FUTURO-FICCIÓN: TO BE CONTINUED…

GALERIA JM

FUTURO-FICCIÓN: TO BE CONTINUED…

 

Álvaro Albadalejo, José García Vallés, José María Hevilla, Victoria Maldonado

 

La Ciencia-Ficción no es un género literario insustancial. Más allá de la aparente apología científica-mecánica, evalúa aspectos lúcidos que tienen que ver con los problemas internos de cada sociedad, algo de lo que ha hecho uso el ser humano ante el deseo de escapismo que aflora cuando contempla dificultades para abordar la realidad que está viviendo.

 

Simbólicamente, huir a otros tiempos y otros entornos mirando hacia los grandes retos del hombre, son métodos que sirven para  establecer un tanteo acerca de qué preocupaciones colectivas hay, y regular parámetros que pueden tener cierto aire  profético, o bien, solo hacen crítica social. Hoy en día, la Ciencia-Ficción se ocupa de perfilar una perspectiva catastrófica de futuro, cuestionando temáticas que atañen a la globalización, como pueden ser la ecología, el uso inadecuado del agua o las energías, la soledad, la pobreza, los cambios estructurales o la creciente tecnología.

De este modo, se plantea una exposición que funciona como un relato ficticio y subjetivo de contenido reflexivo. Cada uno de los cuatro artistas que conforman esta exposición, conecta accidentalmente con temáticas supeditadas al género, y esto lo relaciona con problemáticas vigentes. Detrás de sus obras, hay un contenido existencial  que se manifiesta en el deseo de romper los límites de lo imposible.

 

El caso más evidente lo encontramos en las obras de Victoria Maldonado (Málaga, 1989) cuyas esculturas de porcelana recuerdan a seres provenientes del espacio exterior. A pesar de su carácter espiritual, la morfología orgánica que presentan, nos transporta a una dimensión en la que se puede contactar con figuras ameboideas de carácter hostil. Aborda la temática de “Lo Insólito”, es decir,  las invasiones a la Tierra o las mutaciones narradas en la versión Hard del género, y se traduce a la problemática social actual como preocupación por la existencia; el miedo a la guerra, la destrucción o la perversidad.

 

También así ocurre con la obra de Álvaro Albadalejo (Granada, 1983). Sus piezas inquieren sobre la enajenación, la alucinación o la psicología alterada. Se relaciona con “la Fantaciencia”, otro subgénero Hard. Sus obras forman parte de éste diálogo como una suerte de Solipsismo, una creencia metafísica que defiende que la realidad no es más que los estados mentales del propio yo. Esto justifica la existencia de mundos personales ficticios, y en su transcripción social, se manifiesta como desasosiego provocado por construcciones psicológicas pesimistas, derivadas de la marginación social.

 

José María Hevilla (Málaga, 1990) por su parte,  hace uso de la “Versión Clásica” del género, en la que se propone una realidad simulada como promesa de algo mejor. Aborda el tema de la comunicación a través de lenguajes digitales, y critica con ello problemáticas vinculadas con la concepción del hombre actual como puede ser el consumo, la putrefacción o la vigilancia. Plantea para ello alternativas programadas, como la inteligencia artificial de la que parten los ciborgs. Es readaptar la temática de Frankenstein a la programación informática y reinterpretarla a través de la pintura. Se trata de rediseñar un modelo que pretende una versión mejorada, pero que no siempre sale bien.

 

Cuestiones más científicas son las que subyacen a la obra de José García Vallés (Sevilla, 1986). En su caso, armoniza formas, secuencias y luces para abordar el metaterritorio. Le interesan los ciclos espacio-temporales, la astrofísica y la conexión con el límite de futuro. La idea de llegar a una distopía ideal a través de la tecnología justifica un interés social por los cambios estructurales, algo que enlaza en Ciencia-Ficción a través del subgénero de la “Ucronía”, una reconstrucción de hechos posibles, que no han sucedido realmente. Viajar en el tiempo, tecno-ciencia mediante, es posible, y esto garantiza una perspectiva de futuro tangible al cambio.

Expuestas estas conexiones, se invita al espectador a construir su propia historia de Ciencia-Ficción a partir de las obras que constituyen la exposición como constructo de una mente que concibe la posibilidad de encontrar nuevas vías en una realidad alternativa, alejada de los esquemas establecidos en el pasado, y  que son aquellos que continúan hoy, aunque en constante evolución, en nuestro presente.

 

 

Patricia Bueno del Río

 

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José Luís Valverde en Galería JM

 

J M g a l e r í a

Inauguración / Opening

Viernes 27 de abril, a las 20:30 h

 

 

José Luís Valverde

 

J M s h o w

JMgalería presenta, el próximo viernes día 27 de abril, a las 20:30 horas, un nuevo grupo de trabajos del artista José Luís Valverde, que se incorporan al proyecto expositivo curatorial JMshow.

 

 Tras poco más de dos años, vuelve a JM galería el artista José Luis Valverde, esta vez al espacio general de la programación expositiva,  después del descubrimiento de su obra a través de Huile de Poison, su debut expositivo gestado en un doble proyecto: Huile de poison. Adornos”, en las salas de la facultad de Bellas Artes de Málaga; y Huile de poison. En el salón, en Columna JM, -espacio dedicado al arte emergente andaluz dentro de la galería-, articulados ambos bajo el comisariado de Carlos Miranda; y tras su reciente paso por Londres y ARCOmadrid, gracias a la beca Fulbright y el proyecto ABC ARCO respectivamente. En esta ocasión, presentamos un nuevo grupo de trabajos, esta vez, integrados en el proyecto curatorial JMshow.

José Luis Valverde (Málaga, 1987) es un artista que difumina hasta borrar por completo la línea divisoria entre la figuración, en tanto que se reconocen elementos de la realidad en sus cuadros, y la abstracción, fomentada por el uso monocromo del negro, que imposibilita una fácil apreciación de lo representado, y que sólo se ve momentáneamente alterado por la presencia de algunas pinceladas, más que expresivas, en tonos azules. Una difícil apreciación que no es gratuita, sino que atiende, como bien escribía Carlos Miranda, a una intención de negar la imagen y hacer reflexionar sobre el lienzo cómo difícil espacio de exposición de la pintura para, en última instancia, obligar al espectador o espectadora a acercarse a la obra y desentrañar qué es aquello que aparece oculto entre tanta oscuridad. Retomando la pincelada y el empleo del óleo, estos adquieren una presencia protagonista en su trabajo, llegando a denominar al material como “veneno”. Dicha relevancia al material empleado en la obra, que llega a convertirse en contenido y adquiere la misma importancia que los propios elementos representados, ya la encontrábamos en movimientos artísticos de gran relevancia del siglo pasado tales como el Expresionismo Abstracto norteamericano o el Informalismo Europeo -recordemos a Manuel Millares-, que, con sus diferencias y semejanzas, compartían un rasgo común: llevar la pintura a una dimensión más matérica e híbrida donde los límites entre pintura y escultura, e incluso objeto, quedaran completamente destruidos. Algo que puede apreciarse en la obra titulada Skull and Candle (After Gerhard Richter) donde el artista emplea empastes de pintura que sobresalen del soporte llegando a convertirse en relieve. Además, el título, lejos de ser inocente, se inscribe en la tendencia apropiacionista, muy frecuente en el panorama artístico desde hace unas décadas, al aludir a una obra del conocidísimo artista Gerhard Richter, del mismo nombre, para resignificarla. Pero los guiños a la Historia del Arte son frecuentes en Valverde, presentes en sus anteriores trabajos en el empleo de floreros, similares a bodegones y naturalezas muertas, así como el paisaje con un carácter simbólico, y en este caso a la vanitas tan prolífica durante el barroco europeo y, en concreto en el español, en la obra comentada anteriormente, donde observamos la calavera y la vela, signos de la fugacidad de la vida y el transcurrir del tiempo que a todos y todas nos iguala. Un perfecto ejemplo donde la tradición y contemporaneidad unen fuerzas en pos de nuevas y frescas creaciones artísticas.

 

Javier Hurtado

 JMshow es un nuevo formato expositivo de carácter curatorial que sustituye el modelo de programa expositivo tradicional de la galería mediante un show room en constante transformación a lo largo de la temporada, a través de continuas renovaciones en sus contenidos, con la idea de dinamizar las presentaciones de las obras de los artistas de la galería, otorgándoles una mayor visibilidad periódica a sus nuevos trabajos, así como la presentación de otros muchos artistas que se van incorporando en un proceso constante para establecer diálogos y nuevos relatos. Este nuevo formato expositivo, cuyo programa se complementa alternativamente con sesiones de música, performances y diferentes eventos culturales, pretende en definitiva lograr una mayor dinámica en la producción, difusión y comercialización de las obras, con objeto de fomentar la audiencia, el coleccionismo, así como el interés general en el arte contemporáneo a través de la práctica de una política de gestión cultural más activa y dinámica.

 

El relato continúa

 JMshow lo integran en la actualidad seis artistas que dialogan e investigan, a través de una amplia selección de sus trabajos, en torno a la interpretación de la naturaleza -entendida ésta en su más amplio espectro del universo material-, así como sobre la forma simbólica de los fenómenos del mundo físico asociados a la humanidad,  a través de diferentes disciplinas artísticas.

El paisaje como género que trasciende, a través de la pintura, los mundos fascinantes, soñados, de Patricio Cabrera (Ginés, 1958) nos adentran en nuevas y sugerentes formas geométricas del espacio. Paisajes codificados en los que el gran maestro de talento e imaginación desbordantes, dominador absoluto del espacio y el color a través del medio pictórico, recorre la exuberancia de los paisajes brasileños aprehendidos en sus largas estancias en los trópicos de Sao Paulo y en los múltiples viajes biográficos de su memoria. Pero también la biología y la naturaleza en los pasajes bibliográficos que transita a través de sus interminables exploraciones por la sabiduría de los álbumes botánicos. El panteón, la bananera o la rana conforman en algunos de sus trabajos recientes una iconografía ornamental que configura un nuevo atlas de significados.

Negar la imagen y enfrentar al espectador o espectadora al lienzo, espacio que se erige problemático en la actualidad como soporte y exhibidor de la pintura, son las tónicas principales del trabajo de José Luis Valverde (Málaga, 1987) acentuadas todavía más por el uso del óleo y las expresivas, pastosas y sutiles pinceladas negras que oscurecen la superficie llegando a desnaturalizar lo representado y ocultándolo en la más suma oscuridad, lo que obliga a acercase a la obra para poder desentrañar el contenido del cuadro que bascula entre la figuración y la abstracción.

El vínculo con lo sagrado, a través de la experiencia espiritual y estética trascienden las  recientes pinturas de Ramón David Morales (Sevilla, 1977). Gran observador de la naturaleza e interesado en las ciencias de la astrología o la física, así como en el estudio del universo y sus valores esenciales, actúa como un alquimista de la pintura para crear un trabajo silencioso, colorista, diferente y original, lleno de frescura y vitalidad, de contundentes formas geométricas y perspectivas espaciales, logrando unos paisajes simbólicos, místicos, hipnóticos ante es espectador, cuyos límites y conceptos homenajean los elementos primarios de la naturaleza y sus recursos básicos.

El hombre desde su habitabilidad en el mundo y la condición humana es abordada por Chema Lumbreras (Málaga, 1957) desde una óptica literaria y filosófica en sus originales dibujos y conjuntos escultóricos, a través de los que crea un nuevo mundo de ficción mediante un potente discurso metafórico sumergido en el territorio de la fantasía. La escala reducida de las figuras que componen sus esculturas sirve al artista para elaborar escenarios inmensos, y crear fragmentos de micro relatos a través de sus personajes, insectos, animales y seres extraños que nos transportan a límites insospechables de la imaginación para abordar la grandeza del ser humano, pero también su insignificancia y fragilidad en las sociedades contemporáneas.

Por su parte, la pareja artística Alegría y Piñero (Córdoba, 1985; Chiclana de la Frontera, 1975) vienen desarrollando un proceso de trabajo interdisciplinar, que ellos han denominado bajo el concepto global de Encicloscopio: un ejercicio de mirada cíclica en torno a la imagen, la forma y el sonido, para mostrar múltiples puntos de vista que revelan presencias desdobladas. La nueva serie de trabajos, definida con el término de enciclolalia, es el resultado de una profunda investigación en torno a los antecedentes del habla, a través de un proceso de investigación y descubrimiento de la forma, en el que confluye el ingenio, la artesanía y la acción performativa, para materializarlo en una serie de esculturas, instalaciones y artefactos a modo de máquinas de interpretar. Estas arquitecturas parlantes, desvelan, mediante el movimiento o su accionamiento, mensajes ocultos a través de la simulación del gesto labial y su expresión, traducida en sonido, como camino de aproximación a los orígenes de habla, apelando a la capacidad primigenia de la comunicación humana a través de la voz.

 

Alegría y Piñero en Galería JM

JMgalería presenta, el próximo sábado día 17, a las 20:00 horas, un nuevo grupo de trabajos de los artistas Alegría y Piñero, que se incorporan al proyecto expositivo JMshow.  

 

 

 Enciclolalia

Todo nuestro proyecto artístico se define bajo el concepto de Encicloscopio: Un ejercicio de mirada cíclica alrededor de la imagen, la palabra, la forma, para mostrar puntos de vista múltiples que revelen presencias desdobladas, escurridizas, balbuceadas. Para Enciclolalia situamos como centro la creación de un habla artificial, concebida al margen de una escritura. Nuestras investigaciones comienzan con la serie de obras de carácter performativo “Neumas”, proyecto que comenzamos en 2014 y que ha continuado desarrollándose en distintas fases de experimentación. Neumas (espíritu, soplo, respiración) hace referencia a una protoescri­tura musical empleada entre los siglos IX y XIII: una representación no tanto de la altura de los sonidos, sino de la gestualidad del canto traducida a figura. Estos neumas, como recursos nemotécnicos, permitían una entona­ción colectiva que daba lugar a un canto coral. Esta relación entre la forma del gesto impreciso y su expresión sonora, ha sido el punto de partida para la creación de un habla artificial que extrapola el uso del signo a una fenomenología del habla, como manifestación independiente, física, corporal y que se da en un terreno común con la plástica.

Cada una de estas esculturas/artefactos, entendidas como máquinas de interpretar, nos sitúa en el punto de vista exacto donde se manifiesta un habla encontrada, descubierta en la materia en su estado más arcaico. Su limitada y simple artificiosidad señala al objeto escultórico como dispositivo retórico.

 

 

Máquina Neumática

“Máquina neumática”  continúa el proceso iniciado en “Neumas 0”                                (http://encicloscopio.com/obra/enciclolalia/neumas/) , en busca de una concepción de carácter más definitiva a través de  una optimización de su manejo, a la vez que una simplificación de su mecánica.

Partiendo  del sonido orgánico, casi animal, que producen las membranas en vibración de unos pitos de caña, generamos  esculturas huecas que conducen y modulan este primer soplo hasta emitir sonidos humanoides que se aproximan a fonemas determinados. Partiendo de algunos esquemas de máquinas parlantes sobretodo del siglo XVIII  y XIX (Kratzenstein, Kempelen y Wheatstone ) fuimos modelando hasta encontrar el sonido de las cinco vocales. Por otro lado, las consonantes fueron apareciendo mediante la manipulación y deformación de estas formas primeras.

“Máquina neumática”  consigue deshacerse del ventilador y se alimenta de forma autónoma mediante un sistema de fuelles que accionamos durante la performance. Por otro lado, continuamos investigando  y añadiendo fonemas de manera que la obra reúne, además de las cinco vocales, las sílabas ma-pa-ne-pe-ce-le-rra, ampliando las posibilidades de ideación de frases interpretables.

En diálogo  con las propias limitaciones de pronunciación de la máquina, vamos encontrando palabras y frases que se conforman como partitura para accionar la obra. De este proceso condicionado surge un texto de carácter oracular en el que se describen lugares que no conocemos o se manifiestan lemas de moralidad propia:

Hice neuma y oí lema:

“O hay ley o hay pelea”

Oí: “amarra rama y apalea”

Y huí a cerrar pelea.

Cené rape y anhelé mar

Amanece, leí mapa

Y huí a Ipanema.

¡oooooohh!

Ipanema huele a oleo

Neuma huele a enea.

 

 

Surco

 

El hallazgo de la palabra como perfil parlante en el ornamento arquitectónico, que dio lugar a obras como “Friso”(http://encicloscopio.com/obra/enciclolalia/friso/) y “Lipogramas” (http://encicloscopio.com/obra/enciclolalia/lipogramas/), es reinterpretado para esta exposición mediante la creación de una moldura circular, a modo de medallón. Modelamos sobre el barro un perfil radial cuyos labios vamos interviniendo hasta que conseguimos que en este gesto germine una pronunciación muda. De su positivado en yeso surgen “Surco I” “Surco II: Ley” y “Surco III: Fuerza”. Cada medallón se corresponde con un ejercicio. A veces la búsqueda deriva en un balbuceo continuo, pero en otras aparecen palabras concretas (como ley o fuerza). Al girar los medallones puede verse en la sombra, proyectada por una cuerda colocada ante estos, un perfil pronunciando. El cuarto medallón es sometido a un nuevo proceso de revelado al colocarlo sobre un artilugio sonoro inspirado en el sistema del fonógrafo: una punta, conectada a una membrana que recoge su vibración, recorre el surco generado por el espacio entre ambos labios, leyendo cada cambio en el relieve y generando un sonido modulado por sus propias características físicas. Una traslación de esas palabras mudas a un nuevo código que se aleja del habla pero que se construye sobre ésta.

 

 

Alegría y Piñero

 

JMshow es un nuevo formato expositivo de carácter curatorial que sustituye el modelo de programa expositivo tradicional de la galería mediante un show room en constante transformación a lo largo de la temporada, a través de continuas renovaciones en sus contenidos, con la idea de dinamizar las presentaciones de las obras de los artistas de la galería, otorgándoles una mayor visibilidad periódica a sus nuevos trabajos, así como la presentación de otros muchos artistas que se van incorporando en un proceso constante para establecer diálogos y nuevos relatos. Este nuevo formato expositivo, cuyo programa se complementa alternativamente con sesiones de música, performances y diferentes eventos culturales, pretende en definitiva lograr una mayor dinámica en la producción, difusión y comercialización de las obras, con objeto de fomentar la audiencia, el coleccionismo, así como el interés general en el arte contemporáneo a través de la práctica de una política de gestión cultural más activa y dinámica.

 

El relato continúa

 

JMshow lo integran en la actualidad seis artistas que dialogan e investigan, a través de una amplia selección de sus trabajos, en torno a la interpretación de la naturaleza -entendida ésta en su más amplio espectro del universo material-, así como sobre la forma simbólica de los fenómenos del mundo físico asociados a la humanidad,  a través de diferentes disciplinas artísticas.

 

El paisaje como género que trasciende, a través de la pintura, los mundos fascinantes, soñados, de Patricio Cabrera (Ginés, 1958), nos adentran en nuevas y sugerentes formas geométricas del espacio. Paisajes codificados en los que el gran maestro de talento e imaginación desbordantes, dominador absoluto del espacio y el color a través del medio pictórico, recorre la exuberancia de los paisajes brasileños aprehendidos en sus largas estancias en los trópicos de Sao Paulo y en los múltiples viajes biográficos de su memoria. Pero también la biología y la naturaleza en los pasajes bibliográficos que transita a través de sus interminables exploraciones por la sabiduría de los álbumes botánicos. El panteón, la bananera o la rana conforman en algunos de sus trabajos recientes una iconografía ornamental que configura un nuevo atlas de significados.

 

También el vínculo con lo sagrado, a través de la experiencia espiritual y estética trascienden las  recientes pinturas de Ramón David Morales (Sevilla, 1977). Gran observador de la naturaleza e interesado en las ciencias de la astrología o la física, así como en el estudio del universo y sus valores esenciales, actúa como un alquimista de la pintura para crear un trabajo silencioso, colorista, diferente y original, lleno de frescura y vitalidad, de contundentes formas geométricas y perspectivas espaciales, logrando unos paisajes simbólicos, místicos, hipnóticos ante es espectador, cuyos límites y conceptos homenajean los elementos primarios de la naturaleza y sus recursos básicos.

 

El hombre desde su habitabilidad en el mundo y la condición humana es abordada por Chema Lumbreras (Málaga,1957) desde una óptica literaria y filosófica en sus originales dibujos y conjuntos escultóricos, a través de los que crea un nuevo mundo de ficción mediante un potente discurso metafórico sumergido en el territorio de la fantasía. La escala reducida de las figuras que componen sus esculturas sirve al artista para elaborar escenarios inmensos, y crear fragmentos de micro relatos a través de sus personajes, insectos, animales y seres extraños que nos transportan a límites insospechables de la imaginación para abordar la grandeza del ser humano, pero también su insignificancia y fragilidad en las sociedades contemporáneas.

 

La fascinación por lo desconocido centra el universo pictórico de Almudena Fernández Ortega (Sevilla, 1984), que a través de la distorsión perceptiva de la imagen,  investiga y explora los límites de la pintura, entendida esta en el ámbito del fenómeno de la ‘post-imagen’ y desarrollada en un plano conceptual. Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Conservación-Restauración, Fernández Ortega se interesa por la astronomía, el cosmos y las posibles civilizaciones de un mundo existencial antepasado.

 

Por su parte, la pareja artística Alegría y Piñero (Córdoba, 1985; Chiclana de la Frontera, 1975) vienen desarrollando un proceso de trabajo interdisciplinar, que ellos han denominado bajo el concepto global de Encicloscopio: un ejercicio de mirada cíclica en torno a la imagen, la forma y el sonido, para mostrar múltiples puntos de vista que revelan presencias desdobladas. La nueva serie de trabajos, definida con el término de enciclolalia, es el resultado de una profunda investigación en torno a los antecedentes del habla, a través de un proceso de investigación y descubrimiento de la forma, en el que confluye el ingenio, la artesanía y la acción performativa, para materializarlo en una serie de esculturas, instalaciones y artefactos a modo de máquinas de interpretar. Estas arquitecturas parlantes, desvelan, mediante el movimiento o su accionamiento, mensajes ocultos a través de la simulación del gesto labial y su expresión, traducida en sonido, como camino de aproximación a los orígenes del habla, apelando a la capacidad primigenia de la comunicación humana a través de la voz.

Proyectos Curatoriales JMshow

Narda Alvarado, Patricio Cabrera, Almudena Fernández Ortega,

Chema Lumbreras, Ramón David Morales

Los profundos cambios acontecidos en el escenario del mercado del arte a lo largo de las últimas décadas en un mundo globalizado, tales como la expansión de las ferias de arte y casas de subastas, la proliferación de instituciones museísticas, el avance de internet y la gran transformación que ha supuesto la evolución tecnológica, que tanto ha influido en las formas de comunicación y difusión del arte, son factores todos ellos que comenzaron a transformar desde hace varias décadas los modelos tradicionales del mercado del arte, y el contexto en el cual las galerías venimos desarrollando nuestra actividad profesional. Estos cambios han provocado la necesidad de un replanteamiento estructural y organizativo mediante la implementación de diferentes y nuevas estrategias de gestión cultural y comercial.

 

En este nuevo contexto, JMgalería pretende actualizar y diseñar nuevas estrategias y formas de organización para generar un nuevo formato que permita funcionar de manera exitosa con un nuevo modelo de programa expositivo, pero persistiendo en el rol que ejerce como dinamizador del mercado del arte y como agente de difusión cultural.

 

JMshow: La configuración de un nuevo formato expositivo

 

JMgalería presenta JMshow, un nuevo proyecto expositivo curatorial que sustituye el programa expositivo tradicional de las galerías mediante un show room en constante transformación a lo largo de la temporada, a través de continuas renovaciones en sus contenidos, con la idea de dinamizar las presentaciones de las obras de los artistas de la galería, otorgándoles una mayor visibilidad periódica a sus nuevos trabajos, así como la presentación de otros muchos artistas que se irán incorporando en un proceso constante para establecer diálogos y nuevos relatos. Este nuevo formato expositivo, cuyo programa se complementará alternativamente con sesiones de música, performances y diferentes eventos culturales, pretende en definitiva lograr una mayor dinámica en la producción, difusión y comercialización de las obras, con objeto de fomentar la audiencia, el coleccionismo, así como el interés general en el arte contemporáneo a través de la práctica de una política de gestión cultural más activa y dinámica.

 

Hacia el primer relato

 

JMshow  se inaugurará el próximo día 1 de diciembre y nace con un bloque expositivo que lo integran cinco artistas que dialogan, a través de una amplia selección de sus trabajos, en torno a la geometría del espacio, la fabulación y el mundo de las ideas para la construcción del arte, a través de la pintura, la escultura y el dibujo.

 

El paisaje como género que trasciende a través de la pintura los mundos fascinantes, soñados, de Patricio Cabrera (Gines, 1958), nos adentran en nuevas y sugerentes formas geométricas del espacio. Paisajes codificados en los que el gran maestro de talento e imaginación desbordantes, dominador absoluto del espacio y el color a través del medio pictórico, recorre la exuberancia de los paisajes brasileños aprehendidos en sus largas estancias en los trópicos de Sao Paulo y en los múltiples viajes biográficos de su memoria. Pero también la biología y la naturaleza en los pasajes bibliográficos que transita a través de sus interminables exploraciones por la sabiduría de los álbunes botánicos. El panteón, la bananera o la rana conforman en algunos de sus trabajos recientes una iconografía ornamental que configura un nuevo atlas de significados.

 

También el vínculo con lo sagrado, a través de la experiencia espiritual y estética trascienden las  recientes pinturas de Ramón David Morales (Sevilla, 1977). Gran observador de la naturaleza e interesado en las ciencias de la astrología o la física, así como en el estudio del universo y sus valores esenciales, actúa como un alquimista de la pintura para crear un trabajo silencioso, colorista, diferente y original, lleno de frescura y vitalidad, de contundentes formas geométricas y perspectivas espaciales, logrando unos paisajes simbólicos, místicos, hipnóticos ante es espectador, cuyos límites y conceptos homenajean los elementos primarios de la naturaleza y sus recursos básicos.

 

El hombre desde su habitabilidad en el mundo y la condición humana es abordada por Chema Lumbreras (Málaga,1957) desde una óptica literaria y filosófica en sus originales dibujos y conjuntos escultóricos, a través de los que crea un nuevo mundo de ficción mediante un potente discurso metafórico sumergido en el territorio de la fantasía. La escala reducida de las figuras que componen sus esculturas sirve al artista para elaborar escenarios inmensos, y crear fragmentos de micro relatos a través de sus personajes, insectos, animales y seres extraños que nos transportan a límites insospechables de la imaginación para abordar la grandeza del ser humano, pero también su insignificancia y fragilidad en las sociedades contemporáneas.

 

Investigadora, artista inconformista, arquitecta y estudiante de filosofía, Narda Alvarado (La Paz, Bolívia, 1975) emplea el arte como una herramienta po-ética-estética-técnica para pensar la realidad, vincularse con el mundo y entender el arte en sí. De esta manera, investiga conflictos artísticos, culturales, existenciales, etc. que surgen de los cuestionamientos que plantea el ser humano en el ámbito artístico. La forma y contenidos de sus investigaciones surgen de la oscilación natural que Narda experimenta entre fascinación o curiosidad (como modos de exploración) y aburrimiento o inconformismo (como mecanismos de cambio y renovación).

 

El mundo de las ideas y la fascinación por lo desconocido también centra el universo pictórico de Almudena Fernández Ortega (Sevilla, 1984), que a través de la distorsión perceptiva de la imagen,  investiga y explora los límites de la pintura, entendida esta en el ámbito del fenómeno de la ‘postimagen’ y desarrollada en un plano conceptual. Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Conservación-Restauración, Fernández Ortega se interesa por la astronomía, el cosmos y las posibles civilizaciones de un mundo existencial antepasado.

 

ColumnaJMshow: Para llegar a ser artista de éxito

 

El espacio de proyectos alternativo y dinamizador de JMgalería, inaugurado y bautizado hace dos temporadas como ColumnaJM, dedicado al arte más emergente del contexto andaluz, y que ha dado visibilidad y proyección a numerosos jóvenes artistas de proximidad, transformará igualmente su dinámica expositiva en un show room en constante metamorfosis para el debate y la reflexión en torno a la nueva creación del escenario andaluz. El proyecto expositivo curatorial de apertura de ColumnaJMshow, que inauguraremos junto al proyecto JMshow, presentará los trabajos de tres excelentes artistas andaluces con los que se plantea una visión crítica y ácida en torno al cuestionamiento de la institución académica durante la formación artística  y las vicisitudes en los inicios de la carrera profesional, para reflexionar sobre el éxito y el fracaso de la profesión artística.

 

Natalia Domínguez (Jerez de la Frontera, 1990), utiliza dispositivos autobiográficos y metafóricos para reflexionar sobre la formación académica,  y se  sirve de referencias visuales para elaborar una serie de acuarelas, fotografía y esculturas que indagan en el imaginario colectivo a través de la reproducción de las portadas de las publicaciones de recopilatorios de los top 100 artistas y manuales de arte reales así como otros ficticios.

 

Un exquisito y metódico trabajo que contrasta con la obra pictórica de “El chico de oro del arte”, como reza el artículo de prensa de un diario local con su referencia en primera página, enmarcado a modo de orla, en el que el periodista que lo suscribe, bautiza de este modo los inicios triunfales de Alejandro Castillo Montoya, (Melilla, 1992) que ya, en su primera exposición individual tomó cedidas más de 24 obras de coleccionistas privados. El trabajo pictórico de Alejandro Castillo, perverso de la disciplina en su absorción desprejuiciada de modos tomados de otros campos y fenómenos de la cultura contemporánea como el vaporwave, la literatura beat, o incluso la repostería, al tiempo que “remezcla” desde un eclecticismo radical y festivo lenguajes propios de la bad painting, el arte pop, el neoexpresionismo o el grupo CoBrA,  se despliega en este show ante el espectador, unas obras emanadas directamente de la tremenda intuición e instinto pictóricos con los que aborda la producción obsesiva de sus embriagadores cuadros.

 

Por otro lado, el aprendizaje mediante el lenguaje, la representación y la narrativa visual centran el trabajo de Alicia Roy (Málaga, 1986), logrando unos “Objetos obsoletos” que plantea mediante la investigación de la expresión y el estudio de formas artificiales que generan diálogos entre objetos, colores y formas en el espacio a través de lienzos; así como una serie de esculturas basadas en los conceptos, las ideas y sus reflexiones visuales, y cuyas formas  pueden recordar a objetos cotidianos carentes de utilidad cuyos diseños parecen predestinados al fracaso, ó al éxito…

 

DELIA BOYANO en Galería JM

Comisariado: Blanca Montalvo

 

Horarios y duración: De 11 a 14 hs. y de 17.30 a 20.30 h., de lunes a viernes. Sábados de 11 a 14 hs. Del 16 de junio al 4 de septiembre de 2017. (Agosto previa cita)

 

 

Salado

            The Cucumber Sandwich Club. Fábula segunda se inaugura en la sala Columna JM, una semana después de que  La corona de la reina. Fábula primera, se abriera al público en la sala de exposiciones de la Facultad de Bellas Artes. Ambas muestras son fruto de un acuerdo entre Javier Marín, y su histórica galería y la Universidad de Málaga. Para los jóvenes que finalizan sus estudios, es una oportunidad inestimable acercarse tan pronto al ámbito profesional del arte. Y además, hacerlo con el reto que supone preparar dos individuales para la misma ciudad y las mismas fechas.

            Delia Boyano consigue superar la prueba con elegancia y delicadeza. Como si se hubiera apropiado de Pinewood Studios junto a sus compañeras: Nashia, de Chipre, Kataryna, de Polonia y Anru de China,  filman el núcleo de The Cucumber Sandwich Club. Una exposición en la que nos vemos envueltos entre pistas de tenis de prestigiosos clubes londinenses, y sándwiches de pepino, recompensa frugal de calorías consumidas. Como Orson Welles envuelto en su capa de mago entre langostas, falsificadores y puros, la artista, transfigurada en maestra de ceremonias, nos introduce en sus películas y fotografías de un mundo blanco de luz difusa, en claro contraste con la presencia barroca que rezuman las esculturas y la iluminación teatral de la sala que ocupamos.

            La comida forma parte del arte desde su prehistoria: de los búfalos de Altamira al mero de la Cueva de La Pileta. Magia, mito, economía, política, poder, belleza, amor o verdad son representados en las cenas de los Guermantes descritas en detalle por Proust o en los frugales bodegones de Sánchez Cotán; en la venganza entre los fogones de La Holandesa orquestada por Greenaway o la comida como material y soporte de las instalaciones de Miralda; en la representación de la pobreza de Los comedores de patatas de Van Gogh o en la belleza de lo cotidiano de las ciruelas de William Carlos Williams, deliciosas, tan dulces y tan frías.  El alimento no es el tema de la obra de Delia Boyano, sino una sutil metonimia con la que especula sobre los retos y estrategias de una sociedad burguesa y enriquecida a costa de la pérdida de la empatía, y la búsqueda absurda de objetivos banales.

            Para Wilem Flusser las imágenes se han convertido en pantallas que ocultan lo que representan. Las esculturas que crea Delia Boyano, como las piezas de Doris Salcedo, responden a ese doble movimiento o giro del que habla Mieke Bal: superficie y volumen responden a diversas estrategias, que podrían llegar a ser entendidas como opuestas. Vaivén del espectador que se acerca y se aleja al contemplarlas, en un tiempo convertido en pliegue, que ha provocado un movimiento de suspensión del tiempo narrativo, consecuencia del flujo entre distancia y cercanía, entre el mundo de los objetos y el las imágenes, entre lo terrenal y lo divino.

            El bote lleno de estrellas de purpurina reposa bajo la pequeña luz que lo hace brillar y multiplicarse, mientas Santa Eulalia observa, desde La Columna. La obra, inspirada en la talla de 1760 de Luis Salvador Carmona, aquí ha sido modelada en una masa realizada con obleas, ese pan ácimo que sabe a iglesia. Nuevo barroco nuevo.

 

Delia Boyano López de Villalta (Málaga, 1994) es Graduada en Bellas Artes (2016) por la Universidad de Málaga. Actualmente cursa el Máster Performance Design and Practice en Central Saint Martins, UAL (University of the Arts of London). Ha sido seleccionada para participar en diferentes exposiciones como La Chistera (MAD, Antequera, 2016), 10 fugas (Salas Rectorado UMA, Málaga 2017), MA Work in Progress exhibition (Central Saint Martins, Londres, 2016), o The Cucumber Club. Acaba de finalizar una residencia europea con Proyecto Elos (Erasmus Founding, Atenas, 2017).

 

INCENDIAR EL VELO. FETICHES DE OBJETO/ IMAGEN – Galería JM

Incendiar el velo; fetiches de objeto/imagen

 

Ana Teresa Ortega – Chema Cobo – Mario Espliego

Paula Rubio Infante –  Simeón Saiz Ruiz – Tete Álvarez

Del 16 de junio al 30 de septiembre de 2017

(Agosto previa cita)

 

“INCENDIAR EL VELO;

Fetiches de objeto/imagen”

 

Decía Rilke en relación a la imagen poética que si arde es que es verdadera, Benjamin, a su vez, afirmaba que la verdad no aparece en el desvelo, sino más bien en un proceso que podríamos designar analógicamente como el incendio del velo, un incendio de la obra, donde la forma alcanza su mayor grado de luz. Lo siniestro funciona en la imagen como aquello que no se ve, un mecanismo complejo que queda oculto a simple vista. En este sentido, las obras permanecen veladas, requiriendo de un resorte que produzcan su desvelo. Lo estético puede traducirse en este contexto como la tensión inherente entre la imagen presente y la ausencia de aquello que oculta. Es una búsqueda de la verdad a toda costa.

 

El último capítulo de Materializar el pasado: el artista como historiador de Hernández-Navarro habla de una vuelta a lo tangible en una época envuelta en la desmaterialización de la experiencia sensible que han descrito autores como Bauman, Virilio o Baudrillard enfatizando conceptos como la velocidad, el simulacro o la modernidad líquida. Esta vuelta viene dada de la mano de una recuperación del fetiche como objeto-imagen capaz de devolver la carnalidad al cuerpo contemporáneo. Desde el arte se ha enfatizado esta recuperación material del cuerpo, su carnalidad, desde una objetualidad cargada de memoria, que condensa toda una historia dentro. Una recuperación de lo experiencial que desemboca en un retorno de lo material, un retorno del pasado. El fetiche es descrito como ese objeto mágico con gran carga simbólica capaz de hacer retornar esta materialidad que estaba obsoleta o puesta en tela de juicio. Es ese tipo de objeto que se esconde tras lo siniestro, que encierra algo que es susceptible de escapar al accionar su mecanismo de desvelo situándonos al borde del abismo.

 

En su ensayo Imágenes pese a todo, Didi-Huberman abogaba por hacer uso de cualquier material de la historia que sirviera para conocer aquellos hechos oscuros y terroríficos del pasado. La defensa de las imágenes del holocausto le supuso muchas críticas, la mayoría de ellas basadas en su exhibicionismo innecesario pues el relato de estos acontecimientos ya es sobradamente conocido gracias a la memoria de aquellos que los vivieron. El autor, no obstante, defiende este uso de la imagen como única prueba fidedigna de la solución final. Godard, afirmó en torno a la misma cuestión, que el cine fracasó en el mismo momento en que no fue capaz de grabar este trágico acontecimiento. Su concepción de lo cinematográfico no se orienta en la ficción, sino en el montaje que es capaz de arrancar un atisbo de verdad a la historia. Al no poder mostrar esta verdad, su fracaso resultó evidente. Las imágenes del horror son demasiado cercanas, demasiado dolorosas como para no volver la mirada. El velo sirve como escudo, como modo de acercarse a este tipo de imágenes mediante un mecanismo que oculta todo este horror, pero que incita a conocer que hay más allá de él.

 

Este cuestionamiento del pasado, que vuelve a emerger en muchos artistas contemporáneos, es debido a una herida abierta que existe en nuestra sociedad. Hacer uso del espacio expositivo para reabrir el debate en torno a la construcción de la historia se antoja como elemento fundamental sobre el que, desde el arte, contribuir al descubrimiento de la verdad del acontecimiento. La historia se construye de un modo abierto y múltiple con posibilidades de ser completada y redefinida; donde las imágenes se presentan a modo de constelación, yuxtapuestas las unas a las otras, y donde el tiempo queda condensado en ellas posicionándose contra la historia oficial. Volviendo de nuevo a Benjamin: la historia contada, la transmitida, la visible, es la historia de los vencedores. Se trata de una historia que sólo ha podido ser realizada a través del ensombrecimiento de los vencidos. Una historia heredada, construida sobre las tumbas de los olvidados, que contiene una parte maldita: “no hay documento de cultura que no sea, a su vez, documento de barbarie”.

 

Los trabajos de Tete Álvarez Proemios y Official portrait parten del asepticismo de la imagen documental con sendas series de fotografías que presentan espacios de poder. Si en Proemios esa asepsia se traduce en la desaparición del personaje, Official portrait introduce a la escenografía una serie de retratos velados por una silueta negra, que tratan de ahondar en lo que hay más allá del discurso oficial. Los retratos de Chema Cobo Humbugs están dotados intrínsecamente de ese halo siniestro de no conocer al retratado, algo que desconcierta y perturba en la imagen. Sentimientos que derivan en una sensación de espanto al descubrir la imagen de un asesino en serie, o de un vampiro encarnado por el actor Bela Lugosi. Simeón Saiz conecta directamente con la imagen del horror al registrar mediante video multicanal un viaje a Kielce; lo que parece un paisaje idílico e inofensivo oculta tras de sí una verdad velada que conecta con la barbarie de la guerra. Tratando de horadar en la historia, el trabajo de Ana Teresa Ortega parte de la fotografía paisajística, en una serie llamada Cartografías silenciadas. Lo que oculta la imagen son lugares olvidados que en el pasado tuvieron una oscura relación con el franquismo y su correspondiente represión; campos de concentración y trabajo repartidos por toda la geografía española. La instalación de Paula Rubio Infante Destino manifiesto vuelve a derivar hacia una mirada a las arquitecturas del poder, que reflexiona sobre la conducta sádica del ser humano para conseguir los objetivos de expansión geográfica, política y racial. El título enlaza con la idea de “lebensraum” de espacio vital que Hitler utilizó para anexionar territorios durante el Tercer Reich. Mario Espliego, por último, plantea en su trabajo Artefactos del encantamiento una investigación que interroga como lo ornamental con lo cual convivimos día a día, mantiene oculto una perturbación. De este modo, lleva a cabo una genealogía en torno a las “fasces”, forma utilizada por el régimen fascista italiano, que ha sido usada posteriormente en el diseño contemporáneo lanzando una clara pregunta al aire, ¿es la forma algo ingenuo, algo superfluo carente de ideología, o más bien, un elemento que camufla toda esa ideología y la sitúa, de manera velada, en nuestras sociedades democráticas?

Invitación/performance MARC MONTIJANO / Sábado, 27 de Mayo en Galería JM

Nos complace invitaros a la performance “Celebratio vacuum” (la celebración del vacío)

que el artista Marc Montijano realizará en la galería

el próximo día 27 de mayo a las 19:00 horas.

FRANCISCO JAVIER VALVERDE en Galería JM

FRANCISCO JAVIER VALVERDE

Oleoramas del Parque del Oeste

 

Comisariado: Polaroid Star

 Inauguración: Viernes 17 de marzo de 2017, 20:30 h.

Horarios y duración: De 11 a 14 hs. y de 17.30 a 20.30 h., de lunes a viernes. Sábados de 11 a 14 hs. Del 17 de marzo al 3 de junio de 2017.

JMGalería presenta la obra última de Francisco Javier Valverde, Oleoramas del Parque del Oeste, cuya exposición será inaugurada el próximo viernes 17 de marzo a las 20.30 hs. en el espacio ColumnaJM de la galería. Este proyecto, que forma parte de la investigación doctoral que el autor viene realizando en torno a las relaciones que pueden establecerse entre narración, tiempo y pintura, articula la cuestión desde el estudio de los límites representacionales de la disciplina bidimensional, de forma que asume el espacio como ámbito necesario para desarrollarlos. Así, Valverde, que en su anterior proyecto expositivo, Maryon Park, ya se había interesado por establecer lecturas de sus cuadros que implicasen el recorrido físico del espectador por la sala, aquí vuelve a tensionar las posibilidades de la pintura para involucrar en ella múltiples dimensiones temporales, esta vez cruzando alegóricamente la materialidad del óleo de sus telas con la del celuloide que permite proyectar imágenes sucesivas para producir el efecto cinematográfico de imagen en movimiento. Ello le ha llevado a configurar para la ocasión una intervención espacial de varias series, conformada por un total de más de ochenta cuadros, en la que la excelente soberanía que, como pieza pictórica autónoma, ostenta cada uno de ellos, se conjuga, simultáneamente, con su condición evocadora del concepto de still, de fotograma, jugando con una continua detención y activación del tiempo. El sofisticado empleo que se nos ofrece de esta cuarta dimensión lo muestra desplegado en varios planos, haciendo de la instalación una especie de sinfonía de heterocronías que remite al espectador a un vagabundeo multitemporal por el Parque del Oeste de Málaga, lugar de paseo cotidiano de Valverde con su perro. Esta exposición, comisariada por Polaroid Star, estará acompañada por un catálogo, coeditado por Los Interventores y JMGalería, que incluye textos tanto de la comisaria como del autor.

 

Francisco Javier Valverde (Málaga, 1991) es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Málaga (2013), donde también ha realizado el Máster en Pro­ducción Artística Interdisciplinar (2015). Actualmente desarrolla sus estudios de Doctorado también en la UMA. Ha disfrutado de la Beca Creadores La Térmica (Málaga, 2015), de una Beca Iniciarte (Junta de Andalucía, 2013-14) y de la Beca de la UMA para la Real Aca­demia de España en Roma (2013). Su primera exposición individual, Maryon Park, tiene lugar en 2015 en la Sala de Exposiciones de la Facultad de Bellas Artes de Málaga. Ha sido seleccionado para participar en diversos certámenes y exposiciones colectivas, como La chistera (Museo de Arte de la Diputación de Málaga, Antequera, 2017), Under 35 (Gacma, Málaga, 2017), La ciudad invadida (Guillena, 2017), INT16. Proyectos Fin de Máster en Producción Artística (CCP María Vistoria Atencia, Málaga, 2016), el Certamen de Artes Visuales MálagaCrea (Cacmálaga, 2016, 2014, obteniendo ambos años Mención Especial, 2015 y 2013), Proyecto Imago Mundi. Made in Spain (Cacmálaga, itinerante a la Fundación Giorgio Cini, Venecia, 2015), Álbum familiar (La Caja Habitada, Sevilla, 2015), Papeles mojados. III Salón de las Vanidades (Palacio Ducal de El Carpio, Córdoba, 2015, obteniendo una Mención Especial), Causa o pretexto (Sala El Palmeral Iniciarte, Málaga, 2014), Mamá (Sala Fundación Cruzcampo, Málaga, 2014), VII y VI Premio de Pintura Universidad de Málaga (Salas del Rectorado de la UMA, Málaga, 2013, obteniendo este año el 2º Premio, y 2012) o III Muestra Internacional de Arte Universitario IKAS ART (Bilbao, 2011), entre otras.

 

 

Exposición de María Vera en Galería JM

c o l u m n a J M

Sin título. 2016 Monotipo sobre papel Torreon.  50 x 70 cm.

María Vera

Luz silenciosa

Comisariado: Javier Bermúdez

Inauguración: Viernes 9 de diciembre de 2016, 20:00 h.

Horarios y duración: De 11 a 14 hs. y de 17.30 a 20.30 h., de lunes a viernes. Sábados de 11 a 14 hs. Del 9 de diciembre de 2016 al 11 de febrero de 2017.

 

“Así que hay en las cosas, además de las cualidades elementales que

conocemos en ellas, ciertas virtudes que le son naturales y que admiramos, y de

las que nos asombramos de no poseer el conocimiento, y de haberlas visto rara

vez, o nunca”.

 

Cornelius Agrippa, Filosofía oculta.

 

“Vemos las cosas sólo tal y como estamos construidos para verlas y no

podemos formarnos una idea de su naturaleza absoluta. Con cinco sentidos

pretendemos comprender el cosmos en su infinita complejidad…”.

 

“Existen mundos enteros de materia, energía y vida que se encuentran al

alcance de la mano pero, pese a todo, jamás podrán ser detectados con los

sentidos que tenemos”.

 H.P. Lovecraft. Del más allá.

 

1.

Etimológicamente lo que está “oculto” es algo escondido, velado, rodeado de sombras, que no pertenece al rango de lo visible, que la mirada no puede captar. Es algo que por ello está fuera de nuestro conocimiento, de ese mundo-para-nosotros¹, que es aquel que podemos discernir; hacer inteligible a nuestro entendimiento. La naturaleza posee un mecanismo que funciona así, en una tensión latente entre el aparecer y el desaparecer, la osadía y la timidez, que se desvela a medida que somos capaces de perfeccionar instrumentos y modos de pensar que nos acercan a ella. No obstante, siempre hay regiones que permanecen en la oscuridad, en la negritud del día, una concepción que hace obsoleta un acercamiento a estos fenómenos a través de la mirada, de la observación directa, poniéndose en suspenso este sentido primordial.

 

2.

La idea de negritud, en cuanto a límite de la mirada, substrae la concepción de lo humano acercándolo a un mundo espectral y especulativo, donde el perfeccionamiento de otros sentidos es indispensable para encauzar nuestro vínculo con la naturaleza. Es de cultura popular, que aquellos incapaces de ver -ya sean personas, animales o plantas-, son capaces de desarrollar una manera distinta de relacionarse con el mundo mediante el perfeccionamiento de otros sentidos. Así, los humanos invidentes tienen un oído más afinado que les permite una relación con lo natural a través del sonido, que se convierte en su modo de entender el mundo. La resonancia es la vibración del sonido, algo así como una luz silenciosa que pertenece a las cosas, incluso a aquellas inanimadas.

Este término, desarrollado en el taoísmo, puede traducirse como una especie de alma inherente a las cosas que se traduce en ondas electromagnéticas que podemos percibir pero no explicar, quizás porque lo hacemos a través de cualidades instintivas que no controlamos y que quedan alojadas en el inconsciente².

 

3.

Una manera chamánica, inconsciente, de acercarse a estos fenómenos o cosas es el acto artístico -acto poético- que, a priori, muestra un amplio rango especulativo. De esta manera, la relación entre el sujeto y el objeto estaría mediada a distintos niveles entre la razón y la sinrazón -un acercamiento a lo desconocido que no se puede explicar, pero que se puede intuir a través de una resonancia, una relación entre las cosas que surge de manera poética-. El acto artístico corporiza tan sólo una parte del todo, hace emerger un fragmento de lo desconocido -situado más allá del límite de lo humano dentro del mundo que somos capaces de pensar.

 

4.

Esta noción relativa a lo desconocido parece estar oculta en la serie Resonancias, desarrollada por María Vera, que supone una radicalización de la idea de naturaleza y de paisaje en sí. Si en Physis kryptesthai philei, la relación con la naturaleza se hace patente en la tensión inherente a ésta –entre el aparecer y el desaparecer relativa a la mirada- sus resonancias provocan una ruptura radical con este sentido convirtiéndolas en una especie de agujeros negros capaces de absorber la luz de la sala; una instalación sonora inaudible. Es como si la tensión existente en el bajo contraste de sus pinturas tornara por algún motivo en una imposibilidad de visión de la naturaleza, derivando la representación -de las pinturas- en un imagen ciega y sorda al mismo tiempo -los monotipos-, ausente en cuanto a luz y sonido.

 

5.

Luz silenciosa es un acercamiento especulativo a la idea de paisaje cósmico, en cuanto a relación

límite con lo humano; se sitúa en una tensión entre los sentidos de la mirada y lo audible, y transgrede la propia naturaleza. Supone una aproximación a lo oculto que puede llevar irremediablemente a la nada; un mundo no humano consecuencia de una crisis existencial que cuestiona el lugar y el papel de los individuos a la luz de la ciencia, la tecnología, el capitalismo y las guerras mundiales.

  

1 Thacker, E. En el polvo de este planeta. Materia Oscura. 2016.

2 Racionero, L. Textos de estética taoísta. Alianza Editorial. 2008.

  

Javier Bermúdez

María Vera Ramos  (Málaga, 1993) es Graduada en Bellas Artes por la Universidad de Málaga (2016) cursando actualmente el máster de Producción Artística Interdisciplinar. Ha participado en el taller impartido por Francesc Torres UMA, 2015;  el Curso de Grabado Genio y Materia. UMA ,2013. Ha obtenido las Becas Pintores de Paisaje del Palacio de Quintanar, Segovia 2015, y Alfara Studio, Salamanca 2016. Entre sus exposiciones colectivas destacan Rethinking Art, en el taller de grabado Gravura, Málaga 2013. El Espejo, La sala de Blas,  Málaga 2014. MarbellaCrea, Marbella 2015. El afuera y el adentro, Fundación Valentín Madariaga, Sevilla 2015. IX Premio de pintura UMA, sala del Rectorado de la UMA, Málaga 2015. Pensionados del curso de Pintura de Paisaje, sala La Alhóndiga, Segovia 2015. Las estrellas de San Felipe, Museo del Vidrio, Málaga 2016. Algo más alegre III, Galería Casa Bonita, Sevilla 2016. Divergencias, sala del Rectorado de la UMA, Málaga 2016. Silvestre, Portón de la Encina de San Silvestre, Salamanca 2016.

 

Invitación: MARTÍNEZ BELLIDO / a partir del viernes 23 de septiembre.

c o l u m n a J M

Inauguración / Opening

Sin título. Óleo sobre fotografía. 8,8 x 6,3 cm.

 

Martínez Bellido

Sam Wright

 

Comisariado: Patricia Bueno del Río

Inauguración: Viernes 23 de septiembre de 2016, 20:30 h.

Horarios y duración: De 11 a 14 hs. y de 17.30 a 20.30 h., de lunes a viernes. Sábados de 11 a 14 hs. Del 24 de septiembre al 26 de noviembre de 2016.

 

Correspondencias verticales

 Llevo toda la vida buscando realidades que me abrieran posibilidades de desplegar mis recursos para construir una historia, y sé, desde hace tiempo, que solo a través del arte actual podemos llegar a reflexionar sobre una propuesta acotada, poniendo en ella todo aquello que en ese momento somos, los recursos que tenemos en la mochila, y expandirnos para discernir aquello que deseamos o de lo que nos vemos capaces, obligándonos, incluso, a poner a prueba nuestro propio ingenio para resolver el asunto que tenemos en frente de nosotros mismos.

 La exactitud que permite la fotografía, vincula a su contenido con conceptos como descripción, narración o representación, y eso es una realidad incuestionable, más aún cuando las instantáneas de las que hablamos, datan del primer cuarto del siglo XX, valor que la aleja de cualquier programa informático de edición, pero, no en esencia, del manejo humano. Martínez Bellido (Cádiz, 1992) manipula las imágenes que constituyen esta exposición para abrir un campo al imaginario desprovisto de la identidad del protagonista y del artífice para mostrarnos un espacio espectral y virgen que espera, más que la lectura del espectador, su propia reescritura.

 Esta es – o, mejor dicho, fue- la historia de Sam Wright, el álbum de un individuo que existió y cuya presencia ha quedado subrogada por el artista a sus propios momentos, actuando éste como un mago capaz de construir con su propia sensibilidad una realidad paralela. En las imágenes, existen analogías que son más elocuentes como significantes, que por sus propios significados, pero que, en cualquier caso, establecen principios de esquemas, socialmente construidos que funcionan limpiamente como productos mentales.

Corresponder(se) es el acto de relacionar, de buscar sentidos equivalentes. La verticalidad alude a la firmeza y convicción férrea acerca de lo que visiblemente nos rodea, hablamos de realidades e identidades que son descartadas en favor de los estímulos. Una forma de revisar las propias circunstancias del hombre.

 El artista actúa como intermediario entre la naturaleza y el hombre ofreciendo una visión idealista del mundo. Lo natural y lo supra-real como un oxímoron personal creado para obligarnos a descifrar los signos de una representación oculta de los conceptos vinculados a las circunstancias. Aquí se pierde el elemento principal, el elemento clave, dando a la imagen un sentido totalmente diferente, casi fantasmagórico, que invita a profundizar más si cabe, en su propia idea.

 Vemos en la fotografía lo que realmente somos, a partir de la ausencia del hombre, y con ello, una especie de apertura al delirio que encuentra vínculo y apoyo entre sí por la presencia de un elemento omnipresente: el agua. Tenemos el tiempo y el lugar para construir nuestro propio mundo a través del de las experiencias ajenas.

 Cuando lo espiritual permanece en una realidad misteriosa, global, fugaz e indistinta, la imagen gana en proximidad, intimidad y elocuencia, se desmontan las previas historias sobre las que habían sido creadas, y se le da solidez al tiempo por excelencia de la imagen líquida. Se abre el campo de la función existencial que encierra al hombre en sus límites tangibles y revisados. Hemos iniciado un viaje atemporal. Al fin y al cabo, se trata de eso: reinterpretar la memoria.

 

Patricia Bueno del Río

 José Manuel Martínez Bellido (Cádiz, 1992) es graduado en Bellas Artes en 2014 por la Universidad de Sevilla. Ha realizado numerosos cursos de Arte, Estética y Paisajismo, cursando actualmente el de Especialización en Fotografía Contemporánea en la Fundación Valentín de Madariaga. Ha obtenido las Becas de INICIARTE, ICAS, Fundación Rodríguez Acosta, y seleccionado para la primera edición de Biunic, en 2015. Su obra se caracteriza por el análisis de la imagen y la importancia del dibujo, en los cuales profundiza mediante el estudio de la memoria y la fotografía. Reflexiona sobre la presunta libertad icónica de la sociedad actual, trabajando sobre lo narrativo, las estampas, los rostros y los recuerdos. El pasado año tuvo lugar su primera exposición individual “Niebla”, en la sala Santa Inés de Sevilla, dentro del programa INICIARTE.