DELIA BOYANO en Galería JM

Comisariado: Blanca Montalvo

 

Horarios y duración: De 11 a 14 hs. y de 17.30 a 20.30 h., de lunes a viernes. Sábados de 11 a 14 hs. Del 16 de junio al 4 de septiembre de 2017. (Agosto previa cita)

 

 

Salado

            The Cucumber Sandwich Club. Fábula segunda se inaugura en la sala Columna JM, una semana después de que  La corona de la reina. Fábula primera, se abriera al público en la sala de exposiciones de la Facultad de Bellas Artes. Ambas muestras son fruto de un acuerdo entre Javier Marín, y su histórica galería y la Universidad de Málaga. Para los jóvenes que finalizan sus estudios, es una oportunidad inestimable acercarse tan pronto al ámbito profesional del arte. Y además, hacerlo con el reto que supone preparar dos individuales para la misma ciudad y las mismas fechas.

            Delia Boyano consigue superar la prueba con elegancia y delicadeza. Como si se hubiera apropiado de Pinewood Studios junto a sus compañeras: Nashia, de Chipre, Kataryna, de Polonia y Anru de China,  filman el núcleo de The Cucumber Sandwich Club. Una exposición en la que nos vemos envueltos entre pistas de tenis de prestigiosos clubes londinenses, y sándwiches de pepino, recompensa frugal de calorías consumidas. Como Orson Welles envuelto en su capa de mago entre langostas, falsificadores y puros, la artista, transfigurada en maestra de ceremonias, nos introduce en sus películas y fotografías de un mundo blanco de luz difusa, en claro contraste con la presencia barroca que rezuman las esculturas y la iluminación teatral de la sala que ocupamos.

            La comida forma parte del arte desde su prehistoria: de los búfalos de Altamira al mero de la Cueva de La Pileta. Magia, mito, economía, política, poder, belleza, amor o verdad son representados en las cenas de los Guermantes descritas en detalle por Proust o en los frugales bodegones de Sánchez Cotán; en la venganza entre los fogones de La Holandesa orquestada por Greenaway o la comida como material y soporte de las instalaciones de Miralda; en la representación de la pobreza de Los comedores de patatas de Van Gogh o en la belleza de lo cotidiano de las ciruelas de William Carlos Williams, deliciosas, tan dulces y tan frías.  El alimento no es el tema de la obra de Delia Boyano, sino una sutil metonimia con la que especula sobre los retos y estrategias de una sociedad burguesa y enriquecida a costa de la pérdida de la empatía, y la búsqueda absurda de objetivos banales.

            Para Wilem Flusser las imágenes se han convertido en pantallas que ocultan lo que representan. Las esculturas que crea Delia Boyano, como las piezas de Doris Salcedo, responden a ese doble movimiento o giro del que habla Mieke Bal: superficie y volumen responden a diversas estrategias, que podrían llegar a ser entendidas como opuestas. Vaivén del espectador que se acerca y se aleja al contemplarlas, en un tiempo convertido en pliegue, que ha provocado un movimiento de suspensión del tiempo narrativo, consecuencia del flujo entre distancia y cercanía, entre el mundo de los objetos y el las imágenes, entre lo terrenal y lo divino.

            El bote lleno de estrellas de purpurina reposa bajo la pequeña luz que lo hace brillar y multiplicarse, mientas Santa Eulalia observa, desde La Columna. La obra, inspirada en la talla de 1760 de Luis Salvador Carmona, aquí ha sido modelada en una masa realizada con obleas, ese pan ácimo que sabe a iglesia. Nuevo barroco nuevo.

 

Delia Boyano López de Villalta (Málaga, 1994) es Graduada en Bellas Artes (2016) por la Universidad de Málaga. Actualmente cursa el Máster Performance Design and Practice en Central Saint Martins, UAL (University of the Arts of London). Ha sido seleccionada para participar en diferentes exposiciones como La Chistera (MAD, Antequera, 2016), 10 fugas (Salas Rectorado UMA, Málaga 2017), MA Work in Progress exhibition (Central Saint Martins, Londres, 2016), o The Cucumber Club. Acaba de finalizar una residencia europea con Proyecto Elos (Erasmus Founding, Atenas, 2017).

 

INCENDIAR EL VELO. FETICHES DE OBJETO/ IMAGEN – Galería JM

Incendiar el velo; fetiches de objeto/imagen

 

Ana Teresa Ortega – Chema Cobo – Mario Espliego

Paula Rubio Infante –  Simeón Saiz Ruiz – Tete Álvarez

Del 16 de junio al 30 de septiembre de 2017

(Agosto previa cita)

 

“INCENDIAR EL VELO;

Fetiches de objeto/imagen”

 

Decía Rilke en relación a la imagen poética que si arde es que es verdadera, Benjamin, a su vez, afirmaba que la verdad no aparece en el desvelo, sino más bien en un proceso que podríamos designar analógicamente como el incendio del velo, un incendio de la obra, donde la forma alcanza su mayor grado de luz. Lo siniestro funciona en la imagen como aquello que no se ve, un mecanismo complejo que queda oculto a simple vista. En este sentido, las obras permanecen veladas, requiriendo de un resorte que produzcan su desvelo. Lo estético puede traducirse en este contexto como la tensión inherente entre la imagen presente y la ausencia de aquello que oculta. Es una búsqueda de la verdad a toda costa.

 

El último capítulo de Materializar el pasado: el artista como historiador de Hernández-Navarro habla de una vuelta a lo tangible en una época envuelta en la desmaterialización de la experiencia sensible que han descrito autores como Bauman, Virilio o Baudrillard enfatizando conceptos como la velocidad, el simulacro o la modernidad líquida. Esta vuelta viene dada de la mano de una recuperación del fetiche como objeto-imagen capaz de devolver la carnalidad al cuerpo contemporáneo. Desde el arte se ha enfatizado esta recuperación material del cuerpo, su carnalidad, desde una objetualidad cargada de memoria, que condensa toda una historia dentro. Una recuperación de lo experiencial que desemboca en un retorno de lo material, un retorno del pasado. El fetiche es descrito como ese objeto mágico con gran carga simbólica capaz de hacer retornar esta materialidad que estaba obsoleta o puesta en tela de juicio. Es ese tipo de objeto que se esconde tras lo siniestro, que encierra algo que es susceptible de escapar al accionar su mecanismo de desvelo situándonos al borde del abismo.

 

En su ensayo Imágenes pese a todo, Didi-Huberman abogaba por hacer uso de cualquier material de la historia que sirviera para conocer aquellos hechos oscuros y terroríficos del pasado. La defensa de las imágenes del holocausto le supuso muchas críticas, la mayoría de ellas basadas en su exhibicionismo innecesario pues el relato de estos acontecimientos ya es sobradamente conocido gracias a la memoria de aquellos que los vivieron. El autor, no obstante, defiende este uso de la imagen como única prueba fidedigna de la solución final. Godard, afirmó en torno a la misma cuestión, que el cine fracasó en el mismo momento en que no fue capaz de grabar este trágico acontecimiento. Su concepción de lo cinematográfico no se orienta en la ficción, sino en el montaje que es capaz de arrancar un atisbo de verdad a la historia. Al no poder mostrar esta verdad, su fracaso resultó evidente. Las imágenes del horror son demasiado cercanas, demasiado dolorosas como para no volver la mirada. El velo sirve como escudo, como modo de acercarse a este tipo de imágenes mediante un mecanismo que oculta todo este horror, pero que incita a conocer que hay más allá de él.

 

Este cuestionamiento del pasado, que vuelve a emerger en muchos artistas contemporáneos, es debido a una herida abierta que existe en nuestra sociedad. Hacer uso del espacio expositivo para reabrir el debate en torno a la construcción de la historia se antoja como elemento fundamental sobre el que, desde el arte, contribuir al descubrimiento de la verdad del acontecimiento. La historia se construye de un modo abierto y múltiple con posibilidades de ser completada y redefinida; donde las imágenes se presentan a modo de constelación, yuxtapuestas las unas a las otras, y donde el tiempo queda condensado en ellas posicionándose contra la historia oficial. Volviendo de nuevo a Benjamin: la historia contada, la transmitida, la visible, es la historia de los vencedores. Se trata de una historia que sólo ha podido ser realizada a través del ensombrecimiento de los vencidos. Una historia heredada, construida sobre las tumbas de los olvidados, que contiene una parte maldita: “no hay documento de cultura que no sea, a su vez, documento de barbarie”.

 

Los trabajos de Tete Álvarez Proemios y Official portrait parten del asepticismo de la imagen documental con sendas series de fotografías que presentan espacios de poder. Si en Proemios esa asepsia se traduce en la desaparición del personaje, Official portrait introduce a la escenografía una serie de retratos velados por una silueta negra, que tratan de ahondar en lo que hay más allá del discurso oficial. Los retratos de Chema Cobo Humbugs están dotados intrínsecamente de ese halo siniestro de no conocer al retratado, algo que desconcierta y perturba en la imagen. Sentimientos que derivan en una sensación de espanto al descubrir la imagen de un asesino en serie, o de un vampiro encarnado por el actor Bela Lugosi. Simeón Saiz conecta directamente con la imagen del horror al registrar mediante video multicanal un viaje a Kielce; lo que parece un paisaje idílico e inofensivo oculta tras de sí una verdad velada que conecta con la barbarie de la guerra. Tratando de horadar en la historia, el trabajo de Ana Teresa Ortega parte de la fotografía paisajística, en una serie llamada Cartografías silenciadas. Lo que oculta la imagen son lugares olvidados que en el pasado tuvieron una oscura relación con el franquismo y su correspondiente represión; campos de concentración y trabajo repartidos por toda la geografía española. La instalación de Paula Rubio Infante Destino manifiesto vuelve a derivar hacia una mirada a las arquitecturas del poder, que reflexiona sobre la conducta sádica del ser humano para conseguir los objetivos de expansión geográfica, política y racial. El título enlaza con la idea de “lebensraum” de espacio vital que Hitler utilizó para anexionar territorios durante el Tercer Reich. Mario Espliego, por último, plantea en su trabajo Artefactos del encantamiento una investigación que interroga como lo ornamental con lo cual convivimos día a día, mantiene oculto una perturbación. De este modo, lleva a cabo una genealogía en torno a las “fasces”, forma utilizada por el régimen fascista italiano, que ha sido usada posteriormente en el diseño contemporáneo lanzando una clara pregunta al aire, ¿es la forma algo ingenuo, algo superfluo carente de ideología, o más bien, un elemento que camufla toda esa ideología y la sitúa, de manera velada, en nuestras sociedades democráticas?

Invitación/performance MARC MONTIJANO / Sábado, 27 de Mayo en Galería JM

Nos complace invitaros a la performance “Celebratio vacuum” (la celebración del vacío)

que el artista Marc Montijano realizará en la galería

el próximo día 27 de mayo a las 19:00 horas.

FRANCISCO JAVIER VALVERDE en Galería JM

FRANCISCO JAVIER VALVERDE

Oleoramas del Parque del Oeste

 

Comisariado: Polaroid Star

 Inauguración: Viernes 17 de marzo de 2017, 20:30 h.

Horarios y duración: De 11 a 14 hs. y de 17.30 a 20.30 h., de lunes a viernes. Sábados de 11 a 14 hs. Del 17 de marzo al 3 de junio de 2017.

JMGalería presenta la obra última de Francisco Javier Valverde, Oleoramas del Parque del Oeste, cuya exposición será inaugurada el próximo viernes 17 de marzo a las 20.30 hs. en el espacio ColumnaJM de la galería. Este proyecto, que forma parte de la investigación doctoral que el autor viene realizando en torno a las relaciones que pueden establecerse entre narración, tiempo y pintura, articula la cuestión desde el estudio de los límites representacionales de la disciplina bidimensional, de forma que asume el espacio como ámbito necesario para desarrollarlos. Así, Valverde, que en su anterior proyecto expositivo, Maryon Park, ya se había interesado por establecer lecturas de sus cuadros que implicasen el recorrido físico del espectador por la sala, aquí vuelve a tensionar las posibilidades de la pintura para involucrar en ella múltiples dimensiones temporales, esta vez cruzando alegóricamente la materialidad del óleo de sus telas con la del celuloide que permite proyectar imágenes sucesivas para producir el efecto cinematográfico de imagen en movimiento. Ello le ha llevado a configurar para la ocasión una intervención espacial de varias series, conformada por un total de más de ochenta cuadros, en la que la excelente soberanía que, como pieza pictórica autónoma, ostenta cada uno de ellos, se conjuga, simultáneamente, con su condición evocadora del concepto de still, de fotograma, jugando con una continua detención y activación del tiempo. El sofisticado empleo que se nos ofrece de esta cuarta dimensión lo muestra desplegado en varios planos, haciendo de la instalación una especie de sinfonía de heterocronías que remite al espectador a un vagabundeo multitemporal por el Parque del Oeste de Málaga, lugar de paseo cotidiano de Valverde con su perro. Esta exposición, comisariada por Polaroid Star, estará acompañada por un catálogo, coeditado por Los Interventores y JMGalería, que incluye textos tanto de la comisaria como del autor.

 

Francisco Javier Valverde (Málaga, 1991) es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Málaga (2013), donde también ha realizado el Máster en Pro­ducción Artística Interdisciplinar (2015). Actualmente desarrolla sus estudios de Doctorado también en la UMA. Ha disfrutado de la Beca Creadores La Térmica (Málaga, 2015), de una Beca Iniciarte (Junta de Andalucía, 2013-14) y de la Beca de la UMA para la Real Aca­demia de España en Roma (2013). Su primera exposición individual, Maryon Park, tiene lugar en 2015 en la Sala de Exposiciones de la Facultad de Bellas Artes de Málaga. Ha sido seleccionado para participar en diversos certámenes y exposiciones colectivas, como La chistera (Museo de Arte de la Diputación de Málaga, Antequera, 2017), Under 35 (Gacma, Málaga, 2017), La ciudad invadida (Guillena, 2017), INT16. Proyectos Fin de Máster en Producción Artística (CCP María Vistoria Atencia, Málaga, 2016), el Certamen de Artes Visuales MálagaCrea (Cacmálaga, 2016, 2014, obteniendo ambos años Mención Especial, 2015 y 2013), Proyecto Imago Mundi. Made in Spain (Cacmálaga, itinerante a la Fundación Giorgio Cini, Venecia, 2015), Álbum familiar (La Caja Habitada, Sevilla, 2015), Papeles mojados. III Salón de las Vanidades (Palacio Ducal de El Carpio, Córdoba, 2015, obteniendo una Mención Especial), Causa o pretexto (Sala El Palmeral Iniciarte, Málaga, 2014), Mamá (Sala Fundación Cruzcampo, Málaga, 2014), VII y VI Premio de Pintura Universidad de Málaga (Salas del Rectorado de la UMA, Málaga, 2013, obteniendo este año el 2º Premio, y 2012) o III Muestra Internacional de Arte Universitario IKAS ART (Bilbao, 2011), entre otras.

 

 

Exposición de María Vera en Galería JM

c o l u m n a J M

Sin título. 2016 Monotipo sobre papel Torreon.  50 x 70 cm.

María Vera

Luz silenciosa

Comisariado: Javier Bermúdez

Inauguración: Viernes 9 de diciembre de 2016, 20:00 h.

Horarios y duración: De 11 a 14 hs. y de 17.30 a 20.30 h., de lunes a viernes. Sábados de 11 a 14 hs. Del 9 de diciembre de 2016 al 11 de febrero de 2017.

 

“Así que hay en las cosas, además de las cualidades elementales que

conocemos en ellas, ciertas virtudes que le son naturales y que admiramos, y de

las que nos asombramos de no poseer el conocimiento, y de haberlas visto rara

vez, o nunca”.

 

Cornelius Agrippa, Filosofía oculta.

 

“Vemos las cosas sólo tal y como estamos construidos para verlas y no

podemos formarnos una idea de su naturaleza absoluta. Con cinco sentidos

pretendemos comprender el cosmos en su infinita complejidad…”.

 

“Existen mundos enteros de materia, energía y vida que se encuentran al

alcance de la mano pero, pese a todo, jamás podrán ser detectados con los

sentidos que tenemos”.

 H.P. Lovecraft. Del más allá.

 

1.

Etimológicamente lo que está “oculto” es algo escondido, velado, rodeado de sombras, que no pertenece al rango de lo visible, que la mirada no puede captar. Es algo que por ello está fuera de nuestro conocimiento, de ese mundo-para-nosotros¹, que es aquel que podemos discernir; hacer inteligible a nuestro entendimiento. La naturaleza posee un mecanismo que funciona así, en una tensión latente entre el aparecer y el desaparecer, la osadía y la timidez, que se desvela a medida que somos capaces de perfeccionar instrumentos y modos de pensar que nos acercan a ella. No obstante, siempre hay regiones que permanecen en la oscuridad, en la negritud del día, una concepción que hace obsoleta un acercamiento a estos fenómenos a través de la mirada, de la observación directa, poniéndose en suspenso este sentido primordial.

 

2.

La idea de negritud, en cuanto a límite de la mirada, substrae la concepción de lo humano acercándolo a un mundo espectral y especulativo, donde el perfeccionamiento de otros sentidos es indispensable para encauzar nuestro vínculo con la naturaleza. Es de cultura popular, que aquellos incapaces de ver -ya sean personas, animales o plantas-, son capaces de desarrollar una manera distinta de relacionarse con el mundo mediante el perfeccionamiento de otros sentidos. Así, los humanos invidentes tienen un oído más afinado que les permite una relación con lo natural a través del sonido, que se convierte en su modo de entender el mundo. La resonancia es la vibración del sonido, algo así como una luz silenciosa que pertenece a las cosas, incluso a aquellas inanimadas.

Este término, desarrollado en el taoísmo, puede traducirse como una especie de alma inherente a las cosas que se traduce en ondas electromagnéticas que podemos percibir pero no explicar, quizás porque lo hacemos a través de cualidades instintivas que no controlamos y que quedan alojadas en el inconsciente².

 

3.

Una manera chamánica, inconsciente, de acercarse a estos fenómenos o cosas es el acto artístico -acto poético- que, a priori, muestra un amplio rango especulativo. De esta manera, la relación entre el sujeto y el objeto estaría mediada a distintos niveles entre la razón y la sinrazón -un acercamiento a lo desconocido que no se puede explicar, pero que se puede intuir a través de una resonancia, una relación entre las cosas que surge de manera poética-. El acto artístico corporiza tan sólo una parte del todo, hace emerger un fragmento de lo desconocido -situado más allá del límite de lo humano dentro del mundo que somos capaces de pensar.

 

4.

Esta noción relativa a lo desconocido parece estar oculta en la serie Resonancias, desarrollada por María Vera, que supone una radicalización de la idea de naturaleza y de paisaje en sí. Si en Physis kryptesthai philei, la relación con la naturaleza se hace patente en la tensión inherente a ésta –entre el aparecer y el desaparecer relativa a la mirada- sus resonancias provocan una ruptura radical con este sentido convirtiéndolas en una especie de agujeros negros capaces de absorber la luz de la sala; una instalación sonora inaudible. Es como si la tensión existente en el bajo contraste de sus pinturas tornara por algún motivo en una imposibilidad de visión de la naturaleza, derivando la representación -de las pinturas- en un imagen ciega y sorda al mismo tiempo -los monotipos-, ausente en cuanto a luz y sonido.

 

5.

Luz silenciosa es un acercamiento especulativo a la idea de paisaje cósmico, en cuanto a relación

límite con lo humano; se sitúa en una tensión entre los sentidos de la mirada y lo audible, y transgrede la propia naturaleza. Supone una aproximación a lo oculto que puede llevar irremediablemente a la nada; un mundo no humano consecuencia de una crisis existencial que cuestiona el lugar y el papel de los individuos a la luz de la ciencia, la tecnología, el capitalismo y las guerras mundiales.

  

1 Thacker, E. En el polvo de este planeta. Materia Oscura. 2016.

2 Racionero, L. Textos de estética taoísta. Alianza Editorial. 2008.

  

Javier Bermúdez

María Vera Ramos  (Málaga, 1993) es Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Málaga (2016) cursando actualmente el máster de Producción Artística Interdisciplinar. Ha participado en el taller impartido por Francesc Torres UMA, 2015;  el Curso de Grabado Genio y Materia. UMA ,2013. Ha obtenido las Becas Pintores de Paisaje del Palacio de Quintanar, Segovia 2015, y Alfara Studio, Salamanca 2016. Entre sus exposiciones colectivas destacan Rethinking Art, en el taller de grabado Gravura, Málaga 2013. El Espejo, La sala de Blas,  Málaga 2014. MarbellaCrea, Marbella 2015. El afuera y el adentro, Fundación Valentín Madariaga, Sevilla 2015. IX Premio de pintura UMA, sala del Rectorado de la UMA, Málaga 2015. Pensionados del curso de Pintura de Paisaje, sala La Alhóndiga, Segovia 2015. Las estrellas de San Felipe, Museo del Vidrio, Málaga 2016. Algo más alegre III, Galería Casa Bonita, Sevilla 2016. Divergencias, sala del Rectorado de la UMA, Málaga 2016. Silvestre, Portón de la Encina de San Silvestre, Salamanca 2016.

 

Invitación: MARTÍNEZ BELLIDO / a partir del viernes 23 de septiembre.

c o l u m n a J M

Inauguración / Opening

Sin título. Óleo sobre fotografía. 8,8 x 6,3 cm.

 

Martínez Bellido

Sam Wright

 

Comisariado: Patricia Bueno del Río

Inauguración: Viernes 23 de septiembre de 2016, 20:30 h.

Horarios y duración: De 11 a 14 hs. y de 17.30 a 20.30 h., de lunes a viernes. Sábados de 11 a 14 hs. Del 24 de septiembre al 26 de noviembre de 2016.

 

Correspondencias verticales

 Llevo toda la vida buscando realidades que me abrieran posibilidades de desplegar mis recursos para construir una historia, y sé, desde hace tiempo, que solo a través del arte actual podemos llegar a reflexionar sobre una propuesta acotada, poniendo en ella todo aquello que en ese momento somos, los recursos que tenemos en la mochila, y expandirnos para discernir aquello que deseamos o de lo que nos vemos capaces, obligándonos, incluso, a poner a prueba nuestro propio ingenio para resolver el asunto que tenemos en frente de nosotros mismos.

 La exactitud que permite la fotografía, vincula a su contenido con conceptos como descripción, narración o representación, y eso es una realidad incuestionable, más aún cuando las instantáneas de las que hablamos, datan del primer cuarto del siglo XX, valor que la aleja de cualquier programa informático de edición, pero, no en esencia, del manejo humano. Martínez Bellido (Cádiz, 1992) manipula las imágenes que constituyen esta exposición para abrir un campo al imaginario desprovisto de la identidad del protagonista y del artífice para mostrarnos un espacio espectral y virgen que espera, más que la lectura del espectador, su propia reescritura.

 Esta es – o, mejor dicho, fue- la historia de Sam Wright, el álbum de un individuo que existió y cuya presencia ha quedado subrogada por el artista a sus propios momentos, actuando éste como un mago capaz de construir con su propia sensibilidad una realidad paralela. En las imágenes, existen analogías que son más elocuentes como significantes, que por sus propios significados, pero que, en cualquier caso, establecen principios de esquemas, socialmente construidos que funcionan limpiamente como productos mentales.

Corresponder(se) es el acto de relacionar, de buscar sentidos equivalentes. La verticalidad alude a la firmeza y convicción férrea acerca de lo que visiblemente nos rodea, hablamos de realidades e identidades que son descartadas en favor de los estímulos. Una forma de revisar las propias circunstancias del hombre.

 El artista actúa como intermediario entre la naturaleza y el hombre ofreciendo una visión idealista del mundo. Lo natural y lo supra-real como un oxímoron personal creado para obligarnos a descifrar los signos de una representación oculta de los conceptos vinculados a las circunstancias. Aquí se pierde el elemento principal, el elemento clave, dando a la imagen un sentido totalmente diferente, casi fantasmagórico, que invita a profundizar más si cabe, en su propia idea.

 Vemos en la fotografía lo que realmente somos, a partir de la ausencia del hombre, y con ello, una especie de apertura al delirio que encuentra vínculo y apoyo entre sí por la presencia de un elemento omnipresente: el agua. Tenemos el tiempo y el lugar para construir nuestro propio mundo a través del de las experiencias ajenas.

 Cuando lo espiritual permanece en una realidad misteriosa, global, fugaz e indistinta, la imagen gana en proximidad, intimidad y elocuencia, se desmontan las previas historias sobre las que habían sido creadas, y se le da solidez al tiempo por excelencia de la imagen líquida. Se abre el campo de la función existencial que encierra al hombre en sus límites tangibles y revisados. Hemos iniciado un viaje atemporal. Al fin y al cabo, se trata de eso: reinterpretar la memoria.

 

Patricia Bueno del Río

 José Manuel Martínez Bellido (Cádiz, 1992) es graduado en Bellas Artes en 2014 por la Universidad de Sevilla. Ha realizado numerosos cursos de Arte, Estética y Paisajismo, cursando actualmente el de Especialización en Fotografía Contemporánea en la Fundación Valentín de Madariaga. Ha obtenido las Becas de INICIARTE, ICAS, Fundación Rodríguez Acosta, y seleccionado para la primera edición de Biunic, en 2015. Su obra se caracteriza por el análisis de la imagen y la importancia del dibujo, en los cuales profundiza mediante el estudio de la memoria y la fotografía. Reflexiona sobre la presunta libertad icónica de la sociedad actual, trabajando sobre lo narrativo, las estampas, los rostros y los recuerdos. El pasado año tuvo lugar su primera exposición individual “Niebla”, en la sala Santa Inés de Sevilla, dentro del programa INICIARTE.

Escuchando en las pinturas de Manuel León – Galería JM

J M g a l e r í a

Inauguración / Opening

Próximo Jueves 15 de Septiembre a las 20:30 h

Manuel león

Cultura Vegetativa

 Del 15 de septiembre al 3 de diciembre de 2016

 

“Ciertamente, y muy importante en el sentido propuesto por Deleuze, ningún arte es
figurativo porque no se trata tanto de reproducir o de inventar formas como, en palabras
suyas, de captar fuerzas, de sentir la gravedad o la atracción que tira de un rostro, de un
cuerpo o de un paisaje hacia su confín, hacia su extremo.”
Ramón de Andrés en “El Luthier de Delft. Música, pintura y ciencia en tiempos de Vermeer y Spinoza”. Acantilado. 2013

¿ESCUCHARON?

Es el sonido de su mundo derrumbándose.
Es el del nuestro resurgiendo.
El día que fue el día, era noche.
Y noche será el día que será el día.
Subcomandante Insurgente Marcos. México, Diciembre del 2012.
Limpia tus oídos.

La escucha equilibra, no es algo solo a nivel filosófico, los oídos sirven para que nuestro cuerpo pueda situarse. Las orejas no se cierran, no tienen párpados. Escuchar es algo que hacemos hasta en el útero de nuestras madres. La escucha nos posiciona en el mundo y manipular la escucha es uno de los recursos habituales para el control. El sonido es inmaterial, puede fijarse en soportes pero, es como las cenizas, no puedes tocarlas. Se esfuman.

Si como ciudadanía la educación visual crítica que recibimos es algo en manos de los medios de comunicación y de algunos profesores de artes (hasta que desaparezcan del sistema), la educación relacionada con la escucha es una quimera. No es momento de lamentarse en exceso porque este texto no va a resolver los dilemas de una sociedad sorda, o no va directamente de eso. Cuidado con los sonidos del fondo. En términos narrativos la obra de Manuel León se nos presenta como una suerte de pinturas, dibujos, acuarelas y personajes que viven en la yuxtaposición y en la repetición. No descubrimos nada si comentamos brevemente que la pintura de Manuel León juega con la composición alegórica. Remezcla, reutiliza y rehace a partir de imágenes que, si escarbas, encuentras en la historia del arte. Es un artista enciclopédico que no esconde sus fuentes.

 

Invitación: Alejandro Castillo – Galería JM

Alejandro Castillo

My lovely forbidden rooms (Sala Facultad BBAA)

Adrenalina bendita con mis pollos (Columna JM)

 

Comisariado: Carlos Miranda

Inauguraciones:

ColumnaJM: Viernes 3 de junio de 2016, 20.30 hs.

Sala Facultad BBAA: Jueves 2 de junio de 2016, 19.30 hs.

 

Horarios y duración:

ColumnaJM: de 11 a 14 hs. y de 17.30 a 20.30 hs., de lunes a viernes. Sábados de 11 a 14 hs. Del 3 de junio al 30 de julio de 2016.

 

Sala Facultad BBAA: de 9 a 14 hs. y de 16 a 21 hs., de lunes a viernes. Del 2 de junio al 1 de julio de 2016.

 

 Como broche de oro a la temporada expositiva 2015/16, la Facultad de Bellas Artes de Málaga y la Galería JM presentan conjuntamente la doble comparecencia expositiva individual de Alejandro Castillo, dentro del plan de colaboración cultural que mantienen ambas entidades. Para ello, se han seleccionado dos series del dilatado conjunto de obras que el artista viene desarrollando desde hace casi tres años, conformando así las exposiciones my lovely forbidden rooms, que presenta en la Sala de Exposiciones de la Facultad de Bellas Artes, y Adrenalina bendita con mis pollos, que tiene lugar en el espacio ColumnaJM de la citada galería de Málaga. El trabajo de Alejandro Castillo es netamente pictórico, a la más pura usanza de la perversión de la disciplina en su absorción desprejuiciada de modos tomados de otros campos y fenómenos de la cultura contemporánea como el vaporwave, la literatura beat, o incluso la repostería, al tiempo que “remezcla” desde un eclecticismo radical y festivo lenguajes propios de la bad painting, el arte pop, el neoexpresionismo o el grupo CoBrA, entre otras variadas fuentes con las que alimenta su voraz apetito artístico. Así, podríase cifrar la excelencia de su labor en la calidad de los jugos gástricos con los que regurgita estas y otras tradiciones, para desplegar ante el espectador el show de unas obras emanadas directamente de la tremenda intuición e instinto pictóricos con los que aborda la producción obsesiva de sus embriagadores cuadros. Ambas exposiciones, comisariadas por Carlos Miranda, constan de una selección de casi ciento treinta obras de óleo sobre lienzo, muchas de ellas cedidas para la ocasión desde diversas colecciones privadas, y están acompañadas por un catálogo que incluye textos compuestos ex profeso por el poeta, novelista y periodista José Luis González Vera, por la comisaria y profesora de Hª del Arte en la UMA María Jesús Martínez Silvente, por el poeta Sergio R. Franco, por Charles Linder, reconocido artista de San Francisco, y por el propio Alejandro Castillo.

 

Alejandro Castillo (Melilla, 1992) es Graduado en Bellas Artes por la Universidad de Málaga (2016). Ha disfrutado de la Beca de la UMA para la Real Aca­demia de España en Roma (2014). En este mismo 2014 realizó su primera exposición individual, Five Rooms, en la Sala Artgea de Torremolinos. Ha sido seleccionado para participar en diversos certámenes y exposiciones colectivas, como Divergencias (Salas del Rectorado, Málaga, 2016), la Feria “Art&Breakfast” (Galería JM, Hotel Room Mate Larios, Málaga, 2016), el Certamen de Artes Visuales MálagaCrea (Cacmálaga, 2014, obteniendo este año una Mención Especial), o el V Concurso de Pintura de la Universidad de Málaga (Sala del Jardín Botánico de la UMA, 2013), entre otras.

 

Inauguración viernes 3 de junio a las 20:30 h – Galería JM

Miguel Ángel Tornero

The Random Series

Del 3 de junio al 30 de julio de 2016

 

The Random Series es un proyecto que propone un particular ejercicio fotográfico que se ha ido realizando a lo largo de cuatro años en Berlín, Roma y Madrid. En estas series encontramos una extraña aproximación a la fotografía, a la ciudad y a uno mismo. Durante su estancia en cada una de las ciudades, Miguel Ángel Tornero ha ido fotografiando su día a día intensa e instintivamente, recopilando una serie de imágenes que serán la materia prima de los collages digitales finales. En su actitud ante la fotografía -y ante la ciudad- priman la curiosidad y el instinto, y se mezclan los rasgos del flâneur, del turista japonés obsesionado por documentarlo todo, y la información sin procesar y caótica del bebé que se rige aún por una vida inconsciente, ajena a convencionalismos. Como si se enfrentara a las cosas por primera vez.

En el proceso de creación de estos inquietantes collages, el autor utiliza el error de un software que no está programado para coser imágenes sin relación aparente. Desconoce los parámetros de corte y unión que el programa va a seguir y, por lo tanto, lo imprevisto pasa a ser protagonista y a marcar el ritmo de la serie. Como vemos, el resultado final es en gran medida dejado al azar.

En el libro del proyecto -Premio Nacional al mejor Libro de Arte editado en 2014 y Mención especial en Les Rencontres de la Photographie de Arles-, esta actitud se expande y se intensifica. Por un lado, los textos ha sido manipulados, traducidos y retraducidos sin piedad a diferentes idiomas usando el traductor de Google. Paralelamente, la maquetación de las páginas del libro se ha hecho aleatoriamente y, además, antes de encuadernarse, los pliegos han sido desordenados, de manera que podríamos hablar de un libro deconstruído en el que cada ejemplar es prácticamente único.

 

Miguel Ángel Tornero (Baeza, 1978) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada, actualmente vive y trabaja en Madrid. Ha realizado residencias artísticas en lugares como la Academia de España en Roma (2012/13) o Künstlerhaus Bethanien en Berlín (2010), y ha sido galardonado con importantes premios de fotografía como el Grünenthal (2011), Purificación García (2007) o ABC (2003), así como el Generaciones (2009) para proyectos artísticos, así como el Premio Nacional al mejor libro de Arte editado en 2014.  Entre sus exposiciones individuales destacan The Random Series -berliner trato, romananzo & madrileño trip- en el Festival  suizo de Fotografía de Biel/Bienne  (2016) y en el Centro de Arte de Alcobendas (2015), Querido Imprevisto (2012) en la Galería Juan Silió de Santander, The Random Series -berliner trato- (2010) en Künstlerhaus Bethanien de Berlín, o Por ahora todo va bien (2007) en la Galería Luis Adelantado de Valencia.

 

 

HOME – TRANSIT – HOME / Art & Breakfast 6, 7 y 8 de mayo de 2016

 

Columna JM  presenta en esta próxima edición de la feria Art & Breakfast  Home – transit – home, un proyecto expositivo específico para la habitación 209 del Hotel Room Mate Larios que integra  los trabajos de los artistas Alejandro Castillo, Gonzalo Fuentes, Javier Map, Cristina Ramírez, Jose Luis Valverde y Hadaly Villasclaras, que formalizan con sus muy variadas tipologías de producción algunas de las problemáticas que podemos encontrar entre las tendencias del arte más actual y se encuentran en un entorno donde sus miradas cohabitan de forma conjunta.

 

Los 6 artistas se introducen en un espacio de tránsito que supone la habitación de hotel, el enclave perfecto para reflexionar  sobre algunas de sus líneas de investigación. Así, encontramos lo doméstico como motivo o excusa con la que abordar la problemática autorreferencial de la pintura en el trabajo de Alejandro Castillo (Melilla, 1992). Un trabajo de investigación en torno a las posibilidades de construcción pictórica bajo una escrutante mirada hacia la tradición de sus géneros. Con una formalización radicalmente distinta, pero compartiendo el interés por la fisicidad de la pintura, encontramos el trabajo de Jose Luis Valverde (Málaga, 1987), quien se apropia de los motivos domésticos para (des)representarlos por medio de una ambigüedad acromática generadora de misterio ante lo que observamos. Hadaly Villasclaras (Málaga, 1989) también aboga por la entidad pictórica como fuente de recursos para generar imágenes propias de una cotidianidad contemporánea. Su trabajo se caracteriza por la hibridación de lenguajes y medios, consiguiendo con ello cuestionar los límites de cada disciplina. Esta hibridación también le permite explorar los diferentes grados de ficción de la imagen por medio de la objetualización de la representación pictórica. Estos tres creadores se apropiarán del espacio a través de un juego de sustitución del mobiliario y la ornamentación propios de la habitación de hotel generando un diálogo entre la representación y lo representado.

 

La importancia de la estructura del entorno que habitamos nos lleva al trabajo de Gonzalo Fuentes (Málaga, 1991), quien define su proceso pictórico como un juego de construcción mediante planos, composiciones y color. El artista incurrirá en el entramado arquitectónico de la habitación en una suerte de adaptación virtual a partir de relaciones de ficción y realidad.

 

Por último, la cercanía formal en la que se encuentran el trabajo de Javier Map (Murcia, 1981) y Cristina Ramírez (Toledo, 1981) (ambos formados en la Universidad de Bellas Artes de Granada) nos sitúan ante un ejercicio simbiótico cuya finalidad en el espacio será la de escenificar la idea de refugio mediante la actividad íntima del proceso creativo. De esta manera, sus dibujos serán la huella de aquel posible individuo que habita ese lugar de tránsito haciéndolo suyo a través de la experiencia y la memoria.