Inauguración Exposición de José Miguel Chico López en JMgalería hoy viernes 9 de octubre de 2020 a las 20:00 h

J M g a l e r í a

• 

De gente en gente

José Miguel Chico López

Inauguración: Viernes 9 de octubre de 2020 a las 20:00 h

INTERLUDIO EN UNA JAM SESSION

                              Continuamente estamos tomando decisiones que conllevan unas determinadas consecuencias, todas ellas forman un conjunto de ideas que definen parte de nuestras realidades objetiva y figurada, muchas de estas providencias son planeadas, intuitivas o también impuestas por nuestro modo de vida o el entorno en el que cohabitamos. Con la suma de cada individualidad se forma la colectividad, vivimos en grupos que forman multitud, a medida que se amplían nuestras relaciones podemos poseer un alto grado de identidad sin una composición moral y social estructurada o sin orden. A medida que surgen las comunidades, vamos dibujando un entorno complejo donde la adición de las decisiones de cada individuo de la masa, afecta a nuestra interacción con el medio y construye nuestro contexto, en la representación de esto último, se confirma y nos publicita el inconsciente colectivo, los arquetipos arquitectónicos, urbanísticos o el mobiliario público, nos condicionan como establecer las relaciones entre los demás. La observación y el análisis de las conductas sociales y la correspondencia entre sus señales, determinan el arbitraje en mi proyecto artístico. Mis trabajos están formados por un conjunto de decisiones persistentes, concretas e intuitivas, que persiguen la dilucidación de las relaciones espaciales en el curso de la línea. La aleatoriedad de las diferencias emergentes entre la línea y el plano, configuran el inconsciente subyacente de una red compleja llena de individualidades. Normalmente percibimos la geometría por la similitud de sus formas con el triángulo, el cuadro o el círculo, en mis trabajos éstas son elementos arcaicos, consecuencia del empeño en traducir el espacio de forma simplista. Es el seguimiento del curso de una línea de predeterminadas condiciones, la que nos hace encontrar su orden comunitario y su singularidad, aunque todas estén determinadas por las mismas pautas.

José Miguel Chico López

José Miguel Chico López  (Linares, 1967) es licenciado por la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano de la Universidad de Granada en 1991 y Doctorado en Historia y Artes por la Universidad de Granada en 2018. Su trabajo artístico está vinculado a su obsesión por la separación Arte-Sociedad. Ha realizado más de veinte exposiciones individuales en sus veinte años de trayectoria profesional en diversas galerías y salas institucionales y también ha expuesto sus trabajos en algunas ferias de arte internacionales como ARCO Madrid, SCOPELondon BALELATINA, Basilea, ARTEFIRA Bolonia. Su trabajo está representado en numerosas colecciones públicas y privadas  como las del CAC Málaga,  Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Fundación Luciano Benetton. Fundación Coca-Cola España,  Museo Zabaleta y las Universidades de Granada y Juan Carlos I, Madrid, entre otras

Desde 2013, Chico López ha utilizado su álter-ego USTED para desarrollar aspectos sonoros y videográficos dentro de su obra artística. En 2016 grabó su primer LP “Dios” con la productora granadina Grupo de Fe. Basándose en un desarrollo geométrico aleatorio que produce su obra gráfica y sonora, edita vídeos-animados que presenta junto a sus performance sonoras. Las ha presentado dentro del programa Openstudio 2014 en Madrid o en la celebración del centenario del nacimiento de José Guerrero “Apertura en Negro” para el centro que lleva su nombre en la ciudad de Granada.

ThePotteryRoom – Galería JM

 

ThePotteryRoom

 

Curro González / Concha Ybarra / Chelo Matesanz

Antonio Godoy / Kookinja / Los Bravú / Carlos Miranda

Juan José Fuentes / MP Rosado / Miki Leal

 

Una exposición comisariada por Jesús Reina

Agradecimientos: Galería F2, Seismasuno, Espacio Olvera y Alarcón Criado

 

Desde siempre y por doquier el hombre ha modelado la arcilla. La cerámica está estrechamente vinculada al ser humano. Para los artistas viene a ser el reflejo de su creatividad y evolución, testigo de sus costumbres, de sus ideas, y espejo de sus obsesiones. El fuego presta al objeto hecho de tierra y agua su perennidad y su dureza, y al propio tiempo su fragilidad. La cerámica se remonta aproximadamente al 6000 a.C. cuando aparecen los primeros objetos de barro, a veces pintado.

 

Esta muestra reúne la creación ceramista de 10 artistas que la trabajan, artistas multidisciplinares que eligen este medio más allá de sus trabajos pictóricos o visuales.

 

Juan José Fuentes emprendió esta labor ceramista que se convirtió en sanadora en 1993 en Sargadelos. Se basa en la técnica tradicional para plasmar en ella una visión de sus imágenes personales: entre el surrealismo y la abstracción. En Concha Ybarra se aprecia el objeto como signo: espirales y formas semicirculares que se enlazan entre sí, como una fisiología vegetal. En su obra con material cerámico se percibe la relación entre lo vacío y lo lleno, desde esta relación proyecta las vasijas, los jarrones, los platos… que se elevan superponiéndose, a veces también jugando con el cristal. Le interesa la fragilidad de esos materiales, con sus técnicas de diferentes barros y óxidos:  cobalto, cobre, y manganeso, tradicionales en el mundo árabe. Antonio Godoy crea un correlato entre tradición y modernidad, donde lo nuevo y lo viejo comparten espacio y se crea un ámbito de necesaria interdependencia. Sobre un discurso ecléctico y variado, se propone un viaje de ida y vuelta a la tradición, para una vez dentro crear rupturas. En esa memoria se introduce una ficción, un lugar experimental donde llevar las cosas al extremo. Curro González lleva muchos años haciendo cerámica. Su trabajo creativo oscila entre la literatura, la ironía, la crítica soterrada al mundo del Arte y a la sociedad en general; y en particular a la proliferación de hoteles en nuestras ciudades, como podemos observar en una de sus interesantes obras. KOOKNJA, artista franco-coreana, lleva dedicándose íntegramente a la alfarería y a la cerámica desde hace 5 años. En sus piezas de técnica tradicional coreana de doble capa podemos observar que la externa es cavada según un patrón geométrico y sólo al acercarse, se puede entrever la decoración de la pieza interna, que está decorada con otro color y grabada. Carlos Miranda fundamenta su trabajo en realizar una relectura irónica de aquellos “barros malagueños” para, conservando intactas sus poses figurativas -de carácter goyesco, propio de su época- realizar una serie paralela que convierta los originarios tipos pintorescos y costumbristas en los actuales turistas de ” fiesta y borrachera”. El antiguo souvenir, presta su iconología festiva y tópica a la reversión de su sentido: de recuerdo ilustrado pasa a ser arma representacional del “indígena” actual ante los desmanes de la turistificación.  Chelo Matesanz sugiere y revierte en sus cerámicas una crítica feminista al papel de la mujer en la sociedad actual. Al igual que otras creaciones suyas plantea una gran diversidad de lecturas de la pervivencia y los roles de la mujer en el mundo de hoy. La pareja de artistas Los Bravú empezó su andadura en el mundo del cómic. En su estancia en la Academia de Roma, comenzaron a pintar, de nuevo, bajo la “supervisión ” de su amigo Miki Leal. Sus pinturas y cerámicas sugieren y plantean una lectura y reflexión sobre el status social del hombre y la mujer. Con una relectura de la Historia del Arte, se autorretratan casi como modelos renacentistas. Sus cerámicas tienen y sugieren una gran diversidad de elementos, una fina ironía y pretenden dar una nueva lectura del objeto artístico. Miki Leal, según el comisario Alberto Martín y comparto su análisis: “Si la cuestión central es el estilo, el artificio es, sin duda, el medio de proceder a la consecuente estilización del mundo. A partir de ahí y bajo la apariencia de una forma rica y elegante, un contenido que se articula a partir de un collage de citas y contextos, que combinan tanto como dislocan, significados y referentes…El diálogo presente-pasado, el efecto y la sutileza, la elegancia de la precisión, y especialmente la ironía y la emocionalidad”. En los gemelos MP Rosado la idea de repetición toma la forma de lo que se podría definir como un juego de declinaciones, una incorporación se sucesivas variaciones y tensiones que van modificando sutilmente el enunciado. Esta reiteración, que actúa como un murmullo en torno a lo conocido, aplaza una y otra vez cualquier conclusión, cualquier certeza.

 

Jesús Reina, Sevilla, Febrero 2020

 

Celia Macías – “Evasión o Victoria” en Galería JM

 

 

La fotografía, en general, ha perdido en los últimos 5 años cualquier magnitud asible. Son tantas las imágenes que se hacen, circulan, mueren y vuelven a nacer en apenas un segundo que parece haber perdido cualquier sentido pararse ante ellas. Diríamos, siendo nihilistas, que el artista ya no tiene nada que hacer, la persona fotógrafa ya no tiene sentido. Pero al igual que la pintura nunca murió la fotografía no va a dejar de ser refugio de artistas. Que todo el mundo produzca y consuma imágenes a cada instante no es un obstáculo, solo estaremos cada vez un poco más ciegos, pero nada más. Es precisamente ahora, cuando ya todo está tan lleno de imágenes que vivimos dentro de ellas, cuando trabajos como el de Celia Macías se convierten en necesarios.

“Evasión o victoria” es un trabajo de instantáneas con vocación de perdurar. La búsqueda de Macías puede parecer desordenada pero está llena de intuiciones y sobre todo de pequeñas historias por contar. Con esta exposición hemos querido poner en juego algunos elementos narrativos evidentes como son la composición en viñetas, la repetición de elementos o la fragmentación de momentos y lugares. Estos juegos de asociación no se han dejado al azar y no son nuevos porque ya estuvieron presentes en la mesa de instantáneas de la planta baja de la exposición en esta galería “Sin Maquillaje” (2014 comisariada por Fer Francés)

Las instantáneas supone ya un formato en sí mismo; además de la complejidad química, y en cierto modo mágica, que conllevan se relacionan con la naturaleza de una manera particular. En palabras del cineasta Wim Wenders, fascinado por la instantánea escribía en su diario con motivo de la exposición “Instant Stories: Wim Wenders‘ Polaroids“ (2017, The Photographer’s Gallery, Londres) que este formato se trata de un “original, un objeto singular propio, no una copia, no una impresión, no multiplicable, no repetible. No podías evitar sentir que habías robado ese objeto-imagen al mundo y transferido un pedazo del pasado al presente”

La instantánea, como la naturaleza, necesita de unas condiciones de luz y temperatura muy concretas para que puedan producirse. En los pliegues de estas condiciones es donde Celia Macías se mueve como pez en el agua. Ese “no saber muy bien qué es” que propone Wenders es el quid del trabajo de la sevillana: la necesidad del misterio.

El misterio entendido como lo entiende Luis Camnitzer en el primer capítulo del libro colectivo del Grupo de Educación de Matadero Madrid “Ni arte, ni educación” (2017): “Lo que superficialmente llamamos “misterio” no es el milagro congelado que nos entrega el dogma religioso. Tampoco es la representación de la oscuridad impenetrable de lo desconocido. El misterio es lo que nos marca el límite de lo que conocemos. Nos desafía para que desmitifiquemos a ese límite y que así podamos llegar al misterio siguiente.“ Para el artista y docente uruguayo este debe ser la función del arte.

Entender el misterio como necesidad también conecta la fotografía de Macías con su personalidad: astuta, observadora y vividora. Astuta porque no se ha dejado engañar, todos estos años, por las corrientes más fáciles y comerciales de la fotografía artística o comercial (su trabajo es más conocido en el ámbito de la música y en las fotografías promocionales de Rocío Márquez, Niño de Elche, Pony Bravo o Los Voluble siembre ha habido otra mirada, otra forma de desafiar la mirada); Observadora tranquila, que sabe que terminará encontrando las cosas sin la ansiedad a la que nos lleva este día a día, su trabajo, sin ser prolífico es constante y minucioso; Vividora, en la tercera acepción del diccionario “persona que disfruta de los placeres sencillos”, que es capaz de disfrutar ante la adversidad y las complicaciones del trabajo de fotógrafa andaluza. Todas estas cualidades se despliegan en las ferias, en los patios, en las procesiones y en las romerías donde Macías encuentra ciertos patrones que no estaban tan a la vista. Celia Macías nos descubre siempre cosas.

La ausencia de retrato, el asombro por su propia figura (su autorretrato), el archivo infinito, el uso de los espacios entre medias, la fotografía como camino, la revelación de las grietas, las conexiones hacia arriba y hacia abajo, hacia el cielo y hacia la tierra, hacia al azulejo y hacia la yerba son los leit motivs de las obras que construyen esta constelación narrativa que forma “Evasión o Victoria”. Es con tiempo y con cercanía como se ha construido esta colección que hoy se muestra, quizás es así, con cierto grado de contemplación profunda como deben ser consumidas. El juego no defrauda, las instantáneas de Celia Macías se crecen en el tiempo lento. Ahí es donde está la liturgia de sus imágenes.

 

Santa Águeda en el burdel. Una performance de DELIA BOYANO en JMgalería

 

 

Santa Águeda en el burdel

Una performance de Delia Boyano

 

Sábado 25 de mayo a las 20:00 h

J M g a l e r í a

 

Delia Boyano: primera artista en participar en JMenvivo

 

El próximo sábado 25 de mayo, a las 20h., Delia Boyano realizará la performance Santa Águeda en el burdel, en JMgalería dentro de la programación de JMenvivo.

La artista malagueña será la encargada de inaugurar el proyecto JMenvivo, un programa de performances y live art en paralelo a la programación expositiva de JMGalería, que está dirigido por Marc Montijano y coordinado por Susana Hermoso-Espinosa.

La obra Santa Águeda en el burdel forma parte de After Zurbarán, un proyecto en el que Delia Boyano reinterpreta en clave de performance la serie de lienzos de Francisco de Zurbarán  (1558-1664) conocidos como Las Santas, en los que el pintor barroco representa a dieciocho mártires cristianas en su transición al Paraíso. Las performances del ciclo centran su interés en la relación que se establece entre el cuerpo de las mujeres y los objetos de tortura que portan en las manos, pues estos son símbolos duales, al mismo tiempo puentes a su santidad pero también a su muerte. En Santa Águeda en el burdel, Boyano actualiza el retrato de Santa Águeda, a la que Zurbarán pinta con una bandeja en la que reposan sus senos cortados.

Durante esta temporada expositiva, se realizarán dos performances vinculadas al actual proyecto expositivo Los sueños de Dante, que dialogarán con el espacio y las obras expuestas en la galería.  A partir de septiembre, a lo largo de la próxima temporada, este proyecto continuará con varios artistas invitados. Consolidándose como parte de la programación habitual de la galería y con la intención de convertirse en un referente y puntal dentro de la performance actual.

Dentro de JMenvivo,  se programarán diferentes manifestaciones de arte vivo o live art, desde las más experimentales a las más clásicas. En el arte en vivo los géneros se confunden y se hibridan. Es un arte que está mutando continuamente, el live art puede ser danza, teatro, música, perfomance, activismo, poesía, diversas prácticas multimedia, etc, pero sin categorías cerradas, un universo trasfronterizo, que se abre a mil influencias y corrientes actuales.

Delia Boyano López de Villalta (Málaga, 1994) es Graduada en Bellas Artes (2016) por la Universidad de Málaga, y en 2018 terminó el Máster en Performance Design and Practice en Central Saint Martins College of Arts and Design, UAL (University of the Arts of London). Actualmente cursa el grado en Historia del arte por la UNED. Destacan sus dos exposiciones individuales, La corona de la Reina (Sala de exposiciones de la facultad de Bellas Artes de Málaga, Málaga, 2017) y The Cucumber Sandwich Club (ColumnaJM, Málaga, 2017), ambas coordinadas simultáneamente por la Institución Académica y la JMgalería como parte de un mismo proyecto comisariado por la profesora de la UMA, Blanca Montalvo. Además, ha sido seleccionada para participar en diferentes exposiciones grupales, como es el caso de la exposición de arte digital y nuevos medios en el I Congreso Internacional Atenea (Salas de la UPV, Valencia, 2018), Cómo se Cuentan las cosas (Sala de exposiciones de la Facultad de Bellas Artes de Málaga, 2017), A minute Ago (Zabludowictz Collection, Londres, 2018), 10 fugas (Salas Rectorado UMA, Málaga 2017), MA Work in Progress exhibition (Central Saint Martins, Londres, 2016), o La Chistera (MAD, Antequera, 2016).  También ha podido disfrutar de residencias europeas, como la residencia creativa de Central Saint Martins College of Art and Design en Inteatro Villa Nappi (Polverigi, Italia) en 2017 y 2018, y la residencia para artes escénicas en el Rabbithole Theatre (Atenas, 2017).

 

Arte vivo en JMGalería

 

JMGalería presenta JMenvivo, un programa de performances y live art en paralelo a la programación expositiva que estará dirigido por Marc Montijano y coordinado por Susana Hermoso-Espinosa.

 

Durante esta temporada expositiva, se realizarán dos performances vinculadas al actual proyecto expositivo Los sueños de Dante, que dialogarán con el espacio y las obras expuestas en la galería.  A partir de septiembre, a lo largo de la próxima temporada, este proyecto continuará con varios artistas invitados. Consolidándose como parte de la programación habitual de la galería y con la intención de convertirse en un referente y puntal dentro de la performance actual.

No sólo se trata de performances en un sentido clásico del término, se programarán diferentes manifestaciones de arte vivo o live art, desde las más experimentales a las más clásicas. En el arte en vivo los géneros se confunden y se hibridan. El live art es un concepto más moderno, conectado con los objetivos y la forma de llevar a cabo el trabajo en la actualidad. Es un arte experimental que esta mutando continuamente. Un arte en tensión, en movimiento, que no se queda quieto en ningún sitio, sin géneros tipificados. El live art puede ser danza, teatro, música, perfomance, activismo, poesía, diversas prácticas multimedia, etc, pero sin categorías cerradas, un universo trasfronterizo, que se abre a mil influencias y corrientes actuales.

Como ha indicado Marc Montijano: “Como artista de acción e investigador de la performance, es un proyecto que me hace especial ilusión. Llevaba mucho tiempo con ganas de poder comisariar y dirigir una programación centrada en el arte de acción. Creo que podemos dar visibilidad al trabajo de creadores muy interesantes. La idea es trabajar con artistas de la performance o arte de acción fundamentalmente, pero también daremos cabida a todo tipo de obras de arte en vivo, desde las manifestaciones más ortodoxas a las más crudas y experimentales. Quiero que sea el proyecto que me hubiera gustado que existiera cuando comencé en el mundo del arte. Que sirva de estímulo y trampolín para artistas con propuestas valientes”.

JMenvivo es un proyecto de arte en vivo en paralelo a la programación expositiva de JM galería.  La primera performance que lleva por título Santa Águeda en el burdel, será el próximo 25 de mayo y correrá a cargo de la artista Delia Boyano.

Delia Boyano López de Villalta (Málaga, 1994) es Graduada en Bellas Artes (2016) por la Universidad de Málaga, y en 2018 terminó el Máster en Performance Design and Practice enCentral Saint Martins College of Arts and Design, UAL (University of the Arts of London). Actualmente cursa el grado en Historia del arte por la UNED. Destacan sus dos exposiciones individuales, La corona de la Reina (Sala de exposiciones de la facultad de Bellas Artes de Málaga, Málaga, 2017) y The Cucumber Sandwich Club (ColumnaJM, Málaga, 2017), ambas coordinadas simultáneamente por la Institución Académica y la JMgalería como parte de un mismo proyecto comisariado por La profesora de la UMA, Blanca Montalvo. También ha podido disfrutar de residencias europeas, como la residencia creativa de Central Saint Martins College of Art and Design en Inteatro Villa Nappi (Polverigi, Italia) en 2017 y 2018, y la residencia para artes escénicas en el Rabbithole Theatre (Atenas, 2017).

 

Los sueños de Dante en Galería JM

 

Los sueños de Dante

 

Daniel Cuberta, Federico Guzmán, José Luís Valv

 

El acto de pensar en la muerte presenta cierta sugestión hacia la idea del abismo, el vértigo y la angustia bajo la sospecha intelectual de que posiblemente no exista ninguna trascendencia post mortem. Desde los inicios, ha sido objeto de preocupación como ineludible y perturbador destino de nuestra especie y ha estado vinculada a los giros privativos de cada cultura, su religión, sus creencias y su idiosincrasia.

 

Distinguimos, a vista de pájaro, dos hitos históricos que en occidente son fundamentales para abordar el tema de la muerte. De un lado, el Barroco y el pensamiento que deriva del calvinismo holandés, desencadena la idea del Tempus Fugit y de que somos materia transitoria a la que lo terrenal corrompe, omnipresente en la literatura del momento a través de obras como La cuna y la muerte de Quevedo o Discurso de la verdad, de Miguel de Mañara, y en la pintura de Vanidades.  Por otro, el Romanticismo, y su interés de búsqueda de belleza en el descanso eterno, que evoluciona en adelante hacia un hedonismo vital, que, pasado por el catalizador de la razón, es diseccionado escrupulosamente por personajes de ficción como Dorian Grey o el Marqués de Bradomín.

 

La postmodernidad, en consonancia con su propio devenir, ampara actos que carecen de importancia y relativiza argumentos capitales en pro de abanderar una inteligencia irreal que se basa en el dominio de nuestro propio yo por encima de lo fortuito. Esta idea subyace en la exposición, a través de la que se analiza la visión actual sobre este fenómeno como un posible tercer hito que se está produciendo en relación con los cambios sociales vinculados a este momento.

 

Este recurrente y perturbador objeto de reflexión se materializa, a través de la exposición, como la cristalización de una actitud moderna ante el momento decisivo, utilizando obras de artistas que a través de su trabajo desgranan una visión positivista del Memento mori, una secuencia temporal del tránsito, de una muerte vista desde un prisma contemporáneo.

 

En la visión de estas distintivas fases, José Luis Valverde (Málaga, 1987), ocupa el primer estadio, representando la creencia, con una pintura que alude al gnosticismo y la vanidad, el pensamiento del que aún vivo, temeroso y resignado, afronta el fatal desenlace. Sus bodegones florales aluden a lo caduco, sus esqueletos a la muerte, y sus Visiones de San Pedro, a la esperanza en la posible existencia de la Jerusalén Celeste.

Como postulan las históricas Danzas de la Muerte, su pintura se torna en meditación sobre la finitud de la vida, el último arrepentimiento y la postrera ilusión estigmatizada por “la corrosión inevitable de la vida”, como expresa Keats en su Oda a una Urna griega.

 

En la segunda fase de esta visión actual del camino al tránsito definitivo, describimos la profecía, materializada en la exposición con la obra de Judith Samen (Gladbeck, Alemania, 1970).  En su trabajo se refleja la convicción de que transcurrimos hacia lo caduco y, por tanto, el devenir del paso del tiempo. Sus acuarelas tituladas “Never realized animation” son fotogramas de una acción que no ha ocurrido, una especie de condensador de una narrativa que se vislumbra a un solo golpe de vista, y en la que se tantea cierto carácter de desenlace, casi mesiánico. Ocurre de igual modo con su obra fotográfica, en la que existen rasgos estéticos y paralelismo temático con la pintura holandesa del XVII.

La obra de Daniel Cuberta (Sevilla, 1972), por su parte, es reflejo de este tiempo y sus necesidades. Sus vídeos ponen de manifiesto el tercer aspecto del proceso a tener en cuenta: la actitud. Sus videos expresan deleite ante la vida, focalizándose en cuestiones vinculadas a la muerte a través de metáforas como el ocaso, el discurrir o el final optimista de las cosas. Aborda el devenir sin la preocupación platónica, y el autodesprecio como síntoma de la falta de autocontrol. Es una forma de banalizar la existencia, como hicieron en el romanticismo autores como Keats o Baudelaire.

La acción en cuestión, está encarnada por la plástica de Santiago Ydáñez (Puente de Génave, Jaén, 1969), que representa explícitamente la muerte y su simbología a través de su pintura. El perro y el jilguero, como animales asociados a la mitología del más allá, las exequias o la putrefacción de los cuerpos reflejan la vileza con la que el deterioro se ensaña con un cuerpo vencido y la necesidad humana de ritualizar lo incomprensible. Su obra representa la definición directa y nimia de la muerte, como la representara Emily Dickinson, Terry Pratchett o León Tolstói, quienes nos recuerdan que después de existir, no somos más que olvido.

 

Por último, en este camino, se da la fase relacionada con la trascendencia que se pone de manifiesto a través de la obra de Federico Guzmán (Sevilla, 1964). El ser humano tiene intención de trascender, y esto es algo vinculado a lo espiritual y lo sensitivo. Con su trabajo, estudia las posibilidades experimentales de la idea de “ser yo sin yo”, y lo hace a través del ensayo con plantas hacia la producción del tomacum, pharmakon embriagante y sanador, de la transformación con su obra Mariposa de fuego, y el amor, con su escultura de la mandrágora que representa a dos amantes abrazados.

 

Octavio Paz afirmó que el amor no vence a la muerte, pero la hace parte de la vida al proponer amor eterno como posibilidad y como trasgresión del aquí y el ahora, y en este sentido, abordarla desde una óptica desmitificada es, al fin y al cabo, extensión y reflejo de nuestros días.

 

ArteSantander 2018 / RAMÓN DAVID MORALES / El facistol para el coro (ecos a Beato de Liébana) / JMgalería / 14-18 julio-2018

 

 

El facistol para el coro (ecos a Beato de Liébana)

Ramón David Morales

14 – 18 de julio de 2018

 

 

Los beatos (los manuscritos de los siglos X al XIII, más o menos abundantemente ilustrados, donde se copian el Apocalipsis de San Juan y los comentarios sobre este texto redactados en el siglo VIII por el Beato de Liébana) conservan lo exótico y misterioso de las miniaturas del periodo prerrománico. Su estilo evoluciona posteriormente al románico pleno -siglos XII y XIII-. y se han atribuido a una conjunción de influencias artísticas que van desde lo tardorromano y bizantino, lo visigótico, lo carolingio y, por supuesto, lo musulmán de Al-Andalus.

 

El proyecto El facistol para el coro (ecos a Beato de Liébana), desarrollado por Ramón David Morales específicamente para nuestra propuesta en ArteSantander 2018, reúne un corpus de trabajo conformado por una serie de pinturas y una gran escultura de madera policromada a modo de un Facistol, que originariamente era utilizado para apoyar libros de coros o liturgias en las iglesias, y funcionará como atril giratorio para presentar pinturas que relacionan toda la simbología del arte románico y la cultura cristiana, y que de algún modo tienen resonancia en los manuscritos ilustrados de Beato de Liébana, como homenaje al arte Románico, como inspiración y analogía a esos símbolos, pero también a la sencillez en la representación y la reducción de color y mínimos elementos, casi sin perspectiva.

 

El trabajo de Ramón David Morales tiene la intención de representar de una forma directa, reducida, casi geometría, conceptos primarios que han acompañado al hombre a lo largo de toda su historia; ideas ya asumidas e interiorizadas por la sociedad, pero quizá no reflexionadas por el individuo con la hondura que demandan.

 

Interesado en la forma de vida primaria y esencial, cerca de la naturaleza y con valores vitales antiguos necesarios para el hombre de hoy en su momento actual, Ramón David Morales nos aproxima una imagen depurada, a modo casi de ficha pedagógica, donde explica ideas universales y ancestrales. Imágenes austeras, sobrias, templadas, reducidas a su máxima representación con los mínimos elementos, porque quieren ser asequibles, leídas y pensadas. Imágenes lentas, construidas mediantes cortas y acentuadas pinceladas que ponen de manifiesto la condición pictórica en su naturaleza artística.

 

Ramón David Morales (Sevilla, 1977) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. A lo largo de su trayectoria ha obtenido las Becas de residencia del MUSAC, Daniel Vázquez Díaz, Fundación Bilbao arte y Fundación Daniel Vazquez Diaz o Fundación Gala.  Ha expuesto en numerosas galerías europeas así como en la Buddy Warren Gallery de New York. Ha participado en numerosas ferias de arte internacionales, certámenes y bienales; y algunas de sus obras están en colecciones como las de CAC Málaga, Fundación Unicaja, Junta de Andalucía, Colección Norte (Gobierno de Cantabria), Fundación Focus Abengoa, entre muchas otras.

 

 

FUTURO-FICCIÓN: TO BE CONTINUED…

GALERIA JM

FUTURO-FICCIÓN: TO BE CONTINUED…

 

Álvaro Albadalejo, José García Vallés, José María Hevilla, Victoria Maldonado

 

La Ciencia-Ficción no es un género literario insustancial. Más allá de la aparente apología científica-mecánica, evalúa aspectos lúcidos que tienen que ver con los problemas internos de cada sociedad, algo de lo que ha hecho uso el ser humano ante el deseo de escapismo que aflora cuando contempla dificultades para abordar la realidad que está viviendo.

 

Simbólicamente, huir a otros tiempos y otros entornos mirando hacia los grandes retos del hombre, son métodos que sirven para  establecer un tanteo acerca de qué preocupaciones colectivas hay, y regular parámetros que pueden tener cierto aire  profético, o bien, solo hacen crítica social. Hoy en día, la Ciencia-Ficción se ocupa de perfilar una perspectiva catastrófica de futuro, cuestionando temáticas que atañen a la globalización, como pueden ser la ecología, el uso inadecuado del agua o las energías, la soledad, la pobreza, los cambios estructurales o la creciente tecnología.

De este modo, se plantea una exposición que funciona como un relato ficticio y subjetivo de contenido reflexivo. Cada uno de los cuatro artistas que conforman esta exposición, conecta accidentalmente con temáticas supeditadas al género, y esto lo relaciona con problemáticas vigentes. Detrás de sus obras, hay un contenido existencial  que se manifiesta en el deseo de romper los límites de lo imposible.

 

El caso más evidente lo encontramos en las obras de Victoria Maldonado (Málaga, 1989) cuyas esculturas de porcelana recuerdan a seres provenientes del espacio exterior. A pesar de su carácter espiritual, la morfología orgánica que presentan, nos transporta a una dimensión en la que se puede contactar con figuras ameboideas de carácter hostil. Aborda la temática de “Lo Insólito”, es decir,  las invasiones a la Tierra o las mutaciones narradas en la versión Hard del género, y se traduce a la problemática social actual como preocupación por la existencia; el miedo a la guerra, la destrucción o la perversidad.

 

También así ocurre con la obra de Álvaro Albadalejo (Granada, 1983). Sus piezas inquieren sobre la enajenación, la alucinación o la psicología alterada. Se relaciona con “la Fantaciencia”, otro subgénero Hard. Sus obras forman parte de éste diálogo como una suerte de Solipsismo, una creencia metafísica que defiende que la realidad no es más que los estados mentales del propio yo. Esto justifica la existencia de mundos personales ficticios, y en su transcripción social, se manifiesta como desasosiego provocado por construcciones psicológicas pesimistas, derivadas de la marginación social.

 

José María Hevilla (Málaga, 1990) por su parte,  hace uso de la “Versión Clásica” del género, en la que se propone una realidad simulada como promesa de algo mejor. Aborda el tema de la comunicación a través de lenguajes digitales, y critica con ello problemáticas vinculadas con la concepción del hombre actual como puede ser el consumo, la putrefacción o la vigilancia. Plantea para ello alternativas programadas, como la inteligencia artificial de la que parten los ciborgs. Es readaptar la temática de Frankenstein a la programación informática y reinterpretarla a través de la pintura. Se trata de rediseñar un modelo que pretende una versión mejorada, pero que no siempre sale bien.

 

Cuestiones más científicas son las que subyacen a la obra de José García Vallés (Sevilla, 1986). En su caso, armoniza formas, secuencias y luces para abordar el metaterritorio. Le interesan los ciclos espacio-temporales, la astrofísica y la conexión con el límite de futuro. La idea de llegar a una distopía ideal a través de la tecnología justifica un interés social por los cambios estructurales, algo que enlaza en Ciencia-Ficción a través del subgénero de la “Ucronía”, una reconstrucción de hechos posibles, que no han sucedido realmente. Viajar en el tiempo, tecno-ciencia mediante, es posible, y esto garantiza una perspectiva de futuro tangible al cambio.

Expuestas estas conexiones, se invita al espectador a construir su propia historia de Ciencia-Ficción a partir de las obras que constituyen la exposición como constructo de una mente que concibe la posibilidad de encontrar nuevas vías en una realidad alternativa, alejada de los esquemas establecidos en el pasado, y  que son aquellos que continúan hoy, aunque en constante evolución, en nuestro presente.

 

 

Patricia Bueno del Río

 

José Luís Valverde en Galería JM

 

J M g a l e r í a

Inauguración / Opening

Viernes 27 de abril, a las 20:30 h

 

 

José Luís Valverde

 

J M s h o w

JMgalería presenta, el próximo viernes día 27 de abril, a las 20:30 horas, un nuevo grupo de trabajos del artista José Luís Valverde, que se incorporan al proyecto expositivo curatorial JMshow.

 

 Tras poco más de dos años, vuelve a JM galería el artista José Luis Valverde, esta vez al espacio general de la programación expositiva,  después del descubrimiento de su obra a través de Huile de Poison, su debut expositivo gestado en un doble proyecto: Huile de poison. Adornos”, en las salas de la facultad de Bellas Artes de Málaga; y Huile de poison. En el salón, en Columna JM, -espacio dedicado al arte emergente andaluz dentro de la galería-, articulados ambos bajo el comisariado de Carlos Miranda; y tras su reciente paso por Londres y ARCOmadrid, gracias a la beca Fulbright y el proyecto ABC ARCO respectivamente. En esta ocasión, presentamos un nuevo grupo de trabajos, esta vez, integrados en el proyecto curatorial JMshow.

José Luis Valverde (Málaga, 1987) es un artista que difumina hasta borrar por completo la línea divisoria entre la figuración, en tanto que se reconocen elementos de la realidad en sus cuadros, y la abstracción, fomentada por el uso monocromo del negro, que imposibilita una fácil apreciación de lo representado, y que sólo se ve momentáneamente alterado por la presencia de algunas pinceladas, más que expresivas, en tonos azules. Una difícil apreciación que no es gratuita, sino que atiende, como bien escribía Carlos Miranda, a una intención de negar la imagen y hacer reflexionar sobre el lienzo cómo difícil espacio de exposición de la pintura para, en última instancia, obligar al espectador o espectadora a acercarse a la obra y desentrañar qué es aquello que aparece oculto entre tanta oscuridad. Retomando la pincelada y el empleo del óleo, estos adquieren una presencia protagonista en su trabajo, llegando a denominar al material como “veneno”. Dicha relevancia al material empleado en la obra, que llega a convertirse en contenido y adquiere la misma importancia que los propios elementos representados, ya la encontrábamos en movimientos artísticos de gran relevancia del siglo pasado tales como el Expresionismo Abstracto norteamericano o el Informalismo Europeo -recordemos a Manuel Millares-, que, con sus diferencias y semejanzas, compartían un rasgo común: llevar la pintura a una dimensión más matérica e híbrida donde los límites entre pintura y escultura, e incluso objeto, quedaran completamente destruidos. Algo que puede apreciarse en la obra titulada Skull and Candle (After Gerhard Richter) donde el artista emplea empastes de pintura que sobresalen del soporte llegando a convertirse en relieve. Además, el título, lejos de ser inocente, se inscribe en la tendencia apropiacionista, muy frecuente en el panorama artístico desde hace unas décadas, al aludir a una obra del conocidísimo artista Gerhard Richter, del mismo nombre, para resignificarla. Pero los guiños a la Historia del Arte son frecuentes en Valverde, presentes en sus anteriores trabajos en el empleo de floreros, similares a bodegones y naturalezas muertas, así como el paisaje con un carácter simbólico, y en este caso a la vanitas tan prolífica durante el barroco europeo y, en concreto en el español, en la obra comentada anteriormente, donde observamos la calavera y la vela, signos de la fugacidad de la vida y el transcurrir del tiempo que a todos y todas nos iguala. Un perfecto ejemplo donde la tradición y contemporaneidad unen fuerzas en pos de nuevas y frescas creaciones artísticas.

 

Javier Hurtado

 JMshow es un nuevo formato expositivo de carácter curatorial que sustituye el modelo de programa expositivo tradicional de la galería mediante un show room en constante transformación a lo largo de la temporada, a través de continuas renovaciones en sus contenidos, con la idea de dinamizar las presentaciones de las obras de los artistas de la galería, otorgándoles una mayor visibilidad periódica a sus nuevos trabajos, así como la presentación de otros muchos artistas que se van incorporando en un proceso constante para establecer diálogos y nuevos relatos. Este nuevo formato expositivo, cuyo programa se complementa alternativamente con sesiones de música, performances y diferentes eventos culturales, pretende en definitiva lograr una mayor dinámica en la producción, difusión y comercialización de las obras, con objeto de fomentar la audiencia, el coleccionismo, así como el interés general en el arte contemporáneo a través de la práctica de una política de gestión cultural más activa y dinámica.

 

El relato continúa

 JMshow lo integran en la actualidad seis artistas que dialogan e investigan, a través de una amplia selección de sus trabajos, en torno a la interpretación de la naturaleza -entendida ésta en su más amplio espectro del universo material-, así como sobre la forma simbólica de los fenómenos del mundo físico asociados a la humanidad,  a través de diferentes disciplinas artísticas.

El paisaje como género que trasciende, a través de la pintura, los mundos fascinantes, soñados, de Patricio Cabrera (Ginés, 1958) nos adentran en nuevas y sugerentes formas geométricas del espacio. Paisajes codificados en los que el gran maestro de talento e imaginación desbordantes, dominador absoluto del espacio y el color a través del medio pictórico, recorre la exuberancia de los paisajes brasileños aprehendidos en sus largas estancias en los trópicos de Sao Paulo y en los múltiples viajes biográficos de su memoria. Pero también la biología y la naturaleza en los pasajes bibliográficos que transita a través de sus interminables exploraciones por la sabiduría de los álbumes botánicos. El panteón, la bananera o la rana conforman en algunos de sus trabajos recientes una iconografía ornamental que configura un nuevo atlas de significados.

Negar la imagen y enfrentar al espectador o espectadora al lienzo, espacio que se erige problemático en la actualidad como soporte y exhibidor de la pintura, son las tónicas principales del trabajo de José Luis Valverde (Málaga, 1987) acentuadas todavía más por el uso del óleo y las expresivas, pastosas y sutiles pinceladas negras que oscurecen la superficie llegando a desnaturalizar lo representado y ocultándolo en la más suma oscuridad, lo que obliga a acercase a la obra para poder desentrañar el contenido del cuadro que bascula entre la figuración y la abstracción.

El vínculo con lo sagrado, a través de la experiencia espiritual y estética trascienden las  recientes pinturas de Ramón David Morales (Sevilla, 1977). Gran observador de la naturaleza e interesado en las ciencias de la astrología o la física, así como en el estudio del universo y sus valores esenciales, actúa como un alquimista de la pintura para crear un trabajo silencioso, colorista, diferente y original, lleno de frescura y vitalidad, de contundentes formas geométricas y perspectivas espaciales, logrando unos paisajes simbólicos, místicos, hipnóticos ante es espectador, cuyos límites y conceptos homenajean los elementos primarios de la naturaleza y sus recursos básicos.

El hombre desde su habitabilidad en el mundo y la condición humana es abordada por Chema Lumbreras (Málaga, 1957) desde una óptica literaria y filosófica en sus originales dibujos y conjuntos escultóricos, a través de los que crea un nuevo mundo de ficción mediante un potente discurso metafórico sumergido en el territorio de la fantasía. La escala reducida de las figuras que componen sus esculturas sirve al artista para elaborar escenarios inmensos, y crear fragmentos de micro relatos a través de sus personajes, insectos, animales y seres extraños que nos transportan a límites insospechables de la imaginación para abordar la grandeza del ser humano, pero también su insignificancia y fragilidad en las sociedades contemporáneas.

Por su parte, la pareja artística Alegría y Piñero (Córdoba, 1985; Chiclana de la Frontera, 1975) vienen desarrollando un proceso de trabajo interdisciplinar, que ellos han denominado bajo el concepto global de Encicloscopio: un ejercicio de mirada cíclica en torno a la imagen, la forma y el sonido, para mostrar múltiples puntos de vista que revelan presencias desdobladas. La nueva serie de trabajos, definida con el término de enciclolalia, es el resultado de una profunda investigación en torno a los antecedentes del habla, a través de un proceso de investigación y descubrimiento de la forma, en el que confluye el ingenio, la artesanía y la acción performativa, para materializarlo en una serie de esculturas, instalaciones y artefactos a modo de máquinas de interpretar. Estas arquitecturas parlantes, desvelan, mediante el movimiento o su accionamiento, mensajes ocultos a través de la simulación del gesto labial y su expresión, traducida en sonido, como camino de aproximación a los orígenes de habla, apelando a la capacidad primigenia de la comunicación humana a través de la voz.

 

Alegría y Piñero en Galería JM

JMgalería presenta, el próximo sábado día 17, a las 20:00 horas, un nuevo grupo de trabajos de los artistas Alegría y Piñero, que se incorporan al proyecto expositivo JMshow.  

 

 

 Enciclolalia

Todo nuestro proyecto artístico se define bajo el concepto de Encicloscopio: Un ejercicio de mirada cíclica alrededor de la imagen, la palabra, la forma, para mostrar puntos de vista múltiples que revelen presencias desdobladas, escurridizas, balbuceadas. Para Enciclolalia situamos como centro la creación de un habla artificial, concebida al margen de una escritura. Nuestras investigaciones comienzan con la serie de obras de carácter performativo “Neumas”, proyecto que comenzamos en 2014 y que ha continuado desarrollándose en distintas fases de experimentación. Neumas (espíritu, soplo, respiración) hace referencia a una protoescri­tura musical empleada entre los siglos IX y XIII: una representación no tanto de la altura de los sonidos, sino de la gestualidad del canto traducida a figura. Estos neumas, como recursos nemotécnicos, permitían una entona­ción colectiva que daba lugar a un canto coral. Esta relación entre la forma del gesto impreciso y su expresión sonora, ha sido el punto de partida para la creación de un habla artificial que extrapola el uso del signo a una fenomenología del habla, como manifestación independiente, física, corporal y que se da en un terreno común con la plástica.

Cada una de estas esculturas/artefactos, entendidas como máquinas de interpretar, nos sitúa en el punto de vista exacto donde se manifiesta un habla encontrada, descubierta en la materia en su estado más arcaico. Su limitada y simple artificiosidad señala al objeto escultórico como dispositivo retórico.

 

 

Máquina Neumática

“Máquina neumática”  continúa el proceso iniciado en “Neumas 0”                                (http://encicloscopio.com/obra/enciclolalia/neumas/) , en busca de una concepción de carácter más definitiva a través de  una optimización de su manejo, a la vez que una simplificación de su mecánica.

Partiendo  del sonido orgánico, casi animal, que producen las membranas en vibración de unos pitos de caña, generamos  esculturas huecas que conducen y modulan este primer soplo hasta emitir sonidos humanoides que se aproximan a fonemas determinados. Partiendo de algunos esquemas de máquinas parlantes sobretodo del siglo XVIII  y XIX (Kratzenstein, Kempelen y Wheatstone ) fuimos modelando hasta encontrar el sonido de las cinco vocales. Por otro lado, las consonantes fueron apareciendo mediante la manipulación y deformación de estas formas primeras.

“Máquina neumática”  consigue deshacerse del ventilador y se alimenta de forma autónoma mediante un sistema de fuelles que accionamos durante la performance. Por otro lado, continuamos investigando  y añadiendo fonemas de manera que la obra reúne, además de las cinco vocales, las sílabas ma-pa-ne-pe-ce-le-rra, ampliando las posibilidades de ideación de frases interpretables.

En diálogo  con las propias limitaciones de pronunciación de la máquina, vamos encontrando palabras y frases que se conforman como partitura para accionar la obra. De este proceso condicionado surge un texto de carácter oracular en el que se describen lugares que no conocemos o se manifiestan lemas de moralidad propia:

Hice neuma y oí lema:

“O hay ley o hay pelea”

Oí: “amarra rama y apalea”

Y huí a cerrar pelea.

Cené rape y anhelé mar

Amanece, leí mapa

Y huí a Ipanema.

¡oooooohh!

Ipanema huele a oleo

Neuma huele a enea.

 

 

Surco

 

El hallazgo de la palabra como perfil parlante en el ornamento arquitectónico, que dio lugar a obras como “Friso”(http://encicloscopio.com/obra/enciclolalia/friso/) y “Lipogramas” (http://encicloscopio.com/obra/enciclolalia/lipogramas/), es reinterpretado para esta exposición mediante la creación de una moldura circular, a modo de medallón. Modelamos sobre el barro un perfil radial cuyos labios vamos interviniendo hasta que conseguimos que en este gesto germine una pronunciación muda. De su positivado en yeso surgen “Surco I” “Surco II: Ley” y “Surco III: Fuerza”. Cada medallón se corresponde con un ejercicio. A veces la búsqueda deriva en un balbuceo continuo, pero en otras aparecen palabras concretas (como ley o fuerza). Al girar los medallones puede verse en la sombra, proyectada por una cuerda colocada ante estos, un perfil pronunciando. El cuarto medallón es sometido a un nuevo proceso de revelado al colocarlo sobre un artilugio sonoro inspirado en el sistema del fonógrafo: una punta, conectada a una membrana que recoge su vibración, recorre el surco generado por el espacio entre ambos labios, leyendo cada cambio en el relieve y generando un sonido modulado por sus propias características físicas. Una traslación de esas palabras mudas a un nuevo código que se aleja del habla pero que se construye sobre ésta.

 

 

Alegría y Piñero

 

JMshow es un nuevo formato expositivo de carácter curatorial que sustituye el modelo de programa expositivo tradicional de la galería mediante un show room en constante transformación a lo largo de la temporada, a través de continuas renovaciones en sus contenidos, con la idea de dinamizar las presentaciones de las obras de los artistas de la galería, otorgándoles una mayor visibilidad periódica a sus nuevos trabajos, así como la presentación de otros muchos artistas que se van incorporando en un proceso constante para establecer diálogos y nuevos relatos. Este nuevo formato expositivo, cuyo programa se complementa alternativamente con sesiones de música, performances y diferentes eventos culturales, pretende en definitiva lograr una mayor dinámica en la producción, difusión y comercialización de las obras, con objeto de fomentar la audiencia, el coleccionismo, así como el interés general en el arte contemporáneo a través de la práctica de una política de gestión cultural más activa y dinámica.

 

El relato continúa

 

JMshow lo integran en la actualidad seis artistas que dialogan e investigan, a través de una amplia selección de sus trabajos, en torno a la interpretación de la naturaleza -entendida ésta en su más amplio espectro del universo material-, así como sobre la forma simbólica de los fenómenos del mundo físico asociados a la humanidad,  a través de diferentes disciplinas artísticas.

 

El paisaje como género que trasciende, a través de la pintura, los mundos fascinantes, soñados, de Patricio Cabrera (Ginés, 1958), nos adentran en nuevas y sugerentes formas geométricas del espacio. Paisajes codificados en los que el gran maestro de talento e imaginación desbordantes, dominador absoluto del espacio y el color a través del medio pictórico, recorre la exuberancia de los paisajes brasileños aprehendidos en sus largas estancias en los trópicos de Sao Paulo y en los múltiples viajes biográficos de su memoria. Pero también la biología y la naturaleza en los pasajes bibliográficos que transita a través de sus interminables exploraciones por la sabiduría de los álbumes botánicos. El panteón, la bananera o la rana conforman en algunos de sus trabajos recientes una iconografía ornamental que configura un nuevo atlas de significados.

 

También el vínculo con lo sagrado, a través de la experiencia espiritual y estética trascienden las  recientes pinturas de Ramón David Morales (Sevilla, 1977). Gran observador de la naturaleza e interesado en las ciencias de la astrología o la física, así como en el estudio del universo y sus valores esenciales, actúa como un alquimista de la pintura para crear un trabajo silencioso, colorista, diferente y original, lleno de frescura y vitalidad, de contundentes formas geométricas y perspectivas espaciales, logrando unos paisajes simbólicos, místicos, hipnóticos ante es espectador, cuyos límites y conceptos homenajean los elementos primarios de la naturaleza y sus recursos básicos.

 

El hombre desde su habitabilidad en el mundo y la condición humana es abordada por Chema Lumbreras (Málaga,1957) desde una óptica literaria y filosófica en sus originales dibujos y conjuntos escultóricos, a través de los que crea un nuevo mundo de ficción mediante un potente discurso metafórico sumergido en el territorio de la fantasía. La escala reducida de las figuras que componen sus esculturas sirve al artista para elaborar escenarios inmensos, y crear fragmentos de micro relatos a través de sus personajes, insectos, animales y seres extraños que nos transportan a límites insospechables de la imaginación para abordar la grandeza del ser humano, pero también su insignificancia y fragilidad en las sociedades contemporáneas.

 

La fascinación por lo desconocido centra el universo pictórico de Almudena Fernández Ortega (Sevilla, 1984), que a través de la distorsión perceptiva de la imagen,  investiga y explora los límites de la pintura, entendida esta en el ámbito del fenómeno de la ‘post-imagen’ y desarrollada en un plano conceptual. Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Conservación-Restauración, Fernández Ortega se interesa por la astronomía, el cosmos y las posibles civilizaciones de un mundo existencial antepasado.

 

Por su parte, la pareja artística Alegría y Piñero (Córdoba, 1985; Chiclana de la Frontera, 1975) vienen desarrollando un proceso de trabajo interdisciplinar, que ellos han denominado bajo el concepto global de Encicloscopio: un ejercicio de mirada cíclica en torno a la imagen, la forma y el sonido, para mostrar múltiples puntos de vista que revelan presencias desdobladas. La nueva serie de trabajos, definida con el término de enciclolalia, es el resultado de una profunda investigación en torno a los antecedentes del habla, a través de un proceso de investigación y descubrimiento de la forma, en el que confluye el ingenio, la artesanía y la acción performativa, para materializarlo en una serie de esculturas, instalaciones y artefactos a modo de máquinas de interpretar. Estas arquitecturas parlantes, desvelan, mediante el movimiento o su accionamiento, mensajes ocultos a través de la simulación del gesto labial y su expresión, traducida en sonido, como camino de aproximación a los orígenes del habla, apelando a la capacidad primigenia de la comunicación humana a través de la voz.