, Páginas y libros de artista

 

 

Exposición en UKaMa, Las Velas 31, Cañada de los cardos. Torremolinos, Málaga

ESTETICAS TRANSVERSALES,  Páginas y libros de artista, 3-17 de mayo 2019, comisariato por Martin Kletzel, Argentina

Inauguración viernes día 3 de Mayo a las 20.00 h

La exposición se puede visitar llamando a  652691644 para cita previa.

 

Luise Haugen en Galería Krabbe

 

20.04.2019 – Sábado / Saturday / Lørdag 12-14 h.

Disfruta del ARTE y de una copa de vino
Enjoy the ART and a glass of wine
Nyd KUNSTEN og et glas vin

(20.04-22.06.2019)

 

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Próxima inauguración de Lía Ateca en la Galería Isabel Hurley

 

Lía Ateca
HMBR (HeMBRa, HaMBRe, HoMBRe)

Jueves 11 abril 2019, 20:00h / 11 de abril – 22 mayo de 2019

 

Este proyecto está construido en base a tres palabras clave: entorno, identidad y feminismo. En marzo de 2017, con motivo del mes de la mujer, la artista inició una serie de acciones, ilustrando camisetas, bolsos y otros tejidos. A partir de ese momento confirió a una serie de frutos la cualidad de simbolizar determinadas ideas.

Tratando de salir del símbolo figurativo y evidente, manteniendo el concepto, carga de conciencia el color naranja, que se corresponde con el universo femenino y feminista. Le interesa con esto salir de la recurrencia hacia banderas ya estandarizadas, entendiendo esto también como una visión artística del mismo movimiento reivindicativo.

Con una cámara de fotos Polaroid 600 fotografía los elementos naranjas que se encuentra a su paso, de manera fortuita, ya que por ser analógica e instantánea resulta mas eficaz como instrumento para hilvanar un relato con cada escena, a modo de bodegón improvisado y crítico.

Estas piezas de pintura o dibujo, construyen paisajes y escenas mediante las que interpreta el entorno y reflexiona sobre su identidad como artista, como mujer y como mujer artista.

En palabras de Marisol Salanova: ” La pintura expandida de Ateca trasciende los soportes más o menos tradicionales, siendo sus herramientas conceptuales, perfectamente empleadas para traducir sus preocupaciones y anhelos al plano matérico.”

Lía Ateca (La Laguna, 1991)

Se licencia en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. A lo largo de su carrera se va interesando por la fotografía, la pintura y el dibujo. Es en Florencia, durante su estancia como alumna Erasmus, donde siente que estas tres disciplinas empiezan a converger y a formar su propia personalidad artística. En ese periodo colabora con sus ilustraciones en revistas como Lungarno.

Su trayectoria artística va de la mano de lo social, coincidiendo con la especialización como profesora de artes plásticas y diseño. A través de la pintura y el dibujo manifiesta su implicación en causas sociales como los derechos de la infancia o el cambio climático y la igualdad de género.

A raíz de sus residencias artísticas en Quito y San Potito Sannítico, Nápoles, su obra se ha transformado en una serie de paisajes más introspectivos. Desde hace aproximadamente dos años viene realizando pinturas que le ayudan a comprender su relación con el entorno. Así, después de un estudio sobre el pensamiento de la sociedad, plasmado en un proyecto de ilustración, se involucra en la interpretación del paisaje a través de un trabajo pictórico cuya narración construye dos discursos diferentes sobre la percepción del lugar que habita. Por un lado estarían las piezas mediante las que formula preguntas y, por otro, aquellas cuyo eje discursivo son las palabras entorno, identidad y feminismo, en las que plasma  las conclusiones del análisis crítico de su relación con el entorno en tanto que mujer y artista, en ambas circunstancias con un compromiso ejercido a través de su obra.

Recientemente, ha expuesto de manera individual en el Centro La Regenta, Las Palmas de Gran Canaria, tras un periodo de residencia; en la Sala de Arte Contemporáneo de Santa Cruz de Tenerife; o en la Galería Manuel Ojeda, y, de manera colectiva, en el Centro Atlántico de Arte Moderno, ambos también en Las Palmas de Gran Canaria.

 

 

Presentación de carpeta en el Hospital Real de la Misericordia, Marbella

 

 

 

María Cañas en Galería Isabel Hurley

 

Principios incuestionables en Galería Isabel Hurley

 

 

Miquel Garcia
Principios Incuestionables

Viernes 15 febrero 2019, 20:00h / Friday, February 15th 2019, 20:00h
15 de febrero – 30 marzo de 2019 / February 15th – March 30th 2019

 

Como destaca el filósofo francés Jean Luc Nancy la idea de mundo comporta siempre  una postulación de unidad, exige la unidad, necesita hipostasiar: considerar algo como una realidad absoluta. En el pensamiento occidental el concepto de “lo uno” es el fundamento que determina todos los demás principios incuestionables, aquellos que Miquel García acerca hegelianamente en esta exposición, es decir, dialécticamente, por medio de la negación. Los niega o mejor dicho los vuelca, mostrando su “negativo”, como si de una película fotográfica se tratara. En esto consiste el juego de su “representación artística”, una representación que parece “prohibirse” a sí misma mientras permite lo “prohibido”, jugando irónicamente con lo “incuestionable”.

Los principios incuestionables, como la lógica y la racionalidad humanas, el nomos y las leyes, están en la base de la modernidad y de su política. Vienen a ser principios de una gobernanza que se desempeña a veces visiblemente y a veces de manera oculta, como nos enseñaba Foucault. Las obras expuestas en esta exposición reconducen a dos campos de gobernanza: la cultura, es decir los símbolos, y la memoria, o sea la representación del pasado. Dos campos de gobernanza y entonces de ejercicio del poder, pero también de resistencia y lucha en los que intervenir, si es verdad aquello que nos dictaba Hölderling cuando escribía “allí donde crece el peligro, crece también lo que salva”.

En esta exposición Miquel trabaja “principios incuestionables” a partir de  la alteridad y de la ausencia/presencia. Se posiciona en el umbral entre lo que hay o ha habido, y una posibilidad otra y distinta. Presenta y retira. Trata temas oscuros con un toque de ironía que confiere a sus obras el rasgo del humor negro y de acidez. No le asusta lo macabro, ni volver a los grandes temas de la historia, recuperar “los grandes relatos de la modernidad” como diría Lyotard, aunque sea para “desvirtuarlos”, por medio de un detournement, en objetos de uso cotidiano. Representar lo prohibido y lo  “irrepresentable” y llevar al arte aquello que raramente el arte puede tratar con lucidez: los temas de la macropolítica. Y esto porque, aunque no debemos olvidar que “el arte no es la política y la política no es el arte”, los artistas no olvidan.

Federica Matelli

Miquel García (Barcelona, 1975)

Miquel García, Barcelona 1975. Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha realizado residencias artísticas en: El Ranchito  (Matadero, Madrid), La Casa das Caldeiras (São Paulo), Dare Dare (Montreal),Chang Dong Art Studio en Seúl (becado por la Unesco- Auschberg). En Axeneo7 (Quebec) becado por el Conca, en MCO arte, Oporto (becado por la Fundación Joan Miró de Mallorca) y en Hangar, Barcelona. En el 2006 recibió la beca de intercambio otorgada por Can Xalant (Mataró) para realizar un proyecto y exposición en Medellín, Colombia. Ha expuesto de forma colectiva en la Galeria Vermelho de São Paulo, La Sala de Arte Joven de la Generalitat, el Casino de Luxemburgo, Stampa, y en las Biennales de Mardin (Turquia) Turku (Finlandia), Vic, Zamora y ALBIAC (Almeria). Individualmente ha presentado su trabajo en el Centro Cultural de Noain, en Angels Barcelona, en The Cooper Union (New York) y el Museo de Arte Moderno de Tarragona. En su experiencia de docente ha impartido talleres con jóvenes en Medellín, Manizales, (Colombia), Bolivia, São Paulo, Palestina, Barcelona, Bilbao y Buenos Aires.