«HÉTEROS TOPOS I» en la Galería JM

A través de la exposición HÉTEROS TOPOS I. El espacio de los Nadie se pretende generar un punto de encuentro entre los códigos sociales actuales y el lenguaje babélico del cuerpo.

Este proyecto ahonda en la búsqueda del espacio de los Nadie —si es que éste existiera. Dicho espacio es aquel que presenta topografías invisibles; aquel espacio fáctico, material o intangible que de alguna manera ha sido coartado, exiliado o borrado por la hegemonía contemporánea. Aquel espacio no legitimado, no explicado, sin rendimientos productivos para los gestores de la memoria colectiva. Espacio virgen sin bandera ni prejuicios. Espacio en blanco.

Mediante Los Nadie se plasma ese espectro social que queda oculto, exiliado a los confines. Aquel grupo de individuos que rehúsa el encarcelamiento de las etiquetas y prefiere vivir siguiendo las líneas de sus propios cuerpos, y que sean ellas y solo ellas las que les delimiten. Nuestro espacio, al igual que nuestra identidad, debe poder fluir hacia su propio futuro, buscando su propia forma y no someterse a moldes prefabricados.

Así, esta propuesta expositiva gira en torno al concepto de la “territorialización del espacio”, la cual se refiere a la “fragmentación territorial actual [que] aparece como el producto de una misma lógica que, mientras concentra recursos, población y poder en una pequeña porción del territorio -los oasis irrigados-, lo hace a costa del despojo o agotamiento de recursos y grupos sociales minoritarios de los espacios desérticos” (Montaña, E. & Pastor, G. Espacios invisibles, paisajes ocultos, 2011).

Es decir, la dualidad territorial existente hoy en día; por un lado, los “oasis”, los espacios irrigados, por donde corre el agua y la vida hegemónica, donde los gestores de la memoria colectiva han dispuesto todo el interés. Y por el otro, los “desiertos”, los espacios invisibles, todo aquello ocultado, evitado y obviado. De esta manera, podemos entender cualquier ámbito en términos de la territorialización espacial; las cuestiones legítimas (oasis) y las posibilidades escondidas (desiertos).

HÉTEROS TOPOS I. El espacio de los Nadie pretende aportar algo de luz a estos espacios olvidados y ofrecerlos como nuevas posibilidades de expansión y convergencia. Intenta desvelar otros caminos que han sido tapados por intereses socio-político-económicos, asegurando un desarrollo social dirigido y manipulado. Se expone, en definitiva, el espacio de los Nadie, aquel territorio gobernado por nadie, coartado por nadie, nombrado por nadie, donde sus nativos, los Nadie, pueden vagar experimentando de una manera pura y verdadera, sin necesidad de encasillarse o vallarse. Sexualidad, género, raza, ideología, religión, arte, literatura, historia, emoción, sensación, aprendizaje… nada tiene límite en El espacio de los Nadie. Intrépida exploradora con una insaciable necesidad de búsqueda, en sus viajes metafísicos VAZ se adentra en lo más profundo de su ser para documentar mundos ocultos. Nacida en Málaga y licenciada en Bellas Artes, su trabajo se expande por el espacio urbano, como en un sus intervenciones en el centro social La Casa Invisible y la asociación cultural La Casa Amarilla, habiendo realizado aquí su primera intervención total “Sótano” (2021). Asimismo, ha colaborado con galerías con base en Málaga, Sevilla y Mallorca. Con sus grafismos automáticos y el predominio de la línea negra, plasma los efectos que le han marcado de su contemporaneidad. Expone su intrínseca multiplicidad, mundos más allá de lo físico y la razón, nuevas heterotopías.

CHICO LÓPEZ – «UNA RAZÓN DE PESO» en la Galería JM

JMgalería presenta: Una Razón de Peso, una exposición correspondiente a trabajos recientes del artista José Miguel Chico López (Linares, 1967) que exploran la geometría despojada de la tradición moderna y dónde las imágenes se sustentan con las relaciones entre sus elementos. El autor renueva el orden que configuran las imágenes sometiéndolas a los efectos de la fuerza natural.

En esta exposición encontraremos obras de pequeño y gran formato en clave de dibujo, y aunque el artista nunca ha tenido en cuenta el hecho de realizar sus trabajos en este medio de expresión como tal, asume su proyecto personal desde lo multidisciplinar buscando la idoneidad de sus pensamientos.

Chico López en sus comienzos (2002-2008) trabajó con acumulaciones de líneas, a modo de píxel, representaba espacios reales que volvían a contextualizar las geometrías superpuestas a ellos. Utilizaba las formas lineales para definir arquetipos y construir mundos abstractos imaginarios. En esos primeros años, se apropiaba del contexto artístico del momento para situar sus geometrías sobre espacios expositivos o paisajes, simbolizaba así su visión sobre la ficticia idea de un “futuro presumible” en el ámbito del arte público y privado. En esta nueva fase que presentamos en JMGalería, esas geometrías que nos hacían temer lo inevitable, ahora se han convertido en grupos de líneas sustentadas entre ellas, sin la función de delimitar los planos y desterradas de cualquier contexto.

En 2013 José Miguel Chico López inicia un nuevo reto: basa sus trabajos en las semejanzas entre sus composiciones sonoras y los desarrollos geométricos progresivos de sus dibujos, dejando que la estrategia marcada tenga su propio progreso a través de las estructuras sonoras. Los vídeos realizados, de finas líneas sobre fondos planos en constante movimiento, para las presentaciones de su producción sonora “Dios LP” (Grupo de Fe, 2014) y puestos en escena en el marco de OPENSTUDIO14 (Madrid, 2014) o en las jornadas “Apertura en Negro” del Centro José Guerrero de Granada (2014), recogen con claridad su propuesta de trabajo fijada en la experimentación sonora, visual y audiovisual. En 2018 concluye estos trabajos de investigación con la Tesis Doctoral

“Sincronización sonora visual. Relaciones surgidas en la práctica artística” doctorándose en Historia y Arte por la Facultad de Bellas Artes de Granada.

En la anterior exposición individual (2020/21) en la Galería Javier Marín de Málaga, titulada “De gente en gente” dónde la apariencia geométrica de sus obras ocultaba su vinculación personal con el día a día, indagó en inconsciente colectivo a través de las derivaciones surgidas entre el individuo y la masa, extrayendo los modelos compartidos y así, a partir de su experiencia, definía los parámetros a seguir en sus creaciones con el dibujo. El artista en estas series partía desde unas cuantas pautas seguidas por una línea a la que ésta tenía que escapar del hermetismo calculado, para lo que ponía la intuición al servicio de las improvisadas relaciones entre las demás líneas trazadas. Con estas acciones el artista se preguntaba ¿qué es lo que un ordenador no puede hacer en un dibujo?

El proyecto Una Razón de Peso, conserva en buena parte los modus operandi del autor, sólo que ahora la orden que ha sumado a sus  procedimientos afecta a todos los elementos integrantes de la imagen e incluso al propio objeto que los contiene, a la vez que, limita las posibilidades de acción, abre otros caminos para entender la geometría desde el espacio natural diferido, devolviéndola a nuestra inevitable relación con la gravedad.

José Miguel Chico López, LINARES (JAÉN), 1967, es Doctor en Historia y Arte por la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano de la Universidad de Granada en 2018. Profesor en el Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de Granada desde 2021.

Actualmente trabaja con la Galería Javier Marín de Málaga. Desde 1996 ha realizado más de una veintena de exposiciones individuales en galerías e instituciones como JMgalería, Palacio de La Madraza, Galería Sandunga, galería Full Art.

Ha participado en ferias de arte internacionales como ARCO, ARTEFIRA, Balelatina Basel, SCOPELondon y en numerosas exposiciones colectivas.

Su obra está presente en colecciones como la del: CAC Málaga. CAAC. Diputación Provincial de Alicante Fundación Coca-Cola España. Fundación Luciano Benetton. Instituto de Estudios Jienenses, Fundación Miguel Hernández. Museo Zabaleta. Universidad de Granada, Universidad Juan Carlos I. Diputación provincial de Jaén, Así como en las coleciones de los Ayuntamientos de Linares, Gibraleón y Fregenal de la Sierra.

Como compositor sonoro y Vídeo-performance, ha publicado un Lp en vinilo (Grupo de fe-2014) con el alter ego USTED, realizado intervenciones en el marco de OpenStudio de Madrid. Vídeo-performance para la presentación del disco LPDios, Teatro del colegio mayor Isabel la Católica, Granada. " Negro la casa de Dios" Video-performance para la "Noche en negro, Centenario del nacimiento de José Guerrero, Centro José Guerrero, Granada.

LA TRAMA DEL SÍ MISMO Y EL OTRO – FEDERICO MIRÓ

LA TRAMA DEL SÍ MISMO Y EL OTRO

FEDERICO MIRÓ

Inauguración: viernes 28 de octubre de 2022, 20:00 h.

Federico Miró viaja con los nazarenos de Málaga al encuentro de los samurais de Kioto, desde su propia tierra e identidad a la comprensión del otro como sí mismo. Una misma trama nos envuelve a todos, a nosotros que transitamos con diferentes ropajes y en diferentes paisajes, que no son más que ropajes y paisajes al fin y al cabo. Pero es en esta síntesis estética del artista donde cobran una importancia antropológica, porque desplazan la mirada a lo esencial, a la norma, a las convenciones que regulan nuestras prácticas en ausencia de rostros individuales. Se pone a un lado como telón de fondo nuestra religación con la Naturaleza y al otro lado las telas étnicas.

Ya en su anterior proyecto, se había aproximado a la cultura japonesa, inspirándose en el artista del siglo XVIII Utagawa Hiroshige y sus series de ukiyo-e. Ahora ha sido “touché” por un cuadro entre las cientos de obras que vio en la exposición “Japón. Una historia de amor y guerra”. Se trata de una escena que relata la salida de Okaru de la casa de Kanpei y pertenece al escritor y pintor Keisai Eisen (1790-1848). Coincidencia curiosa: Keisai era tan samurai como Federico Miró nazareno. Y si vamos a la pintura “pintura” encontramos otra afinidad en el cruce de caminos.

Keisai fue colaborador del gran paisajista Utagawa Hiroshige. Volvemos así mágicamente al primer proyecto de Federico Miró inspirado en Japón. No sólo eso, de la escena representada por Keisai, Miró ha abstraído los personajes, transformando el pequeño cuadro en un gran políptico con una síntesis del paisaje original. El cambio de dimensiones nos sugiere un ejercicio de adentrarse imaginariamente en el lugar del otro a la vez que una indagación obsesiva en el color y la composición venidas de una mirada distinta. Sin embargo, el proceso de abstracción de Federico Miró y la descomposición entre misticismo-paisaje y rito-ropajes, mantienen elegantemente la distancia necesaria para comprender la trama del asunto.

Teresa Calbo

J M g a l e r í a

Conversaciones con Goethe – LAURA BRINKMANN

Conversaciones con Goethe

LAURA BRINKMANN

Inauguración: Viernes 10 de junio de 2022, de 20:00 a 22:00 h.

Premio a la Producción Artística 2021

Sombras coloreadas

Que la fotografía tiene mucho que ver con la química es algo ya extendidamente estudiado. Que, de alguna manera, se relaciona también con la mística, en cuanto a lo que tiene de unión con lo sobrenatural ese afán de recreación imaginal del mundo de sombras que nos rodea, también. El afán creador de cualquier artesano que es demiurgo enamorado de su obra nos remite a la caverna platónica, desde la que observamos, emulamos y fabricamos realidades.

Anna Atkins fue una botánica e investigadora que consiguió captar plásticamente la sombra que marcaban las algas y especies vegetales que estudiaba, mediante la técnica, aún científica, de la cianotipia, uno de los primeros descubrimientos protofotográficos. Vanguardistas como Man Ray o Moholy Nagy experimentaron con esa huella que los objetos dejan en los papeles sensibilizados, buscando así una manera de arte experimental, surrealista, marcado por el azar y el inconsciente, sin pretensión formal ninguna.

En este momento histórico de proliferación y perfeccionamiento tecnológico de la imagen fotográfica, en el que el uso tan común y tan repetitivo nos ha llevado a perder, por sobreexposición a dichos estímulos visuales, esa sensación de misterio que da la sorpresa de la novedad en la primera experimentación, Laura Brinkmann vuelve su mirada a la esencia, reseteando siglos de historia, capas de superficialidad y prisa, para saborear con calma el origen y la magia de la fotografía.

Sus imágenes coloreadas registran la huella de la luz, descomponiendo su color mediante la observación y la experimentación.

Conversaciones con Goethe

Las sombras coloreadas son objeto de estudio de Johann Wolfgang von Goethe en su libro Zur Farbenlehre (Teoría de los colores) de 1810. Goethe observó que la intensa luz solar del mediodía produce sobre blanco una sombra negra o gris -o un valor más oscuro que la superficie-, pero que bajo otras condiciones, las sombras serán del color complementario del color de la luz.

Goethe estudió la fisiología del ojo en su adaptación a la luz, insistiendo en fenómenos como la percepción del color. La observación de la relación del tiempo en el que la luz incide sobre la superficie fotosensible que es la retina y los efectos visuales percibidos en contraste, le llevó a determinar su teoría del color a partir de colores complementarios. Su influencia, que fascinó a filósofos y físicos, se extendió a las prácticas pictóricas de impresionistas y románticos. Además, Teoría de los colores no sólo rompe radicalmente con las teorías ópticas newtonianas de su tiempo, sino también con toda la metodología de la Ilustración concerniente al reduccionismo científico.

Las impresiones Lumen del proceso explorado por Laura Brinkmann conversan con estos experimentos del alemán en torno a sombras coloreadas, aplicando distintos tipos de luces proyectadas sobre el papel fotosensible. Los halos coloreados que definen la teoría del color y el círculo cromático de Goethe son punto de partida para crear esos discos o círculos que la obra de Laura recrea gracias a una variedad de herramientas que utiliza durante el proceso fotográfico.

“A veces -explica- utilizo objetos confeccionados específicamente y que deposito en el papel exponiéndolos a diversas fuentes de luz durante minutos, horas y días en los que las sombras se van imprimiendo en el papel. En otras ocasiones, utilizo otros elementos para reflejar y desviar la luz sobre sus superficies”

Durante un año de exploración del proceso Lumen con papeles tradicionales de fotografía en blanco y negro para obtener círculos coloreados, utilizando luz solar o artificial, al igual que en aquellos halos subjetivos que describió Goethe, Laura Brinkmann observa la peculiaridad de cada obra única en la que el azar y la naturaleza dejan su huella creando estímulos visuales, concluyendo con una reflexión acerca de la búsqueda de la luz como modo de crear ilusiones ópticas.

Goethe, frente a Newton, explicó que la particularidad que permite estos efectos está en el ojo, y no en la luz: “el ojo es el que forma el color en las sombras para contrarrestar la intensidad de la luz coloreada”. Evidencia, así, la naturaleza creadora y a la vez distorsionadora de la realidad de un fenómeno físico, basado en las leyes de la óptica y de la naturaleza energética de la luz, que, sin embargo, nos sirve para comprobar científicamente que toda imagen es subjetiva y depende del lugar y las condiciones de percepción. Cuánto deberíamos aprender de esta protohistoria de la imagen fotográfica para volver a definir la condición de veracidad de la misma sobre la que se sustenta nuestra civilización y el imaginario colectivo.

De esta manera, -explica Brinkmann-, “las obras actúan como alusiones. Busco generar nuevas formas de ver explorando la relación entre el mundo físico, el tiempo y la percepción.”

Cromatografías

Podemos identificar también un hilo conductor entre la última serie de Brinkmann, “Capilaridad”, y este proyecto que conecta con el anterior y que crea un estilo y temática homogénea en estos últimos trabajos de la autora. La huella de lo que ha sido, que al final es la fotografía. La marca que deja la esencia. Lo que está en la base fundamental de la materia, del arte, de la pintura, de la imagen.

La cromatografía es “un método físico de separación para la caracterización de mezclas complejas cuyo objetivo es separar los distintos componentes”, la cual tiene aplicación en todas las ramas de la ciencia. Laura utiliza las placas de vidrio que usan los científicos para descomponer los colores de los vegetales con disolvente que hace subir por la ley de capilaridad. Una vez manipulada para que salga todo el jugo y color del vegetal, es una gota destilada de la planta lo que deja su huella colorida, como deja la luz su huella colorida en la serie “Sombras Coloreadas”.

Esta descomposición de color, también aleatoria, es un proceso natural y alquímico que culmina en una obra única no esperada. Esas pequeñas piezas de coleccionista que Laura despliega cual entomólogo, con curiosidad científica y al mismo tiempo con la sensibilidad de quien pretende salvaguardar un perfume, nos hablan también de la huella de lo que es presente en el tiempo circular o kairos de la obra de arte.

La presencia del color, al igual que los motivos fotográficos que podemos ver en parte de su trabajo, desaparece con el tiempo. La muerte del ave, la grieta en el huevo, la pluma, la rama que construye el nido, los sedimentos del agua, la huella de la luz, tienen en común esa impermanencia de cualquier huella de la materia y que es cualidad física y esencial de la vida misma.

Elena Pedrosa

Agradecimientos a Antonio Heredia, científico y catedrático de bioquímica de la universidad de Málaga, y Eva Domínguez, Científica del CSIC.

Laura Brinkmann Reimman (Málaga, 1977) es licenciada en Psicología por la Universidad de Granada y en Comunicación Visual, en la especialidad de Fotografía, por la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo. Ha obtenido el premio Málaga Crea, y los premios a la producción de Iniciarte, Ayuntamiento de Málaga y La Caixa. Ha participado en proyectos expositivos en los Museos malagueños MUPAM, CACmálaga y Centro Cultural María Victoria Atencia; Centro Andaluz de Fotofrafía, Almería; MOCA, Taipei; Piana Dei Colli, Palermo, así como en la Bienal de Jóvenes Creadores de Europa y el Mediterráneo, Skopje, Macedonia. Ha colaborado con el Festival de cine de Málaga y ha realizado numerosas exposiciones en galerías y Centros culturales nacionales. Ha participado en Ferias como Estampa, ArteSantander o ArteLisboa. Actualmente participa en la exposición “Galería de Espejos. 21 miradas andaluzas”, comisariada por Juan Manuel Bonet en el Centro Andaluz de Fotografía con itinerancias en el Museo de Málaga y el Teatro Cómico, en Córdoba.

TETE ALVAREZ en Galería JM

Patchworks

TETE ALVAREZ

Inauguración: sábado 19 de marzo de 2022, de 12:00 a 14:00 h.

JMgalería presenta desde el 19 de marzo Patchworks, una selección de trabajos recientes del artista Tete Álvarez (Cádiz, 1964) en los que ahonda en su interés por desentrañar el papel que desempeñan las imágenes en la construcción de la esfera pública, política y social. Tete Álvarez abunda en la línea de trabajo que ya trazara recientemente en el C3A con Escenografías (2021) para concentrar su mirada en la iconografía que decora la escena de la diplomacia internacional y de la representación política.

Ya desde sus primeros trabajos, a principios de los noventa, Tete Álvarez ha elaborado un corpus de obra que asume el protagonismo de los media y las nuevas tecnologías de la información en la configuración de una realidad que de manera progresiva ha ido suplantando a la de la experiencia cotidiana. Y su obra justamente lo que hace es “señalar esa deriva, desvelar el artificio de la impostura, camuflarse en el código discursivo e inocular una pausa”. Para Ángel Luis Pérez Villén, autor del texto crítico que acompaña a la exposición y uno de los mejores conocedores de la obra del artista gaditano, Tete Álvarez es “uno de los artistas españoles que con mayor acierto y hondura trabajan en torno a la problemática de la imagen mediática y su repercusión en el campo social y político”.

Una imagen que desde los inicios se ha reclamado siempre mestiza, “a mitad de camino entre la fotografía y el vídeo cuando se constituía físicamente como aquella y con las cualidades conceptuales de la fotografía cuando se materializaba como vídeo. Y de un desplazamiento al contiguo, de la escultura a la instalación y de vuelta a esta sin descartar la atracción por la desmaterialización, por las tecnologías de la imagen, por el net.art. Desde hace años su trabajo se significa por su celo improductivo, por su negativa a generar más imágenes, a engrosar el acervo iconográfico mediante la creación de nuevas representaciones que supongan un añadido a las ya existentes. Prefiere servirse de las existentes, de las que colmatan a diario los canales de distribución de los media, de las que se alojan en las esquinas de la red. Y con ellas hilvanar una proposición –una promesa de relectura- que se añade a la adherida en origen y que termina poniéndola en cuestión, desvelando su narrativa y los intereses que viene a servir”.

Dos son las temáticas fundamentales de la obra de Tete Álvarez en opinión de Peio Aguirre, por un lado, “la artificiosidad estereotipada de las imágenes no ya de la política, sino de la representación de lo político; por otro, la afectividad que toda imagen mediática tiene hoy en día introducida en los dispositivos más inmediatos a la gente (teléfono móvil, televisión, redes sociales)”. Y tanto una como otra se manifiestan con nitidez en las obras que despliega en los espacios de JMgalería. En esta ocasión Tete Álvarez focaliza la atención en aquellos detalles organizados protocolariamente que envisten de oficialidad y representatividad los actos diplomáticos. “El protocolo como forma y horizonte último de lo político”.

Patchworks, (2022), la obra que también da título a la exposición, es una instalación de impresiones sobre textil que reúne fragmentos de imágenes que componen una estampa mayor en la que cada uno de los insertos repite el motivo para crear un efecto no tanto acumulativo como monocorde. Sensación que se transmite y potencia con la presencia e insistencia de un motivo: zapatos, generalmente masculinos, sobre alfombras. Aquellos negros, si no oscuros y sin veleidad alguna en el diseño y estas reproduciendo una tipología básicamente floral y ornamental que conduce por densidad y reiteración al aturdimiento o cuando menos a la dispensa por el privilegio de la exclusividad. Estas alfombras y este calzado constituyen los elementos visibles de las escenas -extraídas de entre las imágenes que proporcionan los propios gobiernos y cancillerías a través de la plataforma Flickr- con las que se representa la iconografía asociada al poder político.

Angie, (2019) despliega como si de una carta de colores Pantone se tratase innumerables fragmentos de imágenes de la chaqueta de la excanciller alemana Ángela Merkel. Un motivo, para Pérez Villén, “en apariencia anodino pero que suscita un interés significativo en las redes sociales. Su atuendo; mejor dicho, la reiterada costumbre de repetir modelos en sus comparecencias públicas provocó su conversión en meme. Lo que hace el artista mediante un display que se ha hecho habitual en algunas de sus series –marcar el perfil del motivo principal de la representación o trazar con la obra una cota en el espacio expositivo- es señalar la paradoja de dicho fenómeno, evidenciando el fracaso promisorio de las nuevas tecnologías de la comunicación: los media como arma de disfunción comunicativa , o como afirma Peio Aguirre, “las redes sociales como arma de distracción masiva… No sorprende que los anteriores apologetas de la revolución tecnológica sean ahora sus mayores críticos” .

En Red Carpet, (2022) y Grey Carpet, (2022) la mirada se agudiza y se concentra en la parte inferior de las imágenes protocolarias: zapatos y moquetas que se presentan sobre un mosáico de azulejos cerámicos. Esta presencia ha dejado de punzar en la composición, como sucedía en Atrezzo, y pasa a detentar el protagonismo sobre un fondo de moquetas rojas y grises. Ambas series apuntan, según Pérez Vilén, “a la uniformidad en la representación de lo político, en cuya configuración se disuelve la identidad del individuo, se unifican los intereses estéticos -zapatos cerrados, oscuros- y se evidencia la faz masculina del poder. Frente a la ductilidad cromática de las chaquetas de Ángela Merkel nos encontramos con el talante bruno con que se calzan los mandatarios mundiales”.

En Official Portrait, (2017) la intervención sobre la imagen matriz va más allá de su selección analítica y encuadre. Las figuras que aparecen centradas en la escena –retratos oficiales de altos mandatarios de la política internacional- han sido veladas totalmente por una mancha negra que reproduce su forma. No es la sombra, para Pérez Villén, “propiciatoria y redentora de Tanizaki , cargada de posibilidades, algunas adversas, cierto, pero también positivas en potencia y seminales en el florecimiento de la belleza; más bien se trata de una oscuridad nociva para el progreso, la transparencia y la luz. No es la sombra que aniquila la identidad del individuo, la que le priva de su libertad y derechos como persona, no es la sombra de los inmigantes que retrata Eric Aupol, es la sombra que solapa y niega cualquier atisbo de singularidad o empatía y que como contrapartida ofrece la masa negra de quien figura como acreedor de unos símbolos –banderas- que terminan diluyéndose en el opaco concierto coral de la globalidad. La primera versión de Atrezzo, (2014), consistente en una serie de cibatrans (fotografías en cajas de luz) que representan escenarios de diferentes encuentros entre mandatarios, se mostró en Desplazamientos, la anterior y primera muestra individual de Tete Álvarez en la JMGalería, donde ahora concurre con una versión en video monocanal: Atrezzo, (2019). El planteamiento es el mismo, pasando de la imagen fija de la fotografía al movimiento y solapamiento de los sucesivos insertos de vídeos y audios de dichos encuentros. Imágenes y sonidos que provienen de los repositorios que los gabinetes de comunicación y que configuran un collage compuesto por fragmentos que se centran en los exornos florales que decoran las reuniones bilaterales, audiencias y entrevistas de altos dignatarios políticos extraídos de los canales de YouTube de instituciones como el Consejo de la Unión Europea, 10 Downing Street, White House, Bundestag, Quirinale, Palazzo Chigi, Moncloa, etc.

«Ya es tiempo» de Chema Lumbreras en Galeria JM

Ya es tiempo

CHEMA LUMBRERAS

AVANZAR HACIA UNA ESTRELLA, SOLO ESO.

En la expo de Chema Lumbreras, todo el S.XX parece caerse precipitadamente y se rompe con un finísimo crac que suena a estado-nación debilitándose, que suena a piedra que por fin proclama lo que la silencia. Y quien guía el horizonte del Delirio es Heidegger, que extiende en el pasado el estar presente, y Celan, que encontró la flor, esa palabra que le remontó el verano.

¡Arbeit macht frei!

La cabaña donde se reunieron ambos escritores establece el metafórico diálogo de la expo: como si Heidegger fuese nuestro pequeño y terco tercer-reich y Celan el judío a través del que reflexionamos nuestro ser víctima; los dos sosteniéndose en el ancho espacio de la nada, esperando a la angustia que dormita en el instante para revelar al ser aconteciendo. La brillantez cabe en cualquier agujero: el de matar o el de crear. Chema nos cuenta que somos el ser descubriendo en su angustia la apoteosis de la nada, somos el pulso viviendo en el derroche del ahora y su trascendencia. Y, luego, la angular, incomprendida, vidente lágrima. Así, en ese diálogo de ambos escritores caben todas las discusiones del mundo, más allá del lugar donde alguna vez charlaron de amapolas, la realidad sumía su distancia en ambas capacidades. Si el carácter destructivo es joven y alegre, el poeta revela una vejez recién nacida: filosófico es el preguntar, y poético el hallazgo.

Y en ese espacio de lo sucedido, Chema pone la crueldad, la ternura y el humor, inventa los asuntos de la premuerte, los recrudece, los hace tiernos, evidentes o tensos, desgarradores o infantiles. Un trabajo medido en el todavía-no del futuro heideggeriano y el lenguaje como lindero de tinieblas de Celan. Qué eficiencia de pájaros andando, de miedo a rayas, de saltos a un vacío circunconcéntrico, de flores que se desbordan en la adormecida memoria. Nunca fue más irónico andar rodeando, nunca un camino concéntrico fue más directo.

Al final, a la hora verdadera de los epitafios donde se coincide por fin en el espacio con vistas hacia el nunca, Celan dice:

Las dos puertas del mundo

están abiertas:

abiertas por ti en la doble noche.

Las oímos golpear y golpear

y llevamos lo incierto,

llevamos el verdor a tu siempre.

——–

En el epitafio de Heidegger: Avanzar hacia una estrella, solo eso.

María Eloy-García *Compuesto con citas e ideas de Heidegger, Celan, María Zambrano, Walter Benjamin y Hannah Arendt.

ARTESANTANDER 2021/ JOSÉ LUÍS VALVERDE / JMgalería / 24-28 DE JULIO DE 2021

• 

José Luís Valverde. El beso de buenas noches. 2021 Óleo sobre lienzo. 46 x 38 cm

JOSÉ LUÍS VALVERDE

  Le salon dans le Paysage

24 – 28 Julio 2021

Palacio de Exposiciones y Congresos de Santander (Cantabria)

La obra de José Luis Valverde se construye a través de la recuperación de géneros pictóricos.  El concepto de cita –intrínseco en su trabajo- se encuentra con el término que Mieke Bal llama revisión activa, con esto atiende a la necesidad de rescatar del pasado fragmentos formales, estilísticos o conceptuales, además de cuadros concretos pertenecientes a la tradición pictórica. Este recurso, le permite establecer relaciones temporales y discursivas entre la fuente histórica a la que acude, y el marco temporal donde lo recontextualiza, permitiendo así, establecer un análisis de carácter cronológico y discursivos a través del relato histórico. Es por ello que este proyecto se basa en la pintura de Edouard Vuillard Cartón de estudios I, Pont -L´evêque. Valverde construye un recorrido a través de las fragmentaciones del cuadro del artista francés, estableciendo diálogos entre pinturas de vegetaciones, vanitas y esculturas de pequeño formato.

José Luis Valverde (Málaga,1987) es Graduado en Bellas Artes y Máster en Producción Artística Interdisciplinar por la Universidad de Málaga, donde actualmente realiza su investigación doctoral. Ha realizado exposiciones individuales en Centro Cultural CajaGranada – Memoria de Andalucía (Granada, 2020), FACBA – Facultad de Bellas Artes de Granada (2020), Sala de Exposiciones del Convento de Santa Inés (Beca Iniciarte, Sevilla, 2019), Open Estudio – Griffin Gallery (Londres, 2016), Facultad de Bellas Artes de Málaga (2016) y en JMGaleria-ColumnaJM (Málaga, 2016), entre otras. Además, ha participado en numerosas colectivas en ámbitos como CCP María Victoria Atencia (Málaga 2019 y 2016), en Espacio El Butrón (Sevilla, 2018), CACMálaga (2018), Fundación Bancaja (Zaragoza, 2018), Centre del Carme Cultura Contemporània (Valencia, 2017) o Espacio Iniciarte – El Palmeral de las Sorpresas (Málaga, 2014), ARCO Madrid, en dos proyectos conjunto para ABC Cultural (2018) e INICIARTE, comisariado por Javier Bermúdez este mismo año, y en Getxoarte (2017), entre otras muchas. Su obra ha sido reconocida, entre otros, con el primer premio MálagaCrea Artes Visuales 2018, la Beca Colart – The Fine Art Collective (Londres, 2017), A Secas. Artistas Andaluces de ahora (CAAC, Sevilla, 2015), la Beca Residencia ‘Creadores’ de La Térmica (Málaga, 2015), FACBA 2020 (UGR, Granada) o la Ayudas a la Producción Ayuntamiento de Málaga / Fundación La Caixa (2020) junto con la JMgalería. Su trabajo forma parte de las colecciones Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura, CACMálaga (Málaga), Fundación Benetton, Universidad de Málaga o Ayuntamiento de Málaga, entre otras, así como de numerosas colecciones privadas.

INAUGURACIÓN INSIDE – OUT de ADRIANA TORRES

INSIDE – OUT

ADRIANA TORRES

INAUGURACIÓN: VIERNES 11 DE JUNIO DE 2021, DE 18:00 A 21:00 H

La reflexión sobre el ser humano, sus preocupaciones y sufrimientos, el papel de la mujer en nuestra sociedad, nuestro yo interior, el silencio, la soledad y la epidermis social, son los aspectos que le preocupan, como artista y como mujer, a Adriana Torres, que presenta por vez primera en la ciudad de Málaga una exposición individual bajo el título INSIDE-OUT, y que recoge dos series de trabajos totalmente inéditos integradas por 30 obras entre esculturas, pinturas y dibujos en diferentes soportes como espejos, lienzos y papel, y cuya composición y distribución expositiva enfrenta ambas series en una suerte de dualidad discursiva entorno a nuestro yo superficial, nuestra imagen y lo que queremos proyectar de nosotros al exterior, frente a nuestro mundo interior, ese yo introspectivo incapaz de jugar a la especulación de la imagen que responden a la filosofía de su autora incardinada en el Arte Confesional.  En palabras de la artista sobre su serie Mirrors: “Los espejos tratan nuestra imagen externa, los selfies hablan de lo que queremos enseñar a los demás, imágenes forzadas y retocadas, una posverdad sobre nosotros mismos, al tiempo que componen una imagen que nos devuelve nuestro reflejo, quiénes realmente somos, el selfie que en ocasiones solicitamos hacernos con alguien a quien supuestamente admiramos…” El selfie, en efecto, se ha convertido en un elemento nítidamente definidor de la sociedad actual, en lo que podría llamarse su dimensión epidérmica o exterior. Es elemento constante de nuestra vida social y por ello mismo componente estructural que nos define. En palabras del prestigioso filósofo y crítico de arte, Fernando Castro Flórez, autor del texto del Catálogo de la Exposición, “Vivimos atrapados en la compulsión de repetición de nuestra imagen, en un narcisismo que no conduce a la postre a otra cosa que a la insatisfacción. Con enorme lucidez, Adriana Torres se “apropia” de selfies puestos en circulación en Internet para pintarlos sobre espejos que, por supuesto, “incorporarán” al espectador en esa pose superficial. Los marcos antiguos que utiliza esta artista (inspirada según confiesa en los de los espejos de los palacios napolitanos) establecen una fricción temporal (la memoria frente al vértigo de lo actual, el pasado confrontado con una instantaneidad amnésica) pero también introducen una delimitación “lujosa” para invocar un deseo contemplativo. Esta mise en abyme de la “pulsión sélfica” que nos recuerda aquellas obras especulares de Pistoletto, da cuenta de la ansiedad de una belleza cosificada o, en otros términos, de una “modelización” de la subjetividad que puede no ser otra cosa que un “sometimiento” ridículo. No es irrelevante que la única mujer que no se está haciendo un selfie en estos “retratos de cámara” sea la propia Adriana Torres que hace un paródico gesto de victoria con el pincel en la mano, en un guiño velazqueño que nos hace cobrar conciencia de la cualidad heterotópica del arte.”

En palabras de la autora en alusión a la serie ROOTS OF DREAMS, “se habla de nuestro verdadero yo, de cuando estamos solos, en silencio, de cuando nuestro corazón se expande al darle sitio de reflexión, de calma y de sincera verdad”. En el fondo, las dos dimensiones nos representan. Es lo que somos, ambas constituyen un “espejo” en que se refleja nuestra realidad, superficial y profunda, verdad y posverdad. En sintesis y en palabras de la autora: “la identidad y la verdad”

Adriana Torres (Sevilla,1968) es Graduada en Bellas Artes y doctorada por la Universidad de Sevilla. Realiza cursos de Post Grado, en la prestigiosa Central Saint Martins, University of the Arts London. Ha realizado exposiciones individuales, colectivas y participaciones en ferias en numerosas ciudades españolas, así como en los países Reino Unido, Austria, Holanda, Portugal, Armenia, Corea del Norte, Taiwán, Austria, Paraguay y EEUU, destacando sus exposiciones en el Instituto Cervantes en Londres,  y la participación en la Bienal de Maastrich.

INAUGURACIÓN: «Selva del tiempo» de JOSÉ LUIS VALVERDE

Selva del tiempo

JOSÉ LUÍS VALVERDE

Proyecto comisariado por

POLAROID STAR

Inauguración: Sábado27 de febrero de 2021  (11:00 h a 18:00 h)

Selva del tiempo

La primera vez que estuve en Estambul, mientras paseaba por no recuerdo qué barrio, encontré una antigua casa señorial con un hermoso jardín, descuidado y majestuoso en su espesura. Como tenía abierta la verja, continué mi vagabundeo entre aquella vegetación casi salvaje, hasta llegar a lo que, en principio, me costó reconocer como una tumba en el suelo. La razón de mi despiste era un enorme árbol que había reventado la losa, y se erguía brioso hacia el cielo desde la fosa… Y eso es lo que hallamos en Selva del tiempo, muertos que viven en la vegetación que José Luis Valverde ha pintado para ellos. En ellos. Con ellos.

Ellos somos nosotros cualquier día que pasa, pues del tiempo va esta exposición, y de modos de ser en el transcurso de la desaparición. De hacerla ver y de hacerla nuestra. Si el abuelo de Pepe Valverde era pintor amateur además de hacer tumbas, parece que su nieto ha profesionalizado lo primero y recuperado su querencia por las lápidas… Mas, sobre todo, por lo que puede haber ahí debajo, todo un mundo de posibilidades que, en las manos de nuestro artista, se hace de óleo y regusto irónico por la tierra removida, por el olvidado aliento de los habitantes de un lodo oscuro y fértil que nos incita a sumergirnos en él, adelantando el momento del festín de los bichos del subsuelo, o quizás invitándonos a la fiesta. En su Memorias póstumas de Brás Cubas, Machado de Assis hacía que su protagonista nos recibiese en la primera página con un estupendo brindis: “Al gusano que primero royó las frías carnes de mi cadáver dedico como sentido recuerdo estas memorias póstumas”. Irónica y sagaz entrada a un texto tan divertido como relevante, que comparte tono lúdico y abismal con las pinturas y esculturas que aquí nos trae Valverde. Pues sí, de entrada, el tema fúnebre podría hacernos esperar una semántica del pesar y la melancolía, el filtro del placentero hacer pintura de nuestro autor ha dejado en estas obras un encanto de lo tenebroso que destella fogonazos cromáticos como nocturnas flores venenosas, luces de una verbena ultraterrena que condimenta paisaje con vanitas, a modo de jugosas naturalezas muertas más vivas que nunca. Montadas en un primoroso relato espacial, las piezas de Selva del tiempo respiran hondo como la mala hierba, en una fronda pictórica que nos deja sólo atisbar el resto de los difuntos, donde ya no sabemos cómo acaba el hueso y empieza lo verde. Emboscándolos en su follaje, Valverde nos ralentiza su aparición, administrando una economía de la visibilidad de la que ya ha hecho discurso propio, demorando la imagen en su aceite primigenio de pasta y gesto, de estrategia barroca y lucidez decadentista. Por eso, el fluir de los acontecimientos de óleo sobre las telas, o de dientes en el yeso, late con el vigor de la savia amarga y febril del que sabe que el qué y el cómo son ya lo mismo, como lo son estos cadáveres y sus refugios. También por eso Valverde puede pintar la vida de estos muertos en un tiempo más allá, y más abajo, del que habitamos nosotros, una posteridad hermosa y oscura sin llantos ni quejas, con gatos que nos miran y pájaros que vuelan antes, o después, de ser sus caninas devoradas… O también más acá y más arriba, junto a nosotros en el armario o en el plato, ante el mar o en el espejo, compañas de otros tiempos que están en éste… Así nos ofrece Valverde unas santas sillas en las que sentarnos a este banquete servido en el sustrato del paraíso, exquisita revisión de los tabúes que nos ocultan el único futuro cierto. Un convite sensualista de pintura y tierra leve, húmeda y cálida, campo fecundo para el quehacer de un artista que no deja de crecer como las pujantes plantas de esta su jungla crónica, silenciosa y anhelante de lo desconocido, hambrienta de más tiempo que hacer pintura, para nosotros y, bien lo sabe Valverde, para ellos. Pues si todos seremos polvo, ahora somos pintura en la Selva del tiempo.

Polaroid Star

José Luis Valverde (Málaga,1987) es Graduado en Bellas Artes y Máster en Producción Artística Interdisciplinar por la Universidad de Málaga, donde actualmente realiza su investigación doctoral. Ha realizado exposiciones individuales en Centro Cultural CajaGranada – Memoria de Andalucía (Granada, 2020), FACBA – Facultad de Bellas Artes de Granada (2020), Sala de Exposiciones del Convento de Santa Inés (Beca Iniciarte, Sevilla, 2019), Open Estudio – Griffin Gallery (Londres, 2016), Facultad de Bellas Artes de Málaga (2016) y en JMGaleria-ColumnaJM (Málaga, 2016), entre otras. Además, ha participado en numerosas colectivas en ámbitos como CCP María Victoria Atencia (Málaga 2019 y 2016), en Espacio El Butrón (Sevilla, 2018), CACMálaga (2018), Fundación Bancaja (Zaragoza, 2018), Centre del Carme Cultura Contemporània (Valencia, 2017) o Espacio Iniciarte – El Palmeral de las Sorpresas (Málaga, 2014), ARCO Madrid, en un proyecto conjunto para ABC Cultural (2018) o en Getxoarte (2017), entre otras muchas. Su obra ha sido reconocida, entre otros, con el primer premio MálagaCrea Artes Visuales 2018, la Beca Colart – The Fine Art Collective (Londres, 2017), A Secas. Artistas Andaluces de ahora (CAAC, Sevilla, 2015), la Beca Residencia ‘Creadores’ de La Térmica (Málaga, 2015), FACBA 2020 (UGR, Granada) o la Ayudas a la Producción Ayuntamiento de Málaga / Fundación La Caixa (2020) junto con la JMgalería. Su trabajo forma parte de las colecciones Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura, CACMálaga (Málaga), Fundación Benetton, Universidad de Málaga o Ayuntamiento de Málaga, entre otras.

«De gente en gente» de JOSÉ MIGUEL CHICO LÓPEZ

De gente en gente

JOSÉ MIGUEL CHICO LÓPEZ

CHICO LÓPEZ: Geometría compartida y logaritmo humano.

“El tiempo puntillista está roto, o más bien pulverizado, en una multitud de instantes eternos  –eventos, incidentes, accidentes, aventuras, episodios-,

mónadas cerradas sobre sí mismas, bocados diferentes,

y cada bocado reducido a un punto que se acerca cada vez más

a su ideal geométrico de no bidimensionalidad”.

Zigmunt Bauman,Vida de consumo

Vivimos en tiempos de realidad compleja, parafraseando a Nick Srnicek diríamos que son de “profunda transformación”[1]. Los mantras de la modernidad reducidos a la geometría de las formas básicas, a la pureza del medio, o a la eficiencia y racionalidad productiva han sucumbido ante una nueva era digital acelerada que condensa el deseo humano y el tiempo presente dentro de un paradigma tecnológico controlado por logaritmos y big data. Si para Bauman lo líquido era la forma óptima de definir la temporalidad en la postmodernidad como disfrute hedonista de un presenteísmo perpetuo, será un nuevo concepto, el time complex[2], el que denomine este nuevo tiempo, “cada vez más gobernado por las tecnopolíticas y predeterminado por los algoritmos del capital”, siendo la digitalización del mundo síntoma de nuestro tiempo. En sintonía con estos flujos de información el individuo, subsumido en este mundo-red, construye su identidad de pantalla en pantalla satisfaciendo su deseo a golpe de clic, dentro de una nueva realidad que no es posible abordar desde una teoría simplista de los hechos.

Ante esta configuración de tiempo presente el anhelo melancólico de retorno del pasado no es posible desde el arte, circunstancia que Chico López indaga en este proyecto en JM Galería. Para el artista, el reduccionismo basado en el cuadrado, el triángulo y el círculo como modelo estético inspirado en la geometría está superado. En lugar de ello, propone una nueva manera de abordar la complejidad del presente mostrando una especie de paisaje topográfico donde todavía queda lugar para lo humano. O más bien poshumano, pues estos “restos”, conclusión del proceso de trabajo al que somete sus dibujos y pinturas, se asemejan más a una conciencia maquínica que a la destreza artesana.

Cercano, a primera vista, al trabajo de autores de la Escuela de Cálculo como Elena Asins, Manuel Barbadillo o Eusebio Sempere, Chico López busca alejarse de esta concepción tan matemática del espacio apostando por dotar a su “algoritmo” de personalidad propia. En este sentido más que partir de una imagen dada de antemano, su proceso de trabajo se nutre de elementos como el azar, o lo aleatorio, tratando de devolver calidez humana a la geometría. El artista plantea un modus operandi del cual no conoce su final, comenzando sus piezas con unas pautas programáticas las cuales deja llevar por el proceso. De un modo cuasi esquizofrénico vemos como la repetición de elementos, líneas y contrapuntos se despliegan por el plano de lo visible, como un intento de desbordar la percepción y esquivar la realidad, recordando por momentos las partituras experimentales de John Cage. Una especie de ritmo inserto en las diferentes piezas acompaña a modo de estructura sinfónica una suerte de paisajes diagramáticos que recuerdan alzados urbanísticos en algunas piezas o apuntes arquitectónicos en otras. En ocasiones se produce cierta sensación de vértigo, la desmesura del contrapunto en forma de dibujo provoca una fuga que desborda la mirada consecuencia de la acumulación de notas de información. Un modo de incidir en la realidad desde dentro planteando una nueva musicalidad imaginaria que se enfrenta a las imágenes silentes de la red, dotando de calidez lo que nos rodea. Es este escenario des-digitalizado donde se posibilita la escapada del flujo cotidiano de información binaria que nos devora y se puede ejercer algún tipo de resistencia al algoritmo-red en un contexto neoliberal de ganancia capitalista.

El proyecto “De gente en gente” se sirve de la tecnología no para conseguir plusvalía sino para ponerla al servicio de lo humano con un ejercicio de intervención desde los cimientos del sistema: “un nuevo proyecto que esté a la altura de la revolución digital” se sirva de “la infraestructura tecnológica de lo contemporáneo, es decir, de los algoritmos que lo determinan” y trate de paliar las consecuencia malignas del capitalismo al tiempo que se vislumbra un horizonte de futuro.

[1] Srnicek, N: Capitalismo de plataformas. Caja Negra. Buenos Aires. 2018.

2 En adelante citas de: Avanessian, A: Miamificación. Materia Oscura Editorial. 2019.

Javier Bermúdez

José Miguel Chico López  (Linares, 1967) es licenciado por la Facultad de Bellas Artes Alonso Cano de la Universidad de Granada en 1991 y Doctorado en Historia y Artes por la Universidad de Granada en 2018. Su trabajo artístico está vinculado a su obsesión por la separación Arte-Sociedad. Ha realizado más de veinte exposiciones individuales en sus veinte años de trayectoria profesional en diversas galerías y salas institucionales y también ha expuesto sus trabajos en ferias de arte internacionales como ARCO Madrid, SCOPELondon BALELATINA, Basilea, ARTEFIRA Bolonia. Su trabajo está representado en numerosas colecciones públicas y privadas  como las del CAC Málaga,  Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Fundación Luciano Benetton. Fundación Coca-Cola España,  Museo Zabaleta y las Universidades de Granada y Juan Carlos I, Madrid, entre otras

Desde 2013, Chico López ha utilizado su álter-ego USTED para desarrollar aspectos sonoros y videográficos dentro de su obra artística. En 2016 grabó su primer LP “Dios” con la productora granadina Grupo de Fe. Basándose en un desarrollo geométrico aleatorio que produce su obra gráfica y sonora, edita vídeos-animados que presenta junto a sus performance sonoras. Las ha presentado dentro del programa Openstudio 2014 en Madrid o en la celebración del centenario del nacimiento de José Guerrero “Apertura en Negro” para el centro que lleva su nombre en la ciudad de Granada.

---

[1] Srnicek, N: Capitalismo de plataformas. Caja Negra. Buenos Aires. 2018.

[2] En adelante citas de: Avanessian, A: Miamificación. Materia Oscura Editorial. 2019.